LA ALTERNATIVA 2.0

Marvel Héroes. Iron Man - La semilla del dragón

2012-01-13T12:14:00.002+01:00

Cuando sacaron la saga de la Segunda Guerra de las Armaduras en el coleccionable de Marvel Héroes de Panini, muchos nos quedamos asombrados por el magnífico dibujo de un Romita Jr. por aquel entonces pletórico y superior al resto de sus contemporáneos en espectacularidad y composición. Tanto, que esas asombrosas viñetas nos hicieron dudar de si realmente el guión era para tanto, especialmente porque los mismos quedamos irremediablemente enganchados a la subtrama del Mandarín, por su componente místico y por el carisma que desprende esta enigmática figura, rediseñada de una forma tan convincente que después resulta extraño verla con los atuendos habituales. Resumiendo, teníamos ganas de más, y gran parte del mérito lo tuvo el dibujante que, en esta ocasión, demostró que a veces el dibujo, no solo bueno sino también efectivo, puede ser crucial a la hora de disfrutar un cómic de superhéroes. Tampoco hay que olvidar que John Byrne goza de una gran admiración y prestigio, al fin y al cabo ha creado etapas memorables que muchos recuerdan con agrado. Por eso, pese a que sabíamos que Romita Jr. no estaría al cargo de la saga posterior, teníamos una enorme curiosidad por ver el plan del Mandarín al completo y alguna explicación sobre su misterioso acompañante, por lo que pedimos con ganas la publicación de la saga de La semilla del dragón. Hicieron caso a nuestras súplicas y aquí la tenemos al fin. ¿Merecía realmente tantas peticiones?

Pues visto lo visto... no. Este es uno de esos casos en los que hay que tener cuidado con lo que se desea. No cabe duda de que muchos deseábamos "tapar" ese hueco de nuestra colección, queríamos completar la historia recién empezada. Pero a decir verdad, aún yendo advertido por varios de los lectores que ya "disfrutaron" de la misma en su momento, nunca llegué a imaginar un descalabro como este. Principalmente porque independientemente de lo bien o mal escrita que esté, de cómo sea su desarrollo o de si es épica o no, lo peor que nos podemos encontrar en un producto de estas características es un cúmulo de malísimas ideas que se dedican a explicar orígenes de personajes que ganaban mucho más con el halo de misterio que antaño poseían. Siendo lo más grave el recurrir a la enésima revelación marciana (a todos los niveles), destrozando todo concepto místico que hubiere para convertirlo en algo intergaláctico, al más puro estilo Los Inmortales 2 (del mismo año que esta saga, qué casualidad). Decir que Byrne no estuvo inspirado es decir poco.

Hoy en día, lo que hace Byrne en este tomo, estaría seguido de montones de críticas negativas por Internet, por fácil, por redundante y por cutre. El último adjetivo es el que mejor describe este tomo, el guionista se permite reescribir la historia de tres personajes relacionando tres mitologías distintas de la forma más absurda posible. Nunca he visto tal cúmulo de imposibles casualidades, y decir eso siendo lector de superhéroes significa mucho. Es, sencillamente, un muy mal trabajo, una actualización pésima de orígenes y la eliminación de un montón de posibilidades que tras las mediocres revelaciones ya no tienen cabida alguna. Para colmo, hay fallos flagrantes de guión, cosas como la supuesta enfermedad de Tony Stark, de la que dramatizan en exceso para lo mucho que puede hacer luego nuestro valeroso y arrojado protagonista. Sin pies ni cabeza, vemos a los personajes sufrir momentos de indefensión solo cuando las circunstancias lo exigen, para luego hacer como que se olvidan de ello. Resulta curioso que el anodino, que no malo, dibujo de Paul Ryan sea lo más aceptable del tomo. No es ninguna maravilla y desde luego está muy por debajo de lo que Romita Jr. nos había ofrecido anteriormente, pero en él vemos más esfuerzo que en el guión, aunque éste no sea difícil de superar, ofreciendo un trabajo correcto que no brilla pero por lo menos se digna en contarnos adecuadamente la historia. Eso sí, uno no puede evitar pensar si habría estado mucho mejor todo este tinglado en manos de alguien bastante más ingenioso, especialmente con los diseños.

En resumen, un trabajo bastante pobre repleto de muy malas ideas. Es un precedente claro del Byrne que luego trataría de reescribir a sus personajes favoritos de Marvel a su antojo a lo largo de los noventa con muy malos resultados. La verdad, no es nada recomendable.

Deadwood - Temporada Uno

2012-01-04T12:42:00.000+01:00

Antes de entrar en materia, comencemos con lo principal: nunca me han gustado las historias ambientadas en el western clásico americano. Esto puede deberse a la saturación que sufrí en mi infancia cuando en la televisión de mis tíos y abuelos no se veía otra cosa, me resultaba todo tan repetitivo que no le veía ni aliciente ni atractivo. Esa impresión no cambiaría hasta la llegada de Sin Perdón, un western crepuscular de Clint Eastwood (como director y actor principal) que pese a su condición referencial supo calarme hondo con una propuesta en donde la fina línea entre el bien y el mal apenas se divisa entre unos personajes tan tridimensionales como entrañables dentro de sus crudas características. En otras palabras, se salía de lo establecido y supo sorprenderme, por eso me quitó la venda de los ojos y eliminó varios de mis injustificados prejuicios. Poco después, descubriría que en el género tenía mucho por descubrir, y que algunos de sus temas más comunes son compartidos por los mismísimos superhéroes, sobre todo por aquello del héroe altruista que no duda en arriesgar su vida con tal de impartir su propia justicia. Vería así la figura del anti-héroe en el genial Hombre sin Nombre del ya mencionado Eastwood en la famosa trilogía del dolar de Sergio Leone. Pero antes de seguir divagando, he de explicar que el párrafo sirve para explicar por qué decidí darle una oportunidad a Deadwood, que fue básicamente porque me sentí por fin preparado para ver una serie de esta temática, ya que no es lo mismo dar una oportunidad a una película de dos horas que a una serie que puede durar más de 200 si posee más de una temporada. Así pues, veamos por qué es tan especial esta apuesta ya finiquitada de la HBO.

Después de haber visto la primera temporada, la primera conclusión que saco es que me habría gustado igual sin toda la preparación previa anteriormente mencionada. ¿Por qué? Porque sencillamente, y como era de esperar para cualquier neófito de la cadena, Deadwood no tiene ni un solo tópico del género, no repite nada que ya hayamos visto antes y más que narrar una historia clásica de cowboys lo que hace es precisamente mostrar lo que mejor saben mostrar los responsables de algunas de las mejores obras televisivas de la última década: ofrecer una historia de conspiraciones que recuerda más a la mafia que a cualquier otra cosa ambientada entre Saloons y oficinas del Sheriff, con personajes que nunca sabes por dónde te pueden salir y ofreciendo también retazos de historias reales. Es más, lo que hace realmente especial a esta serie por encima de todo es el tratamiento atípico que realiza en personajes históricos conocidos, algo similar a lo que ya vimos con Julio César en Roma o como están haciendo con Nucky Thompson en Boardwalk Empire. Por eso, resulta fascinante seguir a gente como Calamity Jane, Seth Bullock o el legendario Wild Bill Hickock (interpretado soberbiamente por Keith Carradine) entre muchos otros. Y entre todos ellos narran el nacimiento y la evolución que sufrió el lugar conocido como Deadwood, mostrando así un acercamiento bastante verosímil del verdadero rostro de la América del siglo XIX. O dicho de otra forma, el derrumbamiento de cualquier visión romántica sobre el supuesto progreso de uno de los países más poderosos del mundo moderno.

La primera temporada sirve de introducción a ese lugar maldito que no ofrece nunca una cálida bienvenida a nadie. Se trata de un campamento que ni siquiera pertenece a la jurisdicción de la época, en el que malviven aquellos que no son capaces de mantener sus posesiones por sí solos, donde es fácil perder la vida entre las calles de barro y donde tu propio cadáver puede acabar siendo pasto para los cerdos si no sabes cuidar tus espaldas. Es, en definitiva, un lugar sin ley, repleto de gente corrupta e indudablemente peligrosa. Entre todos ellos destaca Al Swearengen, interpretado por Ian McShane con una convicción de hierro, quien no duda en ejecutar a todo aquel que no sirva para sus propósitos, siempre que no le perjudique dicha acción. Es un metódico empresario que se acerca más a Tony Soprano que a cualquier otro personaje del género que se te ocurra, por eso resulta tan interesante verlo moverse en un terreno tan adecuado para su forma de ser. Lo mejor es que no tarda en encontrar la horma a su zapato en el grupo que simpatiza con Hickock, quienes entablan lazos de amistad que a su vez se convierten en motivo de enemistad para este conspirador incansable. Los actores, por lo tanto, realizan un trabajo titánico en una trama repleta de drama, crudeza y desesperación. En ocasiones, entre asesinatos y casos aislados como el del sarampión (hoy en día una nimiedad, en aquel entonces una plaga peligrosa), es fácil encontrar el derrumbe emocional de alguno de los personajes, siendo el doctor Cochran quien más destaca, pues es quien más contacto tiene con la muerte que rodea el lugar. Aunque alguna vez, algún sorpresivo rayo de luz y esperanza, consigue romper la rutina mostrando un contraste soberbio que consigue hacer mella en el propio espectador.

¿Qué es Deadwood entonces? Otra gran serie más de la cadena, que nos malcría con este tipo de exquisiteces. Con una notable factura técnica, geniales decorados, mejores actores y un sólido desarrollo acompañado de una intachable dirección, sin duda esta primera temporada ya supone un clásico televisivo que no se puede evitar recomendar.

Crematorio

2011-12-15T13:30:00.003+01:00

Seamos honestos, si comparamos la producción audiovisual televisiva española con la que nos podemos encontrar fuera de nuestras fronteras, realizando un exhaustivo y concienzudo análisis, podemos no solo preocuparnos, sino ya derrumbarnos por el enorme abismo de calidad que nos separa. Dicho de otra manera: en España es muy difícil ver una serie de producción propia que pueda equipararse a las grandes de las series norteamericanas. Podemos poner muchas excusas: no manejamos el mismo presupuesto, no tenemos la misma cantera de actores, no trabajamos con el mismo sistema, hacemos las cosas de otra manera... Y sí, muchas serán ciertas, pero al final lo que cuenta es que los canales, simplemente, suelen apostar más por el gancho comercial que por el mimo de la serie en sí. Grandes ejemplos podemos encontrar en nuestra parrilla televisiva diaria, con alguna loable excepción que, sin embargo, no alcanza ni en broma los niveles de lo que nos llega desde otros países.

Decir que, por fin, "nuestras plegarias han sido escuchadas" es un tópico recurrente que pocas veces hace justicia a la realidad. Pero en este caso, se ajusta como un guante a las sensaciones que nos transmite el visionado de este, llamémosle, milagro. Basada en la novela del mismo nombre, escrita por Rafael Chirbes (por si a alguien le interesa buscarla), Crematorio consta de 8 episodios de 50 minutos cada uno, con un estilo tan cercano al de las series de HBO que casi traspasa la línea de la inspiración y la "copia". Pero que nadie se espante, viendo esta serie nadie se va a encontrar con un calco mal hecho de Los Soprano o The Wire. Todo lo contrario, ya que los realizadores de la misma han tenido el buen gusto de coger todos los elementos que funcionan en las producciones de la muy célebre cadena norteamericana y se los han llevado a su terreno, consiguiendo así un producto que posee personalidad propia, pese a ser deudor de esquemas ya establecidos.

Por eso, esta gran película de ocho horas, protagonizada por un inigualable José Sancho, sorprende y cautiva por igual. Critica con todo lujo de detalles la situación que estamos sufriendo en nuestras costas, con la especulación del ladrillo y la corrupción que ya casi podemos considerar la rutina diaria de nuestros periódicos más populares. Es inevitable pensar en los partidos políticos mayoritarios de nuestro país, en proyectos tan polémicos como el de Marina D´Or o el aeropuerto de Castellón, el caso Gürtel... todo está ahí. Encubierto con la ficción, pero fácil de relacionar. Crematorio sorprende porque es muy real pese a estar ambientada en una ciudad imaginaria como es Misent, trata de personajes muy similares a los que encontramos en las noticias de la televisión, de gente que simplemente no puede detenerse, que siempre "quiere más". Todo ello siempre desde la perspectiva de los "malos", con muchos toques de gris y "humanizando a la bestia". Como ya he comentado, los guionistas supieron coger todo lo que funciona en series norteamericanas sobre la corrupción y han sabido trasladarlo a nuestras fronteras, de una forma que se siente tan cercano que "duele". No se te quita el sentimiento de incomodidad en todo momento, pese a que empatizas con esos hijos de la gran puta (calificativo que incluso se aplican a sí mismos).

Con un guión tan interesante, atractivo y tan bien desarrollado como el que nos encontramos, solo faltaban unos diálogos a la altura para adecentarlo. Y por suerte, eso es lo que nos encontramos, especialmente los de Rubén Bertomeu, de la boca del ya mencionado José Sancho. Lo que nos lleva a los actores, que cumplen de sobra con lo que se espera de ellos, sin encontrarnos con las aberraciones que normalmente vemos en los canales de nuestra TDT. Mucho se ha hablado ya de la interpretación del protagonista, pero poca justicia se hace a la hora de comentar al trío de actrices que son capaces de cautivarnos en más de una escena. Alicia Borrachero (Silvia, la hija de Rubén), Aura Garrido (Mirian, la nieta) y Juana Acosta (Mónica, la amante) merecen los mismos elogios. Están fantásticas, cada cual en su papel, creíbles y tridimensionales, especialmente la primera, que consigue dar una imagen de mujer fuerte que no se achanta ante nada, una auténtica Bertomeu que hace justicia a su propio padre, pese a no comulgar con sus ideas.

Le ha faltado poco para ser tan excelente como las obras a las que intenta imitar a su manera. Esa "chispa" de innovación que pueda hacerla única e incomparable. Pero "al César lo que es del César", al acercarse a ese nivel consigue superar con creces lo que normalmente nos encontramos en nuestra producción televisiva nacional. Crematorio es, sin duda, una de las mejores series que ha dado España y todo un ejemplo a seguir. Engancha y no te suelta hasta el último minuto, convirtiéndose en una atractiva película de mafias ambientada en España. Como dice el implacable Traian en la serie: "quiero más".

Los Soprano - Temporada 6

2011-12-09T11:12:00.001+01:00

Resulta complicado realizar reseñas de cada una de las temporadas de una serie, sobre todo si ésta ha sido siempre tan coherente consigo misma. Esto se debe a que suele presentar las mismas virtudes en todos los capítulos, ensalzando en cada momento un tema distinto, aunque todos sean constantes. Cuando me enfrenté por primera vez al primer episodio, reconozco que esperaba encontrar una especie de "El Padrino", con los temas clásicos más recurrentes: traiciones, honor, asesinatos, negocios que se cruzan con los sentimientos... Y encontré todo eso, sí, pero casi me atrevería a decir que en un segundo e incluso tercer plano la mayoría de las veces. Con todas las temporadas vistas, podemos confirmar que la serie va de mucho más que eso. Trasciende de los tópicos para ofrecer un análisis muy concienzudo de lo que supone ser un criminal y las razones por las que te conviertes en ello, al menos si eres italoamericano y descendiente de ciertas familias, con la presión que ello conlleva.

Todo desde un enfoque muy costumbrista, la serie nunca parece contar nada concreto, es como ver la vida pasar. Una especie de "gran hermano" que enfoca a personajes muy interesantes con los que, irónicamente, te implicas emocionalmente. Y más en esta temporada, centrada en un tema muy trascendental y complicado de tratar, sobre todo en este formato: la muerte.

Sin duda era el momento perfecto para profundizar en dicho tema, y el mejor arranque posible lo tenemos en las consecuencias que pudimos ver en la temporada anterior, con cierto personaje en el hospital, luchando por su vida. Es el momento adecuado, también, para mostrar todo tipo de momentos oníricos, y de comprobar la deliciosa ironía de cómo unos asesinos pueden valorar la vida como el que más, con las mismas preocupaciones que cualquier hijo de vecino. Gente normal, como tú y yo, hasta que comprobamos la hipocresía de sus acciones, algo que ya pudimos presenciar desde el inicio. De hecho, Tony es quizá el personaje más contradictorio de todos, pese a no ser precisamente el peor, aunque quizá tengamos esa percepción por seguir sus vivencias desde su propia perspectiva. En todo caso, lo amoral de todo este plantel de "cabrones" ha sido siempre el tema principal de la serie, solo que ahora viene acompañado de reflexiones sobre la herencia que dejamos, lo que hacemos con nuestro tiempo, lo que ocurre cuando no estamos y lo que hay detrás del inevitable final. Unas reflexiones que, dicho sea de paso, son capaces de sobrecoger a más de uno, por lo deprimentes que resultan.

Pero si hay algo que ha resultado un tanto polémico eso es precisamente el episodio final. ¿Qué desenlace se le puede dar a una serie que jamás ha tenido un hilo argumental claro? Es decir, no es que conduzca a la resolución de un misterio o a un clímax deseado. Cierto es que casi todas las tramas quedan cerradas, pero muchas otras quedan abiertas, especialmente la extraña situación en la que dejamos a la familia Soprano. El corte en negro más brusco que hayáis podido ver jamás, con una última mirada del patriarca que no esclarece nada en absoluto. Con tantos minutos dedicados a la muerte y tantas explicaciones de cómo nunca la ves venir, da la impresión de que podría tratarse de una representación onírica del asesinato de toda la familia, pero lo cierto es que por mucho que existan algunos elementos que dejen constancia de ello, nunca lo dejan lo suficientemente claro, por lo que queda libre de interpretaciones. Esto puede ser un tanto frustrante para algunos, pero lejos de ser un defecto o un inconveniente, solo hace más interesante y atractiva a una serie que se ha caracterizado siempre por ser arriesgada y atípica. El broche de oro perfecto que nos deja con ganas de más, pese a habernos presentado una última temporada con casi el doble de episodios de lo acostumbrado. Los cuales posiblemente sean más de lo que deberían, ya que por el ecuador empieza a cansar tanta introspección en los personajes, especialmente bajo un enfoque tan funesto.

Pero de lo que no cabe duda es de que es una serie única, diferente y muy esclarecedora en según qué temas. Resulta recomendable especialmente porque cuenta más cosas de lo que parece a simple vista, y sobre todo porque los personajes merecen ser seguidos. Paulie, Silvio, Johnny, Christopher, Carmela, Meadow, Anthony, Phil, Tony... entre funerales, fiestas, reuniones, visitas, celebraciones... se convierten en gente muy cercana, pero jamás sin esconder lo que realmente son, y aún así nunca les deseas lo peor. Por eso y por mucho más, los Soprano debería ser de visionado obligado.

Joe el bárbaro

2011-11-02T11:10:00.001+01:00

Odio las historias típicas de fantasía. Me pone nervioso la clásica historia de "el elegido" luchando en un mundo donde debe ponerse del lado de la luz para enfrentarse a la dichosa oscuridad. El maniqueísmo del bien y el mal al extremo. Una premisa argumental que está tan exprimida en nuestros días, que no puede molestarme más, esté en el género que esté. Por eso, siempre procuro evitar ese tipo de historias. Entonces, si ese es justamente el punto de partida de Joe el Bárbaro, ¿por qué esta vez puedo dejar pasar este inconveniente? La respuesta tiene nombre y apellido: Grant Morrison.

Este guionista escocés me ha dado tantas alegrías como decepciones. Lo mismo es capaz de escribir una de las mejores etapas que he podido disfrutar de los X-men, que luego me horripila hurgando en el mundo pre-crisis de Batman en sus colecciones actuales. Pero por encima de todo, hay que reconocer que, gusten o no sus obras, por lo menos siempre están impregnadas de su más que comentada personalidad. No suele seguir caminos trillados, franquea los tópicos con gran ingenio y siempre le acompaña la intención de hacernos pensar en lo leído de una manera u otra, aunque no siempre le salga bien la fórmula. En este caso, ha optado por crear su propia versión de La Historia Interminable, con todos los elementos característicos de este tipo de aventuras. De hecho, nuestro protagonista es un adolescente descontento con el mundo real que acaba, poco a poco, en un mundo fantástico que parece que solo está en su mente, que sostiene unos paralelismos muy claros con el mundo real. No suena a nada nuevo, ¿verdad?

Pues bien, este es uno de esos casos en los que importa mucho más el aprovechamiento de la premisa que la premisa en sí. Aunque los engranajes son los mismos de siempre, los movimientos no corresponden a los típicos, y la forma en que funciona el mecanismo tampoco. Hablando claro, Morrison hila muy fino desarrollando todo un mundo que podría ser perfectamente producto del subconsciente de una mente febril en pleno ataque de hipoglucemia. Mezclando una historia genuinamente fantástica con otra cotidiana que concede importancia a una casa a oscuras que pide a gritos ser... ¿rescatada? Por increíble que parezca, las semejanzas entre ambos mundos tienen su razón de ser, y van más allá de la típica lucha contra el bien y el mal, aunque los delirios del muchacho parezcan llevar por caminos conocidos. En otras palabras, el desarrollo de la historia es una delicia, no aburre en ningún momento, sin ningún tipo de relleno, con personajes muy variopintos y carismáticos y con un clímax a la altura de lo esperado. Lo que se dice, una aventura de nivel que no lo es todo, ya que encierra una trama con destellos de originalidad muy puntuales que invita a la relectura, porque encierra varios símbolos y significados que se comprenden cuando se tiene una visión del conjunto que solo se obtiene al final.

Pero nada de todo esto sería igual sin el dibujo de Sean Murphy, inspirado y desatado, realizando unas splash page que deberían ser la envidia de los dibujantes más "hot" del momento. Los diseños son buenísimos, los enfoques muy atrevidos y la ambientación está muy conseguida, tanto en la penumbra de una vieja casa solo bañada por la luz de los relámpagos como en un mundo de fantasía que mezcla referencias de todo tipo, y no todas precisamente del género fantástico. Todo esto sin olvidar una perfecta caracterización de los personajes, todos con un gran dinamismo y expresividad, con una narración perfecta acompañada de un estilo único que dota de gran personalidad a la obra. En pocas palabras, un dibujo impecable, que mantiene el nivel en todo momento y que dejará a más de un lector deteniéndose a contemplar alguna que otra página antes de continuar con la interesante historia.

En resumen, Morrison ha obrado el milagro, consiguiendo que me enamore de un argumento que reúne todos aquellos elementos que repudio. Pero una vez más, se demuestra que por mucho que "todo esté inventado" (fatídica frase), siempre habrá alguien con talento que consiga dar la vuelta o aprovechar todo aquello que suena a viejo. Joe el Bárbaro es esa clase de gran aventura, épica y maravillosa, con personalidad, por la que todos los estudios de Hollywood deberían estar peleándose. Pero da igual, porque ya tenemos la obra original para disfrutarla una y otra vez.

Las aventuras de Tintín: El secreto del Unicornio

2011-10-31T10:55:00.000+01:00

Llevamos mucho tiempo siendo bombardeados por adaptaciones de cómic en las carteleras de nuestros cines, más para bien que para mal. Digo esto último porque por muy mal que salgan algunas películas, siempre acabamos saciando nuestra curiosidad por ver cómo quedarían nuestros personajes favoritos en la gran pantalla. Aunque también hay que reconocer que las decepciones suelen ser constantes y a veces incluso dolorosas. En el caso del cómic europeo no cabe duda de que hemos encontrado verdaderas barbaridades. A la cabeza de la mediocridad se situarían las pésimas adaptaciones de Lucky Luke, Blueberry o incluso de Astérix, que son incapaces de igualar las versiones animadas que se realizaron con mayor destreza, ingenio y calidad. Podría ser que, realmente, es difícil trasladar a la imagen real ciertas aventuras y sucesos que funcionan mucho mejor en papel. Probablemente Spielberg y Jackson pensaron lo mismo a la hora de enfrentarse al reto de trasladar a la gran pantalla a este mítico personaje franco-belga que tanto nos ha fascinado a lo largo de las últimas décadas, y por eso decidieron aplicar la técnica de captura de movimiento en CGI que tan poca fortuna le ha concedido a directores como Zemeckis.

Cuando salieron las primeras imágenes y trailers, algunos escépticos nos sentimos decepcionados por el uso de tan impersonal y poco fascinante técnica. Muchos preferíamos ver a actores de carne y hueso ofreciéndonos su propia versión de los personajes. Pero Spielberg obró el milagro, consiguiendo un efecto entre realidad y caricatura que sorprende por lo efectivo que resulta. No es imagen real, pero se acerca, y el resultado es sencillamente inmejorable. Esto no se debe solo a un buen trabajo de animación y diseño, sino también a una dirección tan asombrosa que solo puede provenir del maestro del cine comercial más auténtico y espectacular. Pero ojo, no es un espectáculo vacío, es pura narrativa, un desenfreno maravilloso en donde la vista jamás pierde la acción y sabe perfectamente qué es aquello que debe observar, por mucho que desfilen multitud de detalles a cada minuto que no tienen desperdicio. En otras palabras, es dinamismo y aventura en estado puro, sin perder de vista la historia o los personajes, dejando que que el espectador quede prendado a cada momento de lo que se está contando. Es, simplemente, Spielberg haciendo lo que mejor sabe hacer e incluso perfeccionándolo: el "más difícil todavía" en su máximo esplendor. Al final se comprende por qué recurrieron a este tipo de animación, ya que así el director se puede permitir realizar virguerías con la cámara y unas transiciones de escenas que pocos (o nadie) sabrían hacer de una forma tan convincente.

Todo esto sin olvidar la maravillosa actuación de los actores que, aunque no estén ahí, se "sienten". Especialmente el carismático e incomparable Andy Serkis, sorprendiéndonos por segunda vez en lo que va de año con una interpretación del Capitán Haddock memorable, con toda la chispa y la diversión que es capaz de ofrecernos en su versión comiquera. No es que Jamie Bell (Tintín) o el dúo formado por Simon Pegg y Nick Frost (Hernández y Fernández) se queden atrás al respecto, pero no cabe duda de que el buen capitán, incluso por su papel en la historia, es quien más se lleva todo el protagonismo, con permiso del genial Milú. Pero es que en general, los personajes son quienes deben ser, mantienen la personalidad y las motivaciones intactas, con sus frases más características. Es, en definitiva, un trabajo de adaptación soberbio, la película nos transmite las mismas sensaciones que experimentamos con el cómic original, pero con el aliciente de lo que es capaz de transmitirnos una buena película de Spielberg. La suma de todo esto consigue que los niños disfruten y que los adultos se sientan niños. Es sencillamente una película entrañable, encantadora y muy divertida, que nos retrotrae a la infancia y que nos evade por completo, hasta el punto en que deseamos que no acabe nunca el entretenimiento. Casi resulta anticlimático que acabe tan pronto. ¡Ansiamos más!

Descubrir que aún podemos sentirnos como un crío grande en los cines es el mejor objetivo que se puede conseguir con un producto de estas características. ¿Qué más se puede pedir?

DC: The New 52 - Veredicto y fin

2011-10-24T11:48:00.001+02:00

El motivo por el que he realizado todas estas reseñas es simple. Algunos dirían que es por regodearme en la extraña situación en la que se ha sumido la editorial DC desde que entraron en ella editores poco capaces, ya que en verdad quien me conoce sabe que siempre he tendido a ser más un lector de personajes de Marvel. Pero aunque no lo parezca, siempre he sido un fan letal de Batman y siempre he querido leer algo bueno de otros personajes como Aquaman, Wonder Woman o Green Lantern. Le he dado numerosas oportunidades a la editorial, especialmente cuando Planeta se hizo con los derechos, y casi siempre he salido escaldado. Quizá porque le concedo menos manga ancha, puesto que conozco mucho menos a los personajes, tiene que esforzarse mucho más para complacerme.

En todo caso, este New 52, desde el principio ya olía a chamusquina, por lo apresurado que parecía un proyecto de este calibre, por la terrible excusa llamada Flashpoint que emplearon para dar pie al nuevo universo de ficción, por la idea del reboot a medias y por los autores implicados. Aún así, quería comprobar por mis propios ojos si el despropósito era tan mayúsculo como parecía, especialmente por si me perdía alguna joya escondida por el camino. Y estas son las conclusiones que he sacado:

52 son demasiadas series y se nota especialmente por la cantidad de redundantes que hay. Entre las que se parecen como dos copos de nieve tanto en tono como en el uso de los personajes y las que no aportan absolutamente nada, se nota en exceso que buscaban llegar a esa cifra como fuere. Parece como si los editores vieran en ese número algún tipo de propiedades mágicas para las ventas o algo por el estilo, pero esa decisión solo nos recalca los caprichos de un mandamás que lleva tiempo tratando de destacar con las mismas ideas una y otra vez, sin pensar en todo lo demás. En todo caso, resulta incomprensible que Batman The Dark Knight y Detective Comics convivan con exactamente los mismos objetivos, el mismo personaje, el mismo tono y los mismos errores, con dos dibujantes actuando de autores completos. Es un ejemplo muy exacto de todo lo que comentaba, desde luego.

Algunos autores son desacertados y existen ausencias muy lamentables. James Robinson, Kurt Busiek, Will Pfeifer, Paul Dini, Chuck Dixon y algún que otro autor que se ha pasado a la competencia como Greg Rucka, todos ellos habrían venido muy bien para este relanzamiento, pero no están por estas series. Los motivos los ignoro, lo mismo alguno trabaja en exclusiva para alguna editorial que desconozco y demás. Pero se nota que el tener que sacar tanto número les ha llevado a fichar a un grupo de autores que hacía tiempo que no veíamos por las editoriales. El caso más sonoro es el de Scott Lobdell, por supuesto, que no es que vuelva con un título cualquiera, no, sino que viene con la responsabilidad de relanzar dos franquicias de gran importancia, como son los Titanes y el propio Superboy. Sin olvidarnos de Capucha Roja y sus acompañantes, que tampoco son moco de pavo. No se comprende que de repente le ofrezcan cabeceras tan importantes, siendo uno de los que perpetró una de las peores épocas para los mutantes en los noventa, habiendo permanecido tantos años en una serie sin aportar nada nuevo de gran interés. Es una mala decisión, lo mismo habría funcionado mejor con personajes más desconocidos, pero irónicamente autores que han demostrado más ingenio, calidad y versatilidad como el dúo formado por Abnett y Lanning solo hacen series bastante más secundarias, mientras algunos dibujantes juegan a ser escritores en otras de mayor popularidad. Inconcebible, incluso el evento post-Crisis Infinita, "Año después", estuvo mucho mejor organizado y planificado.

El tono general es pretenciosamente transgresor, pero solo consigue hacer iguales a todas las series de forma forzada. Violencia, erotismo y cierto toque macabro. Villanos nuevos a tutiplén, la mayoría misteriosos, todos psicópatas ávidos de sangre. Gotham City nunca había sido tan sórdida, parece sacada de Se7en o Saw, y las chicas podrían provenir de Sin City y no nos sorprenderíamos en absoluto. Es como si el espíritu del peor Frank Miller (el mal entendido, sobre todo) se hubiese apoderado de la editorial. Solo se salvan aquellas series cuyos autores tienen la suficiente destreza y personalidad para lidiar con todo ello. Pero tanto los nuevos como los dibujantes o las "viejas glorias" hacen gala de un toque realmente repulsivo y forzado de sensualidad barata (si al menos asomara algún pezón, que sabemos que eso es imposible) y casquería por doquier. Los mejores ejemplos los tenemos en Tony Daniel, David Finch, Lobdell o Winnick. Ver para creer.

Los cambios y la eliminación total de ciertas etapas de la continuidad no compensan en absoluto. Especialmente alarmante en el caso de Flash, JLA, Green Arrow o los Titanes. Esas series estaban muy bien asentadas, con unas etapas más que consolidadas, pero por alguna extraña razón decidieron dar unos enormes pasos de cangrejo con ellas, eliminando de una tacada historias realmente interesantes y provechosas que son irrepetibles. Ver cómo los autores tratan de obviar esos momentos a su manera buscando caminos similares es desesperanzador, y sobre todo muy aburrido. Quizá los nuevos lectores no tengan esa desagradable sensación de leer lo mismo pero mucho peor contado, pero los que estaban ahí, probablemente la gran mayoría, dudo que estén muy interesados por ver cómo reescriben la historia manteniendo solo lo que a los autores les conviene. Si fuera un reinicio total, sería otra cosa, se adoptaría otra actitud y se aceptaría en cierto modo. Pero siendo parcial es más difícil subirse al carro, porque ni siquiera la editorial tiene claro qué vale o qué no, improvisan sobre la marcha.

Las mejores series son las que casualmente habrían salido exactamente igual sin el reboot. Siendo este el punto el más triste de todos. Animal Man, Wonder Woman, Batman & Robin... estas tres son algunas de las mejores del evento, consolidándose además con el número 2, prometiendo mejorar en un futuro. Y curiosamente, si uno se para a pensarlo, es evidente llegar a la conclusión de que habrían funcionado igual sin todo el esperpento que han realizado de por medio. De hecho, son series que continúan tramas ya realizadas en años anteriores, que demuestran que no todo lo que se había hecho estaba mal y que la continuidad es importante para dotar de trascendencia, solidez y credibilidad a muchos personajes que, de otra manera y como se ha demostrado en el punto anterior, no nos gustarían tanto. Esto solo reafirma que los cambios, lejos de mejorar las cosas, han hecho mejores a aquellos personajes que ya contaban con un status quo muy interesante y con posibilidades. Precisamente el que ya tenían antes de este evento.

Han perdido una enorme oportunidad. El pseudo-reboot, lejos de haber mejorado nada o de haber aportado solidez a lo que ya había, ha convertido la continuidad de DC en un extraño castillo de naipes sin ningún tipo de base, que cae lentamente ante nuestros ojos sin que nada pueda impedirlo. En otras palabras, los lectores de siempre podemos intentar confeccionar nuestro propio mapa de los acontecimientos en nuestra cabeza, pero los lectores novatos se van a encontrar muy perdidos entre unas cosas y otras, especialmente porque no todo empieza de cero. Es un caos, ¿cómo lo solucionarán en algún futuro? ¿Comenzando de nuevo? Para entonces quizá sea demasiado tarde, quizá los números 1 no volverán a causar la misma impresión si se repite la jugada. Muy bien se tendrían que hacer las cosas para que todo funcionara tal y como está a largo plazo. Era una buena ocasión para tomar las riendas y poner un poco de orden en todo el caótico recorrido que llevaba siguiendo la editorial desde hace media década. Pero no lo han aprovechado, al contrario: lo han empeorado aún más.

Cabe destacar que todavía estamos ante números 1, con el decompresive storytelling tan en boga hoy en día, algunas de las series todavía no han terminado de arrancar y podrían darnos alguna futura sorpresa, del mismo modo que también podrían acabar fatal, sobre todo teniendo en cuenta que muchos equipos creativos da la impresión de que no van a aguantar mucho.

Al final es lo de siempre, solo se necesita una buena gestión y buenos autores para conseguir la fidelidad de un grueso de lectores. Con esto, da la impresión de que ni siquiera esa mitad del trabajo la van a cumplir, porque de hecho no la han cumplido desde hace unos cuantos años. En otras palabras, mucho tiene que mejorar el asunto para que todo esto vaya a buen puerto, porque por mucho que el mes de septiembre fuera un éxito de ventas solo es un caso puntual que puede ir en un peligroso y progresivo declive en los meses venideros. No me gustaría, sinceramente, que la editorial se fuera a pique por tantas malas decisiones acumuladas, pero algo me dice que, como no reaccionen a tiempo y rueden cabezas, podría enfrentarse a serios problemas. Por ahora, la confianza y la credibilidad la están perdiendo a marchas forzadas, y eso ya de por sí es muy alarmante. El tiempo dirá en qué acaba todo esto. Me encantaría poder decir en un futuro que fui un alarmista.

DC: The New 52 - 28 de septiembre (2)

2011-10-22T13:38:00.000+02:00

Vampire #1

Es un título con un tono tan Vértigo que no se entiende dentro del universo DC más tradicional. A no ser que próximamente algún superhéroe tenga una presencia relevante, que no lo descarto. En todo caso, es un buen primer número, con un protagonista que tiene alguna que otra cosilla en común con Blade, solo que mucho más interesante por sus poderes (los del vampiro de Stoker) y su aspecto joven que, por lo que parece, se contradice con su edad real. En todo caso, va al grano enseguida y presenta una guerra entre humanos y vampiros que podría ser muy golosa en números venideros, y más si tenemos en cuenta que de por medio hay una historia de amor trágica. Además, el dibujo de Andre Sorrentino recuerda muy agradablemente al de Jae Lee en sus buenos tiempos. Lo dicho, una sorpresilla de mano de dos autores que no conozco de nada y que quizá nos dejen en vilo en los meses venideros. O eso, o la serie naufraga, pero por el momento me ha enganchado.

Valoración: 7 / 10

Justice League Dark #1

Al fin una presentación decente de todo un grupo, ¿tan difícil era? Para Milligan por lo visto no, y este número, que posee un toque muy Vértigo pese a tener a personajes de la JLA por en medio, es un arranque perfecto para lo que parece la reunión precipitada de una serie de tipos relacionados con la magia. Zatana, Shade, Constantine, Xanadú... entre otros, actuando a contrarreloj para detener una amenaza complicada que resulta estar provocada por... una vieja conocida. Interesante, bien escrito y con un dibujo bastante bueno que por lo menos concede cierta personalidad a la colección, pese a la rigidez y estatismo en según qué escenas. Esta sí pinta bien, y además con mucho potencial. Ahora queda por ver si Milligan sigue cumpliendo en números venideros.

Valoración: 7 / 10

Teen Titans #1

No decepciona, pero porque es un número uno tan malo como cabría esperar. El principal problema es que Lobdell no conoce a los personajes que escribe, y eso se nota tanto que hasta duele. Es más, tiene precisamente el handicap que posee todo el maldito evento: no se presenta nada que justifique el comienzo desde cero. O desde uno, o desde dos, lo mismo da. Aunque parece que se mantiene parte de la historia de Tim Drake, ahora la Young Justice es un maldito espejismo. Esto es exactamente como el número de la JLA de Johns y Lee, con Robin intentando buscar a los miembros de su futuro equipo de Titanes. Lo curioso es que respeta hasta una estructura similar: los humanos temiendo y odiando a los superhéroes, el sidekick de Batman perseguido y buscando a los demás, un enemigo dándoles caza (una corporación, más bien) y hasta tenemos un cliffhanger final presentando a Superboy. Lo realmente cutre es que resulta estar mejor escrito que el citado número de los "mayores". Que no es decir mucho, pero resulta más patético para el guionista estrella de la editorial. Booth, por otro lado, bien coloreado se digiere mejor, pero sigue siendo un pésimo dibujante.

Valoración: 3 / 10

Voodoo #1

La verdad es que hacer una reseña de un cómic escrito por Ron Marz es buscar criticar negativamente porque sí. Porque seamos sinceros, ese guionista nunca ha destacado por ser bueno en lo suyo, ni siquiera en su mejor obra (Sojourn) destacó en exceso y encima la dejó inconclusa, en el mar de la mediocridad más absoluta. Bueno, por lo menos aquello fue algo medianamente digno, pese a su vacuidad, pero esto... esto es absurdo incluso. No estoy en contra de que escriban historias sobre mujeres en lugares de alterne o prostitutas, siempre hay cierto interés por ver reflejado ese mundo tal y como es, con sus peligros, sus vicios y sus problemas. Es decir, siempre que haya algo que contar, lo que no ocurre justamente en este sinsentido de cómic, que solo va de cómo la protagonista se transforma en algo y alguien la persigue. Poco más. El resto es todo morralla, erotismo blando sin un triste pezón asomando. Nadie esperaba esto último, está claro, pero confirma que es una propuesta que queda en medio de todo, y más cuando ves que la situación de la protagonista es un "visto y no visto". Eso sí, qué bien dibuja Sami Basri y qué bien colorea Jessica Kholinne, la única excusa real para animarse a leer esto.

Valoración: 3 / 10

DC: The New 52 - 28 de septiembre (1)

2011-10-20T12:19:00.000+02:00

All Star Western #1

Que Palmotti era un buen guionista lo sabíamos muchos a raíz de su corto pero satisfactorio trabajo al cargo de Powergirl. Pero sinceramente, creo que nadie se esperaba nada tan bueno en esta serie ambientada en Gotham en el año 1880, en pleno siglo XIX, justo en el declive del clásico Oeste americano. Y es que Jonah Hex está muy bien escrito, y es un contraste magnífico con respecto al resto de secundarios. A destacar especialmente al excéntrico pero magnífico Amadeus Arkham, que sirve de narrador para la historia, realizando un psicoanálisis del protagonista muy profundo e interesante, todo mientras intentan averiguar quién es el asesino de prostitutas. Lo cual es muy curioso, porque el tema de los asesinatos tipo Jack el Destripador debería sonar ya demasiado manido, pero el guionista se las apaña para darle la vuelta con un giro final soberbio, que empuja a seguir leyendo. Además, el dibujo de Moritat, hasta ahora desconocido para mí, es perfecto para lo que la historia pretende transmitir. Probablemente uno de los números más redondos del evento, si no el que más.

Valoración: 8,5 / 10

Aquaman #1

Uno de esos números estrella convertido en una decepción, Johns pasando a ser una parodia de sí mismo. No entiendo qué pretendía con este número, ¿alejar a la gente? ¿dejar claro que nos equivocamos y que Aquaman mola? Pues si es así, debió haber sido más sutil, porque esto es como una bofetada enorme en la cara de cualquier fan del personaje. Es decir, aparece de un gran salto un tipo alto y musculoso con una armadura de escamas naranjas con un tridente de oro enorme que voltea con facilidad una furgoneta como si fuera una lata de sardinas, resiste las balas con presencia y aplomo para luego pegarles una paliza monumental a los ladrones... pero cuando acaba de hacer todo esto, la policía se burla. ¿En serio? ¿Pero han visto lo mismo que nosotros? Es decir, ¿por qué él es tan ridículo y el resto de los superhéroes no? ¿Y dónde ha estado todo este tiempo? Un tratamiento nefasto y poco creíble, siendo lo que cuento lo mejor del número, ya que después solo empeora y recalca el defecto. Ojalá la saga tenga algo mejor que contar, porque por ahora es una presentación pésima para un personaje. Reis, por cierto, muy desaprovechado. Eso sí, qué bien dibuja a Aquaman a media página diciendo un escueto "no".

Valoración: 4 / 10

Batman: The Dark Knight #1

Solo puedo empezar la reseña con un: "¿Pero qué narices es esto?" El número es realmente malo, y solo hace que te preguntes por qué han dejado escribir a alguien que ya ha dejado claro que no sabe, que se dedica a imitar malamente a Miller, hasta el punto en que incluso supera en mediocridad al actual. Para empezar, todo suena a visto, concretamente parece una versión "cool" y más exagerada del número de Batman de Snyder de ese mismo mes. Vemos, nada más comenzar, un discurso más de Bruce Wayne a la alta sociedad, solo que es tan vacío y pomposo como el de cualquier político (al menos han sido realistas en eso) con unas explicaciones sobre el miedo y demás que recuerdan desagradablemente al inicio de Alone in the Dark de Uwe Boll. Pero es que luego resulta que toda esa escena con secundarios de usar y tirar resulta ser lo mejor del cómic porque en el resto del cómic tenemos... ¡otra maldita fuga de Arkham! ¡Con los villanos peor dibujados que uno pueda imaginar! Finch pasadísimo de rosca, haciendo buenísimo a Tony Daniel y lo peor es que no deberíamos ni sorprendernos. Incluso las cajetillas de texto son peores y el cliffhanger mucho más forzado, por no decir una malísima idea. Ni siquiera me atrevo ni a decir aquello de "no puede empeorar".

Valoración: 1 / 10

The Flash #1

Manapul hace lo que puede con el personaje que le han dado, que bastante tocado está ya después de haber protagonizado semejante "aventura" en Flashpoint. Aún así, la verdad es que hasta una malísima idea podría ser aprovechada adecuadamente, pues se supone que Barry es el único superhéroe de todo el universo DC actual que es consciente de los cambios, pero lo cierto es que el autor ha preferido ignorar todo aquello, para bien o para mal. También se nota demasiado que el dibujante es, por el momento, un guionista primerizo. Lo comento porque es un comienzo a la vieja usanza y sin demasiadas complicaciones: protagonista que aparece en su identidad civil, aprovechando su recién recuperada soltería (al más puro Brand New Day, me atrevería a decir) y amenaza al ristre interceptada que muestra varios misterios a desvelar que tienen que ver con algún dato importante del pasado. El resultado no mata, pero tampoco insulta al lector. Justo lo mismo que ocurre con varios ejemplares de este evento, solo que posee un dibujo bastante bueno y agradable, pese al horrible rediseño del traje. Nuevamente, echamos de menos a Wally West.

Valoración: 5 / 10

Green Lantern: New Guardians #1

Este es un número que va, básicamente, de presentar el origen de Kyle, solo que reescrito, pese a que no había ninguna necesidad de ello. Tampoco es que los cambios sean graves, ni mucho menos, pero son simplemente incomprensibles, especialmente cuando el personaje no ha envejecido tanto como para meterlo en situaciones distintas a las planteadas. Incluso Ganthet, que se suponía angustiado por lo ocurrido (que por cierto, eso no se explica, así que a saber si quien destruyó a los Guardianes y OA fue Hal Jordan poseído por Parallax o no) tiene unos diálogos algo irreales, demasiado relajados para tratarse de un superviviente. Pero lo más grave es que para ser una supuesta forma de presentar al personaje protagonista, no se preocupar por todo lo demás: mostrar su propia personalidad adecuadamente, mostrar su status quo, su entorno, sus secundarios... No, el guionista va al grano y presenta la premisa más chorra que uno pueda imaginar: le han arrebatado varios anillos a algunos miembros de diferentes Linternas, y un compañero de cada Cuerpo aparece frente a Rayner porque el reemplazo para todos esos anillos ha resultado ser él. Solo que... ¡todos ellos aparecen de golpe en plan vengativos! Como si dieran inmediatamente por sentado que él es culpable de ello, cuando la mecánica de los anillos no es controlable. Una situación totalmente estúpida e irreal, tan ridícula que parece casi paródica. Terrible. Si al menos el dibujo mereciera la pena...

Valoración: 2 / 10

DC: The New 52 - 21 de septiembre (2)

2011-10-18T11:41:00.000+02:00

Nightwing #1

Este primer número es bastante flojo, sobre todo tras haber leído varios de Batman del mismo mes. No funciona mal como número de presentación, ya que por lo menos se dedica a ennumerar las diferencias entre Dick Grayson y Bruce Wayne, poniéndonos en situación y dejando claro qué ocurrió en meses anteriores, ya que este evento hace muy confusa la situación de según qué personajes. En todo caso, el dibujo es sensacional y la idea de hacer regresar al protagonista a la carpa en la que pasó su infancia no es mala en absoluto, pero da la sensación de que se podría haber aprovechado mejor. De hecho, este inicio pedía más diálogos y menos acción típica, ya que la llegada del nuevo villano no resulta demasiado sorprendente, y si mis sospechas son ciertas, va a ser decepcionante su identidad. Vamos, que en otras palabras... más vale valorar esta serie con más números, porque con uno no sacamos nada en claro y tampoco es que sea muy interesante. Da la impresión de que si te la pierdes no pasa nada.

Valoración: 5 / 10

Red Hood and the Outlaws #1

No es tan aberrante como esperaba, pero es que por desgracia esperaba algo ilegible. Es decir, el número en sí tampoco es que sea aburrido, pero los personajes no parece que tengan nada en especial. Jason sigue siendo ese sobrado que jamás debió haber vuelto. Roy ha sido "limpiado" de todos los estropicios que le habían montado en meses anteriores y por no tener ya no tiene ni hija (de hecho, cuesta imaginar que fuera sidekick del joven Green Arrow, así que supongo que eso lo habrán eliminado también de la ecuación). A Starfire la han convertido en una mujer fría e insensible, siendo lo más grave el que destrocen por completo su relación con Grayson (se ha olvidado de todo y ahora no le importa tirarse a todo tipo que encuentra a mano, que no fuera así antes y ahora de repente sí lo sea no es coherente) y no hace nada en todo el número que no sea exhibirse. La trama la dejan en misterio, con apenas unas pinceladas, pero lo poco que cuentan no es que enganche precisamente. Ni siquiera el dibujo convence, es demasiado Image, o peor: demasiado Top Cow.

Valoración: 3 / 10

Supergirl #1

Resulta realmente complicado hacer una reseña sobre este primer número basándome solo en lo que cuenta. Es el más insustancial de todos los del evento, que ya es decir. Y lo peor es que ni siquiera explota su premisa, el número va solo de Supergirl cayendo confusa a la Tierra, cuando hace nada estaba en Krypton. Pero lo peor es que todos los recuerdos de su planeta natal y su vida anterior tienen que ver con temas cotidianos propios de nuestra sociedad. Me explico, si tienes una extraterrestre que cae en nuestro planeta sin desearlo, creo que lo último que haces es escribir sus pensamientos como si fuera una humana adolescente cualquiera, ¿no? Es lo que resulta un tanto insultante en este guión. No se puede comentar nada más, el número no va de otra cosa y solo el dibujo de Mike Johnson compensa la lectura, por desaprovechado que esté. Eso y que se lee de un suspiro, por lo que no da tiempo a aburrirse.

Valoración: 3 / 10

Wonder Woman #1

Esto sí ha sido sorprendente. Aún sabiendo que ya todo el mundo lo aplaudía, este número me ha pillado con la guardia baja y me ha encantado. Azzarello acierta enormemente con el tono de la serie, dándole un interés que no tiene ninguna otra de todo este evento, gracias a que deja de lado el género superheróico clásico para centrarse en una historia mitológica en la que se actualizan conceptos clásicos por todos conocidos, haciéndolos aterradores y hasta realistas. Tiene un toque adulto y crudo que queda perfecto, siendo el dibujo de Chiang lo que termina de redondear el conjunto, otorgando una personalidad única a la serie. Y la trama deja con muchas ganas de más, ya que se centra en el regreso de cierto dios importante que se encuentra en el lugar más insospechado. ¡Un primer número brillante!

Valoración: 9 / 10

DC: The New 52 - 21 de septiembre (1)

2011-10-16T17:44:00.000+02:00

Batman #1

Esta, la serie de Snyder y Capullo, es la única que hay que leer del personaje de todo el evento. Una puesta al día perfecta y muy completa del status quo en la que el personaje se supone que está sumido en estos momentos. Es todo lo que debía haber sido la ahora redundante e innecesaria Detective Comics de Tony Daniel dentro de este tono urbano y crudo, utiliza mucho mejor los elementos que veremos más adelante repetidos en The Dark Knight de Finch (espantosa, ya veréis) y funciona mejor como presentación del hombre murciélago que el Batman y Robin de Tomasi. Esto es escribir bien a Batman sin reparar en morbosidad o violencia y utilizando como es debido su faceta de detective. Tiene un caso interesante (con un cliffhanger bueno de verdad), una genial presentación de lo que es Gotham, quién es Bruce Wayne, quién es Batman y cuáles son sus aliados y villanos. Todo en un solo número. Sobresaliente, en serio, es la serie del hombre murciélago que esperaba leer, ojalá mantenga este nivel. Es más, hasta Greg Capullo está genial, su estilo viene que ni pintado y su Batman resulta muy vistoso y con mucha personalidad.

Valoración: 7,5 / 10

Catwoman #1

El número va de... nada. Es uno de los peores números uno que he visto en este evento, más que nada porque ni sirve bien para presentar al personaje, ni presenta una trama interesante, ni nada de nada. Es Selina, muy pasada de rosca, que la han puteado, se busca un curro, encuentra alguien que la traumó antaño, lo hincha a hostias y luego se tira a Batman. Me perdonaréis si os destripo el cómic, pero es que es justo eso, ni más ni menos. ¿Para qué crear una personalidad, un entorno y unos secundarios decentes cuando puedes contar algo vacuo y sin gracia con montones de escenas pseudo-eróticas y algo de violencia forzada? Sin olvidarnos, oh sí, de las cajetillas de texto. Pensamientos por doquier, aunque no te interese lo que dicen. Pero por lo menos para que leas algo. Qué desperdicio de dibujos de March, en serio, ni ellos salvan este espantoso intento de ser supuestamente transgresor.

Valoración: 3 / 10

Blue Beetle #1

Es curioso que hasta esta serie empiece de cero, teniendo en cuenta que es muy reciente. Aunque el motivo es evidente, eliminar todo rastro de la Crisis Infinita en el origen del personaje. Lo malo es que resulta demasiado redundante tras leer Static Shock. Ambas tratan de superhéroes adolescentes que pertenecen a minorías de norteamérica y hasta poseen el mismo color en sus uniformes. La gracia es que este tiene unos poderes y un diseño más molón, más atractivo para la chiquillada, especialmente porque lo habrán visto ya por televisión en el Intrépido Batman (Brave and the Bold). El número en sí no está mal, aunque hacen demasiadas referencias a comentarios y costumbres de la etnia a la que pertenece el protagonista que quedan un pelín forzados (Paco Taco... sigh). Y la verdad sea dicha, en cuanto a personalidad, el prota no resulta especialmente interesante. No obstante, los poderes y el artefacto que los activa tienen potencial, lo que ocurre es que no parecen estar en unas manos lo suficientemente capaces. Ig Guara realiza un buen trabajo, pero le ocurre como al guión: le falta chispa.

Valoración: 5 / 10

DC Universe Presents Deadman #1

Este número es tan confuso y pretende explicar tantísimas cosas al lector que acaba siendo incluso aburrido. Es un viaje explicando tantas vidas y tantos conceptos que acaba siendo abrumador. Incluso la premisa de la diosa (que parece una N´Avi) que otorga una serie de pruebas al protagonista resulta extraño y algo difícil de tragar en cuanto se intenta encontrar un sentido, hay motivaciones que no están muy claras y eso se nota. Hay ocasiones en las que uno no sabe si es el guionista, Paul Jenkins, el que se ha hecho un lío de tres pares de narices entre tanto personaje en tan pocas páginas, o es su forma de desarrollar la historia lo que está realmente mal. O quizá sea la mezcla de ambas cosas, tampoco es que sea todo tan complicado, pero evidentemente hay algo que falla, de otra manera no se puede explicar lo aburrido que resulta el número. Por lo menos se puede decir que el dibujo de Bernand Chang es más que potable, pero eso no quita el resultado deje algo indiferente.

Valoración: 5 / 10

DC: The New 52 - 14 de septiembre (2)

2011-10-14T11:05:00.000+02:00

Grifter #1

Este número no estaría del todo mal si al menos explicara algo de lo que ocurre en él. No es más que una persecución a gran escala, algo vertiginosa pero sin chicha ni gracia, aunque eso sí: bien dibujada. No profundizan en el personaje y la historia es, por el momento, prácticamente inexistente, no dan ni una simple pista de por dónde irá encaminado el argumento, ni quién es el enemigo, ni de qué pie cojea el protagonista, al que apenas lo conocemos (yo no he leído nunca nada de él) y aquí solo lo vemos, como ya he dicho, en problemas chungos, siendo perseguido por todo el mundo y en plan "búsqueda y captura vivo o muerto", tanto por unos como por otros. Así que con algo así, no sabría decir si es pronto para opinar o si realmente como número de presentación es un error. Yo me decanto por lo segundo, más que nada porque comprado, este cómic parece un gran timo. Está bien intentar mantener en suspense al lector, pero no a costa de ofrecerle... nada.

Valoración: 4 / 10

Legion Lost #1

Me he quedado un poco traspuesto cuando he acabado la lectura de este rocambolesco número que hace honor a su nombre: el lector está tan perdido o más que los protagonistas. Digamos que no sabes nada sobre ellos, y la historia empieza por la mitad, solo sabiendo que los personajes son del futuro, que se han perdido en el tiempo y quieren volver. Tampoco es que sea demasiado complicado, pero como número de presentación para los no-lectores de la Legión Perdida es un desastre. Así que aquí los tenemos, en nuestra época y armándola gorda con jerga de ciencia ficción como solo Nicieza sabe escribir, es decir: de cualquier manera y liando aún más la marrana. No puedo decir que sea un numerazo, pero tampoco es basura. Especialmente porque el dibujo de Pete Woods resulta ser de lo más competente. El problema es que no deja con ganas de más.

Valoración: 4,5 / 10

Red Lanterns #1

Curioso, normalmente Milligan es bastante despreocupado escribiendo para el cómic mainstream más comercial, siempre ha dado lo mejor de sí en proyectos más personales y alejados de los superhéroes. Quizá por esto último haya conseguido hacer un primer número bastante competente, aunque no sea demasiado interesante por culpa de un concepto que ya era bastante penoso en el momento de su creación. Y es que todavía sigo esperando a un dibujante que sepa realmente cómo dibujar a estos Red Lanterns, con la sangre goteando de su boca, sí, pero que no parezcan estar bajo el agua. Deberían ser aterradores y poseer mucha presencia, pero hasta el momento solo parecen una versión gritona y segundona de los Sinestro Corps. Pese a todo, es un buen número de presentación. Sin alardes, pero se digna en profundizar en la figura de Atrocitus, y lo mejor de todo: la historia apunta a que veremos al primer humano del Cuerpo, sin contar a Hal Jordan (que fue breve y muy... absurdo). Lo dicho, no es una pasada, que digamos, pero es más competente de lo que uno cabría esperar.

Valoración: 5,5 / 10

Resurrection Man #1

Curioso arranque para un personaje tan particular. Quizá por eso mola tanto, porque parece un superhéroe sin serlo, aunque comparte premisa con Grifter, por eso de ser un hombre perseguido por una organización misteriosa, con avión incluído (¿cómo es posible tanta semejanza?). Sin embargo, no se hace del todo redundante, precisamente porque Abnett y Lanning tienen mucha más habilidad a la hora de explotar la idea, con un toque más mágico y fantástico, sorprendiéndonos con un buen uso de las habilidades del protagonista y sus enemigos. Las cajetillas que revelan los pensamientos del personaje tienen más gracia, así como los diálogos y los diseños. Tiene mucho más potencial y no parece típico, aparte de que el cliffhanger deja con ganas de más. A esta le daré una oportunidad, que por tener tiene hasta un buen dibujo.

Valoración: 7 / 10

Suicide Squad #1

Todo un número dedicado a la tortura de unos personajes que ni siquiera conocemos, supuestamente para ir presentándolos uno por uno. Lo grave es que algunos de ellos ni siquiera son reconocibles, como es el caso de Harley Quinn, que jamás ha actuado o hablado de esa forma (¿dónde está Paul Dini cuando lo necesitas?) y el resto tienen los típicos traumas estándar para personajes supuestamente violentos o perturbados. Y todas páginas dedicadas a presentar dolores y cajetillas de pensamiento que explican lo muy mal que lo están pasando y lo chungas que fueron sus vidas sirven solo para meter al equipo de lleno en una situación muy "cool" que recuerda negativamente a los malos cómics de Outsiders de Winnick. Sinceramente, tendrán que hacerlo mucho mejor para que esto siquiera interese. Y para colmo, con varios dibujantes, no malos, pero de estilos algo contrastados. Muy pobre.

Valoración: 4 / 10

Superboy #1

El mejor cómic de Lobdell en todo este New 52, que tampoco es decir mucho. Y lamentablemente lo es simplemente porque es el que mejor acierta en su premisa, ofreciendo algo realmente nuevo que puede compensar los cambios de un personaje. El Superboy que conocíamos nació a partir del crossover de la Muerte de Superman, y ya en él se confirmó que era un producto de laboratorio, un clon del auténtico Superman. Poco después, Johns quiso, en los Titanes, revelar que el chico también tenía parte del ADN de Luthor. Esta mezcla es interesante, pero jamás se aprovechó. En esta colección, al menos el guionista sabe lo que tiene entre manos, la posibilidad de desarrollar algo más que una versión juvenil de Superman. Por ello, resulta interesante ver que no se trata del perfecto boy scout, y que además es consciente de su condición desde el principio. Solo por todo eso, esta serie tiene potencial, aunque le queda demostrarlo. El problema es que parece que va a estar demasiado ligada a otra mucho menos interesante. Para colmo, el dibujante, R. B. Silva, es cualquier cosa menos atractivo, por lo tanto visualmente la serie es, por ahora, muy pobre.

Valoración: 5 / 10

DC: The New 52 - 14 de septiembre (1)

2011-10-13T00:04:00.001+02:00

Batman and Robin #1

Este número deja la extraña impresión de que han enfocado mal la relación de estos dos personajes protagonistas, sin que eso sea del todo cierto. O al menos insisten tanto en ella que el número termina siendo soporífero por esta razón. El problema es que, aparte de eso, no se cuenta nada más de gran relevancia: se recuerda constantemente el origen de Bruce Wayne (algo que incluso es positivo, pues es el único número 1 protagonizado por el hombre murciélago de todo el evento que se preocupa por contar esto), el dúo pelea contra unos ladrones del montón, Damian sigue siendo algo psicótico (a lo que Bats solo responde "malo, niño malo", como ya lo hizo la primera vez que apareció en aquella célebre saga de Morrison) y hay un enemigo misterioso por ahí del que sabemos poco sobre sus intenciones o identidad. ¡Muy original! Lo grave es que no es un mal cómic en realidad (y menos comparado con otros). Es correcto y a la espera de que evolucione la relación entre esos dos. Pero como ya hay tres series iguales del hombre murciélago, todas iguales en tono, violencia y demás, pues esta es otra más, solo que añadiendo al sidekick. A lo mejor, de no ser así, no supondría un aburrimiento tan mayúsculo.

Valoración: 5,5 / 10

Batwoman #1

Esta serie destaca por encima de otras gracias a un toque pulp muy curioso y agradecido. Pero seamos sinceros, no sería ni la mitad de buena de lo que parece si no fuera por el espectacular dibujo de J. H. Williams, que es tan bueno que mejoraría cualquier guión, por malo que fuera. Aún así, eso no quiere decir que este lo sea. El argumento, como ya he dicho, está muy curioso e interesante, gracias al hecho de salirse de lo habitual en la franquicia. Esto es, sin tanto crimen, mafia, ladrones o psícopatas, sino que en esta ocasión el enemigo misterioso es una supuesta fantasma secuestradora de niños. Casi nada. Lo que ocurre es que el desarrollo es un pelín atropellado y confuso para nuevos lectores, por la forma poco eficaz de introducir a la extraña sidekick de esta, por otro lado, muy peculiar Batwoman. No está mal, pero debe cumplir con lo que promete en números posteriores.

Valoración: 6 / 10

Demon Knights #1

Ya decía yo que Cornell no estaba demasiado inspirado, al menos por el momento, en Stormwatch. Es porque "la niña de sus ojos" es esta colección, donde parece estar bastante más a gusto, usando referencias por doquier para construir una historia que solo peca de ser un poco apresurada en su primer número, pero que engancha como pocas en este evento. Este es un mundo fantástico absolutamente medieval, con muchos elementos artúricos, por lo que no es de extrañar que el guionista británico esté tan a gusto. Y la verdad es que tiene una forma muy dinámica y entretenida de presentar la historia y sus personajes, con un final muy épico. No se puede pedir más, salvo que la trama siga manteniendo el interés. Y lo mejor es que da la impresión de que esto solo puede ir a más, sobre todo gracias a estos protagonistas tan ambiguos. Diogene Deves, por cierto, hace un muy buen trabajo, recordando a Coipel en algunas páginas. Habrá que ver si evoluciona en esta serie.

Valoración: 7 / 10

Frankenstein Agent of S.H.A.D.E. #1

Para empezar, debo decir que Alberto Ponticelli, el dibujante, no me ha convencido para una historia de estas características, y encima el color no le ayuda en absoluto. Luego, hablando ya sobre el guión en sí, hay pocas cosas más molestas que el intentar presentar no solo todos los personajes, sino TODOS los elementos de la colección en un solo número mediante cajetillas de texto explicativas, como si fuera una maldita enciclopedia que has de empollar ipso facto, sin fluidez alguna. Por no decir que la historia es una sobrada sin demasiado fundamento, que si la hubiese escrito Millar tendría miles de quejas por doquier, pero Lemire tiene la suerte de no ser tan conocido. Y aún pese a todo lo dicho, la colección podría merecer alguna que otra oportunidad, ya que por lo menos la premisa es lo suficientemente atractiva como para quedarse a averiguar si mejora o no lo que se cuenta. Al menos, la espantosa presentación ya está hecha.

Valoración: 5 / 10

Green Lantern #1

Resulta irónico que esta sea la única serie que escribe Geoff Johns en todo este evento que mantiene algo del nivel al que nos tenía acostumbrados. Tampoco es que sea una maravilla de número, pero al menos se lee con agrado y respeta a sus personajes, puede que también porque en lugar de empezar de cero continúa una etapa que ya conocemos y está más que avanzada. Este nuevo status quo para Sinestro y Jordan se avecina prometedor, aunque a lo mejor habría sido más deseable ver por más tiempo al antiguo Green Lantern en la condición de humano (aunque igualmente "sin miedo", eso sí), y a Sinestro luchando más por su dualidad. En todo caso, lo que el número me inspira en realidad es que todos deberían unirse para ir en contra de los puñeteros Guardianes, que cada vez más parecen los auténticos villanos de la función, con tantos secretos y acciones dictatoriales. De todas formas, no está nada mal, y el dibujo de Mahnke cumple de sobra.

Valoración: 6,5 / 10

DC: The New 52 - 7 de septiembre (2)

2011-10-10T10:58:00.003+02:00

Green Arrow #1

A esta colección le ocurre lo mismo que a la de Batgirl: parte de una mala idea (rejuvenecer a Oliver cuando su sidekick parece tener ahora su misma edad), está escrito con desidia, está desfasado tanto en el desarrollo de la historia como en el dibujo y es demasiado estándar. Por no decir que es un guión que se olvida en el mismo momento en que se lee, con unos villanos que por lo menos muestran sus rostros (no hay misterio, ¡menos mal!) pero que tienen menos interés que Poochie recogiendo melocotones. Lo que se dice un reinicio realmente absurdo, que tira por lo borda todo lo visto del personaje hasta el momento, simplificándolo hasta niveles absurdos, sin mejorar nada de lo que ya teníamos. Ignoro qué pretendían con esto, porque no posee un tono lo suficientemente jugoso para los jóvenes, ni tampoco es atractivo para el lector de siempre.

Valoración: 4 / 10

Hawk & Dove #1

Esto es lo que se denomina un engendro deudor de los 90 que vuelve para vengarse de aquellos que los desprecian hoy en día. Es cierto que el dibujo es lo que más afecta al guión, pero es que ni eso último se salva. Si se supone que un primer número debe presentar a los personajes y hacerlos interesantes, este no lo consigue en absoluto. Las batallas son una burrada sin orden ni concierto, el villano es el arquetipo absoluto del científico loco medio, los diálogos son lamentables y el desarrollo infame. De hecho, se nos cuenta el origen de estos personajes como si con postales se tratara, a partir de una serie de imágenes inconexas y montones de cajetillas de texto explicativas. De eso va todo el número, sin contar otra cosa y presentando a unos protagonistas que se olvidan a los cinco minutos, de lo anodinos y absurdos que son en sus reacciones y comentarios. Parece un fanzine más o menos bien coloreado, un subproducto de una época que casi nadie quería tener de vuelta. Aunque diablos, es lo que ocurre cuando se tiene a Liefeld al cargo de una colección. No creo que nadie esperara otra cosa.

Valoración: 2 / 10

Static Shock #1

Es una especie de Spidey para DC, como leí en alguna parte. Eso no quiere decir que sea malo de por sí, ya que el concepto de superhéroe adolescente que defiende al mundo que le desprecia no es exclusivo del trepamuros. Además, entre tanto amargado de dientes apretados en esta nueva DC, casi se agradece la presencia de un protagonista bastante más positivo y simpático. Por no decir que esta vez sí que tenemos una buena presentación del mismo, el dibujo de McDaniel convence y los poderes del muchacho están muy bien explicados, con esa jerga de ciencia ficción futurista que le viene muy bien a la serie. En otras palabras, correcto, solo le falta ir mejorando en números posteriores para dar un plus de novedad, que es lo único que le falta. Y una última cosa: espero que aprovechen a Tan (personaje, no dibujante) para algo mejor, teniendo en cuenta el jugo que le sacaron en su editorial original.

Valoración: 6 / 10

Stormwatch #1

Confieso, con el riesgo de quedar como el tiquismiquis oficial de este evento, que me ha dejado algo frío este primer número. No es que esté mal, de hecho es una buena presentación que empuja a seguir leyendo la serie. Pero el concepto en sí es lo que no termina de convencer, ya que estos personajes parecen tan profesionales, tan eficaces y resultan tan molones que... efectivamente, hacen que la JLA presentada en este evento sea una segundona de cuidado. Por eso, a los lectores veteranos les costará mucho hacerse a la idea de que estos son los vigilantes en la sombra que lo defienden todo, los putos amos de DC en cuanto a grupos. Un cambio muy brusco. Pero el cómic en sí es bastante interesante, y todo lo que debió haber sido el de Johns y Lee, ya que se presenta a todos los personajes sin que el grupo esté formado del todo, anunciando la amenaza principal con mucho acierto y expectación. Tampoco era tan difícil, ¿no? Eso sí, me vais a permitir echar pestes del dibujo, sobre todo porque Sepulveda se apoya demasiado en trucos cutres de photoshop, con texturas que definitivamente quedan fatal, con un color espantoso.

Valoración: 6,5 / 10

Swamp Thing #1

Resulta sorprendente lo bien escrito que está este cómic, sobre todo después de leer algunos de este fallido evento. Ignoro hasta qué punto se salta esta nueva andadura la etapa de Moore (que creo que poco, teniendo en cuenta las referencias que se hacen sobre ella), pero no cabe duda de que es un inicio realmente potente. La amenaza resulta terrorífica y convincente, muy bien presentada. Aunque realmente el protagonista se lleva la palma, Holland, cuya conversación con Superman sirve a las mil maravillas para colocarnos en situación y conocer al personaje: sus inquietudes, sus conocimientos, sus fobias, sus caprichos... E incluso se realizan explicaciones de botánica muy interesantes que pueden dar mucho juego en una serie como esta. En otras palabras, Snyder demuestra ser un guionista todoterreno, atrevido y capaz para una serie de este estilo, que habría estado cómoda en el sello Vértigo pese a ciertas apariciones. Sin duda habrá que seguirlo de cerca. Ah, y sin olvidar el dibujo de Paquette, realmente bueno: detallado, expresivo, intenso, intimista... Muy buen comienzo, sin duda.

Valoración: 7,5 / 10

DC: The New 52 - 31 de agosto y 7 de septiembre (I)

2011-10-08T15:22:00.000+02:00

Justice League #1

Lo más grave de este número no es que esté mal escrito, no muestre una historia competente o no sirva de presentación para nada en absoluto. No, lo realmente triste es que es anodino como él solo. No se puede pretender comenzar una nueva colección con algo tan lamentable como este pobrísimo e insustancial encuentro entre dos personajes de la futura primera alineación del grupo con unos diálogos tan pésimos, demostrando el guionista, una vez más, que no sabe escribir a uno de ellos. Hay momentos tan sonrojantes como Batman intentando hacerse el genial (ya que es humano y tiene mucho que demostrar), quitándole el anillo a Hal como si tal cosa. Es vergonzoso porque consigue curiosamente el caso contrario: en lugar de mostrar a Bruce competente en lo suyo, hace que Jordan parezca un inútil. Peores son el típico y tópico origen de Cyborg que se pretende mostrar y la absurda entrada de Superman, que está caracterizado de pena, todo para ofrecer un cliffhanger supuestamente atractivo. No se puede comentar mucho más, es un número muy pobre, y para ser el primero resulta desesperanzador. Y de verdad, me dicen hace tres años que esto lo escribe Geoff Johns y no me lo creo, parece algo más propio de Jeph Loeb en horas bajas. Jim Lee, eso sí, como siempre, ni bien ni mal, simplemente en su estilo. Si te gusta, lo adoras, si no... lo soportas. Para mí es el segundo caso.

Valoración: 2 / 10

Action Comics #1

Ha vuelto el Grant Morrison que a muchos nos gusta leer: crítico, con los pies en la tierra y presentando personajes con una personalidad definida que no resulte típica. Es muy pronto para valorar, pero es un arranque bastante esperanzador, sobre todo porque en 24 páginas repletas de acción (haciendo honor al título) se las apaña para crear un nuevo Superman que, por otro lado, es una actualización bastante inteligente del mito. Por otro lado, es cierto que las similitudes con Ultimate Spiderman son unas cuantas, pero superhéroes adolescentes de este tipo hay a montones, y de todas formas estos dos personajes siempre han tenido muchos puntos en común, empezando por el carácter a lo "boy scout" y acabando con que trabajan en un periódico. Por lo que la simbiosis que siempre han tenido estos iconos les ha beneficiado en mayor o menor medida, y no debería sorprendernos a estas alturas. El que sí resulta algo decepcionante es Rags Morales. Con el excelente trabajo que realizó en Identity Crisis, en este número comete ciertos errores de anatomía y proporción bastante graves, con viñetas que presentan a personajes deformados en poses imposibles y de una expresividad excesivamente forzada. No es tampoco mal trabajo, ni mucho menos una aberración, pero sabemos que es capaz de más. Aún así, que siga en la serie por mucho tiempo.

Valoración: 7 / 10

Animal Man #1

Dicen que este número parece uno cualquiera de la etapa de Jamie Delano al frente del personaje. A veces, las comparaciones son odiosas, en este caso me atrevería a decir que incluso injustas. Ese tono a lo "Vértigo" sin los tópicos del cómic de superhéroes es perfecto para este personaje, y ya lo dice el dicho "si algo no está roto, no lo arregles". Si ese tono atípico ha funcionado siempre, no entiendo por qué merece ser criticado, especialmente cuando Lemire trata de aprovecharlo para contar su propia historia, presentando a la familia al completo, el status quo (brillante la primera página de la entrevista) y lo que se avecina, con un cliffhanger muy interesante. En otras palabras, en un solo número es capaz de captar al lector como pocos han sabido en los relanzamientos de este evento. Es más, la historia invita a ser leída, pero es que aparte el dibujo de Travel Foreman es perfecto para el tono que exige, es muy experimental y está maravillosamente bien coloreado con esas tintas planas tan sugerentes. Es un muy buen número 1, de los mejores de todo New52.

Valoración: 8 / 10

Batgirl #1

Soporífero. En este primer número Gail Simone trabaja con el automático puesto, pretendiendo contar "algo" de la forma más anodina posible. Aunque seamos sinceros, lo que más molesta en realidad es que esta Batgirl no resulte nada creíble en su nuevo/viejo status, y no es porque Bárbara pueda andar ahora por arte de magia (que ni siquiera lo explican), sino porque el personaje está muy mal escrito, y se nota en exceso que la guionista no esperaba usarlo de esta forma, que no es idea suya pasarlo a un papel que es un retroceso devastador para todo lo que llevaba haciendo desde la popular Broma Asesina. Y es que por mucho que la hija de Gordon pueda andar de repente, no se comprende por qué deja tan de lado los métodos de Oráculo, menos todavía cuando pretenden mostrarla como alguien con muy poca confianza tras el trauma vivido. Tampoco ayuda encontrarse con un status quo tan típico y un villano supuestamente misterioso (otro de los tantos en esta franquicia) que sinceramente no interesa ni lo más mínimo. En definitiva, un cómic aburridísimo que no destaca ni siquiera por el dibujo.

Valoración: 4 / 10

Detective Comics #1

Esto es lo que llamaríamos un ejemplo perfecto de cómic que busca a todas luces llamar nuestra atención de cualquier manera y sin talento alguno. La trama es burda, cosida con alfileres, con una idea poco interesante y un cliffhanger tan fácil como poco trascedental. Una nota al pie de página de todo este evento que, sin embargo grita desesperado para destacar unos mínimos. Lo realmente triste es que Tony Daniel haya debutado como guionista de una cabecera tan longeva como la que nos ocupa, sin haber demostrado estar a la altura del prestigio de la misma. Lo único bueno que se puede decir de todo esto es que al menos no aburre y es bastante mejor que lo que venía haciendo anteriormente, pero eso no compensa un número tan flojo a todos los niveles, con un tratamiento del Joker bastante lamentable (está loco, pero siempre fue brillante e ingenioso, debería ser algo más que un psicópata masoquista), unos diálogos lamentables y unas cajetillas de texto deudoras del peor Loeb. Irónicamente, el dibujo es lo más aceptable, pese a no ser ninguna maravilla, aunque por lo menos notas el esfuerzo. Por lo demás, una sobrada sin gracia con un villano misterioso que no resulta interesante en absoluto. Lo curioso, es que pese a todo no está entre lo peor del evento.

Valoración: 4 / 10

Marvel Héroes - Thor: El Dios Serpiente

2011-10-06T14:45:00.001+02:00

Tom DeFalco, guionista de la saga de este tomo, fue editor de Marvel, concretamente tras Shooter, y su etapa como tal fue una de las más polémicas que ha atravesado nunca la editorial. Fue quien consiguió las mayores ventas que uno haya podido imaginar en el mundo del comic book, impensables hasta ese momento. Dentro de su mandato, vimos cómo X-Force vendió la friolera de 3 millones de ejemplares, mientras X-men a cargo de Claremont y Lee alcanzó 7 de los grandes. El problema es que nunca fue alguien muy preocupado por la calidad de sus cómics (apoyó ideas tan absurdas como las portadas con hologramas y brillos, que tanto éxito tuvieron en su momento), y eso se nota especialmente tras la marcha de los guionistas que se vieron agobiados por la excesiva popularidad de los dibujantes estrella, quienes también emigraron más tarde en busca de pastos más verdes, dejando la editorial en un estado de calidad y ventas realmente penoso. Por ello, con ideales y decisiones como estas, no sorprende demasiado que DeFalco nunca destacara como guionista. Es más, se le considera muy deudor del trabajo de otros, sin demasiada personalidad propia. El trabajo que realizó en Thor tras Walter Simonson es un muy buen ejemplo de ello, aún siendo una de sus mejores obras, con diferencia.

Lo que vemos en estas páginas es, de hecho, al guonista poseído por el espíritu de Stan Lee. Toda la épica que poseía el co-creador del universo Marvel la vemos aquí, en mayor o menor medida. Eso sí, con más dinamismo y sin la novedad. Resulta curioso leer estos cómics, que recuperan estupendamente el tono que poseían los superhéroes en los años sesenta, sabiendo que son de finales de los ochenta, porque parecen más antiguos que los de Simonson, que se supone que son anteriores. Esto tampoco debería entenderse como algo negativo, porque al menos se muestra una historia más que competente con todo esto, pese a la pretendida sencillez y el uso de los tópicos. Porque seamos sinceros, la trama funciona gracias a un buen uso de personajes, pero todo se resume en la típica batalla del bien contra el mal, estando ambos reflejados en su máximo exponente. Lo que ocurre es que hay tantos frentes, tantos grupos, tantos dioses y tantos elementos interesantes interactuando entre sí, que es inevitable emocionarse en algunos momentos.

Además, DeFalco (cariñosamente llamado "Desfalco") aprovecha el número 400 para soltarse la melena a lo grande, recuperando a un personaje que suponíamos muerto (que jamás fue así, por lo que no se le puede llamar resurrección a esto, ni muchísimo menos) para el gran clímax final. Todo con una grandilocuencia inaudita, como en las grandes epopeyas que deben reverberar por los siglos de los siglos. Lástima que el villano no posea el carisma suficiente y nada de todo esto consiga quitarnos la espinilla del recuerdo de la etapa de Simonson, cuyas consecuencias va eliminando DeFalco poco a poco, aunque sea con el considerable acierto de construir su propia historia. También vemos algunos "olvidos" que restan solidez al guión, como el papel de Loki en toda la trama o el status posterior de algunos personajes, como Karmilla. También decepciona la tramposa conclusión de la maldición supuestamente mortal de Hogun, que pedía a gritos un final más trágico. A todo esto, Ron Frenz responde con una maestría que jamás mostraría posteriormente en sus lápices. Y es que si el guionista imita a Lee, el dibujante no iba a ser menos, por lo que utiliza todas las técnicas que hicieron famoso el estilo de Jack Kirby: las impresionantes splash pages por las que desfilan enormes cuerpos poseedores de gran energía, las asombrosas líneas cinéticas que contrastan con la forma en la que chisporrotea el poder que impregna las viñetas, etc, etc. Su mejor obra, sin duda, aunque sea deudora del maestro.

Por lo tanto, ¿qué tenemos aquí? Pues una obra que gustará a todo aquel quiera una historia clásica de Thor en estado puro, similar a las que encontramos en la época dorada del personaje. Pero no supone un paso más allá, como sí lo fue la etapa Simonson, más bien es un calco realizado con gracia que no es todo lo bueno que podría. Aún así, una lectura recomendable, si sabes lo que te vas a encontrar.

Marvel Héroes - Los 4 Fantásticos: Impensable

2011-10-04T11:17:00.001+02:00

La primera familia de Marvel destacó especialmente en sus inicios con unos inspiradísimos Stan Lee y Jack Kirby, así como durante una fructífera etapa en los ochenta en manos de John Byrne. Pero estos últimos años, concretamente desde la década de los noventa, han tenido una presencia algo más discreta, con autores inadecuados en ocasiones, como puede ser un incómodo Chris Claremont, más deseoso de volver a los mutantes que otra cosa, o un primerizo Carlos Pacheco, acompañado de Merino, a los guiones, demasiado deudores de la etapa que ellos mismos idolotran. No ha sido hasta la llegada de Mark Waid, que no veríamos algo más notable dentro de esta colección tan longeva. Los primeros números son algo modestos, con una perspectiva acertada y un tratamiento de personajes clásico y poco rompedor, captando la verdadera esencia del grupo. Sin embargo, lo realmente destacable de esta etapa no llegaría hasta esta saga, Impensable, que supone el principio de una trilogía que pocos han encumbrado como se merece. La susodicha se conforma con la que nos ocupa, la posterior Acción de Autoridad y acaba con El Más Allá. Un tour de force para los personajes que se tornaría como algo irrepetible, original y emocionante, sobre todo visto con la perspectiva que nos concede el paso del tiempo.

Lo más curioso es que esta primera saga resulta ser la peor de las tres mencionadas. No porque sea mala, ni mucho menos, sino porque lo que viene a continuación supone la culminación de las impredecibles consecuencias aquí expuestas. Pero lo mejor será dejar de adelantar acontecimientos y explicar por qué es tan sorprendente este comienzo: supone el regreso del incansable Dr. Muerte, que hacía mucho que no urdía un plan tan drástico contra sus enemigos, dándolo todo con una furia inigualable y unas ansias de victoria que hacen que el villano se convierta en un alma vengativa sin escrúpulos. En otras palabras, Victor Von Muerte da miedo. Ha cambiado sus métodos, y la forma en que transforma su armadura para pillar imprevistos a los 4 Fantásticos hace honor al título del tomo. Impensable arranca con un sobresaliente número donde se explora la vida de la antítesis de Reed Richards con maestría, de forma que cualquier lector, veterano o no, queda informado a la perfección de quién es Muerte y por qué hace lo que hace. Como punto de partida, es sencillamente perfecto.

A partir de aquí, presenciamos una aventura a un ritmo verdaderamente vertiginoso, casi sin conceder un respiro. El villano no ofrece cuartel, empieza atacando en los puntos más vulnerables desde el primer ataque y deja indefensos a sus enemigos fácilmente, ofreciéndole después un reto a Reed que le resultará realmente difícil de superar. El punto más flojo de la saga, y lo que la hace inferior a las posteriores, es la forma en que Mr. Fantástico consigue escapar del tremendo escollo en el que se ve sumido, con una ayuda externa que, aunque coherente, resta algo de emoción al conjunto, al ser un poco un deux ex machina decepcionante. Pero por suerte, tanto Waid como Wieringo están dispuestos a darnos una batalla memorable, de esas en las que los personajes no solo lo dan todo con tal de salir no ya victoriosos de la situación, sino que luchan por sobrevivir. Pero, como vimos unos párrafos más arriba, lo mejor está realmente en las consecuencias de todo lo sucedido. Los traumas, las heridas y las reflexiones. Por eso los dos números que sirven de epílogo a Impensable, que presentan una historia titulada La quinta rueda, son el colofón perfecto para una historia más centrada en lo personal que en la acción en sí, pese a que no escatima en ninguna de las dos cosas.

En conclusión, este tomo y los venideros son muy recomendables, tanto para neófitos como novatos. Da lo mismo, Waid supo escribir unos números que bien sirvieron para darle a este grupo el lustre perdido años atrás, aptos para todos los públicos y de los que crean afición, que no es poco.

Green Lantern - Un torpe comienzo

2011-10-02T11:52:00.000+02:00

No resulta complicado explicar por qué esta apuesta de DC Entertainment no está a la altura de la mayoría de las presentadas por Marvel Studios, cuando reúne sus principales defectos, algunas de sus virtudes y la misma falta de pretensiones. Pero no cabe duda de que esta adaptación de Green Lantern de Martin Campbell, ante todo, se puede definir como impersonal en todos los aspectos, como también lo ha sido, este mismo año, la que hemos podido ver de Thor, de la mano de otro director supuestamente competente como es Branagh. Pero lo cierto es que este defecto se ha convertido en algo ya común en el género de los superhéroes en el celuloide, lo que ocurre es que hay quienes saben superar ese escollo con una enorme dosis de carisma y buen hacer. En realidad, no son necesarias del todo la novedad y la ambición para presentar una buena película de este estilo, a veces basta simplemente con un muy buen ritmo, un tratamiento de personajes decente y unos buenos efectos especiales. Si el guión es simple pero cumple su cometido, encontramos con que tenemos el trabajo prácticamente hecho. A la editorial de los Vengadores parece haberle ido bien, más o menos, con este sistema y ahora la Distinguida Competencia pretende apuntarse un tanto con la historia de Hal Jordan. ¿En qué diablos falla ésta, que tantas críticas negativas está reuniendo por parte de los más belicosos fans del justiciero esmeralda?

Para empezar, cabría hablar de la terrible torpeza del guión. Es sorprendente cómo desaprovecha todas las virtudes del personaje, uno que además ha tenido recientemente una actualización de su origen tanto en los cómics como en la notable película de animación Green Lantern: Primer Vuelo, que sí es muy recomendable. Con el trabajo ya hecho, sorprende que decidieran tirar por derroteros tan vistos, con reinterpretaciones más que discutibles y un uso realmente espantoso de unos secundarios sin chispa. Es decir, intentan meter todos los conceptos y no se preocupan por los detalles, por lo que al final nada tiene un interés relevante, la película queda completamente vacía de contenido y sin nada especial que contar. Hal Jordan, además, es repelente como superhéroe, no solo porque tiene unos diálogos de parvulario, sino porque Ryan Reynolds le hace un flaco favor interpretándolo, es muy difícil tomárselo en serio con ese gesto perpetuo de "no me entero de nada pero soy muy gracioso" que tan poco sentido tiene para un protagonista como este. Peor todavía es el amigote Kalmaku (cuyo nombre he tenido que buscar por internet, una muestra de la huella que deja), que ni siquiera funciona como personaje cómico, sobre todo porque no ofrece ningún tipo de contraste con el piloto irresponsable que encuentra el anillo. Y Carol Ferris es un "quiero y no puedo", quizá mejor escrita que muchas otras "chicas de héroe" de la gran pantalla, pero la actriz no le otorga personalidad alguna. En resumen, podría decirse que aparte de un guión flojo, encontramos un casting bastante pésimo donde solo se salvaría Mark Strong como Sinestro.

Pero lamentablemente, pese a la buena actuación del actor antes mencionado, este villano resulta ser el peor escrito de todos los presentes, junto al protagonista. Es incomprensible que alguien tan complejo como esta ambigua antítesis del Green Lantern terráqueo no haga nada en toda la película que no sea asistir de testigo poco participativo de los acontecimientos, un quejica intergaláctico que no está a la altura de su leyenda. De hecho, no son nada sutiles a la hora de encumbrar el mito del primer terrestre que recoge el anillo, luchando y venciendo a la amenaza supuestamente imbatible, Parallax, con ingenio y habilidad, pese a ser un supuesto novato. Ese punto está más o menos conseguido, pero lo que no resulta creíble, y ahí es donde cae la base del filme como si de un castillo de naipes se tratara, es que ningún Lantern sea capaz siquiera de prestarle batalla ni cinco tristes minutos. La historia pedía a gritos una escena con el cuerpo de policías espaciales dejándose la piel contra la vil amenaza, pero solo los vemos durante apenas dos minutos perdiendo irremisiblemente y muriendo de la forma más cutre posible. Además, la forma en que se presentan al final es para llamarlos patanes e inútiles durante milenios. Para colmo, en todo momento no nos quitamos de la cabeza el que estemos viendo una producción de tres al cuarto: los actores parecen de segunda, la historia es típica, lineal y predecible, los personajes son planos, el ritmo es aburrido y por desgracia el CGI canta la ópera, con escenas enteras donde la cara de Reynolds parece pegada sobre polígonos de colorines. Y aún pese a todo, sería justo decir que no es tan aberrante como para colocarla al lado de adaptaciones como la de Daredevil, el Motorista Fantasma o los 4 Fantásticos (ligeramente superior, pero similar a estas). Al menos puede presumir de estar a un nivel levemente mayor al de esos despropósitos.

Pero definitivamente es una película fallida en casi todos los apartados, que no presenta apenas virtudes o elementos memorables, pero que por lo menos no se toma en serio a sí misma (buenísima la reacción de Ferris ante Green Lantern cuando lo tiene de frente por vez primera) y tiene alguna buena idea entre todo el desaprovechamiento de ídems. Solo la recomendaría a muy fans del género, porque dudo que ofrezca algo de interés a cinéfilos más exigentes.

Los Vengadores - Las Guerras Asgardianas

2011-09-30T10:49:00.000+02:00

Actualmente lo último que necesita el universo Marvel es un revulsivo, pues lleva muchos años enlazando historias que son consecuencias de otras de una manera muy dispar. Con esto, estamos hablando de los crossovers, que tantas alegrías y penas nos han dado por igual. Uno de los más importantes que ha editado la Casa de las Ideas desde que comenzó su andadura allá por los años sesenta, fue Civil War, una miniserie en la cual Iron Man y el Capitán América se enfrentaron para defender sus propios ideales y puntos de vista sobre lo que se conoce como el Acta de Registro de Superhumanos. Mucho ha llovido desde entonces, y Norman Osborn incluso ha llegado a estar en la posición en la que se mantuvo durante tantos años Nick Furia, aunque con HAMMER en lugar de SHIELD. Ahora que todo eso ha acabado, ahora que la "trinidad Vengadora" vuelve a reunirse de nuevo tras varias resurrecciones y regresos, es hora de tratar viejas heridas y rencillas personales.

Es algo necesario cuando clonas a un amigo o propicias su asesinato en la escalinata de los juzgados. Rogers, Stark y Odinson, los tres grandes superhéroes del grupo más poderoso de la Tierra, según Marvel, no están muy orgullosos de su pasado reciente, ni tan siquiera parecen dispuestos a dejar los rencores de lado tan fácilmente. Esta miniserie nace por la necesidad de volver a juntar a estos personajes, para explorar la amistad que tenían antaño y para que no queden forzadas sus posiciones en los diversos grupos de Vengadores que existen en la actualidad. Bendis, hombre orquesta que sirve para todo, es el encargado de escribir la reconciliación. ¿Y qué mejor manera de hacer que los protagonistas se vuelvan a llevar bien que con una aventurilla clásica en un lugar inhóspito y mortal?

Así es como comienza la historia, con los tres discutiendo, poco dispuestos a dejarlo todo atrás, siendo transportados accidentalmente a lo que parece uno de los mundos de Asgard. Su emplazamiento lo descubrimos sobre la marcha, pero la villana principal se deja ver pronto: la mismísima Hela, en compañía de la Encantadora. El guionista aprovecha todo aquello que realizó Straczynski en la serie regular de Thor para poner en actualidad el status quo de varios personajes afines al dios asgardiano del martillo. Con ello, el escritor muestra varios homenajes a elementos provenientes de la magnífica etapa de Walter Simonson en la serie del hijo de Odín sin complicarse demasiado, con una trama lineal bastante simple, a ratos simpática, en donde curiosamente hay pocos diálogos y mucha acción, cosa poco habitual en Bendis. Quizá porque prefirió dar cancha al magnífico artista que tenemos la suerte de disfrutar: Alan Davis, quien realiza varias páginas para enmarcar y caracteriza a los personajes a la perfección. Por él no podemos tener ninguna queja, pero el guión podría haber sido bastante mejor, ya que como mucho es correcto y no logra brillar como podría, desaprovechando una premisa como esta. Es como si el guionista se mostrara algo desganado.

Pese a todo, no es una mala lectura para pasar una buena hora de diversión, ya que al menos es una saga que se lee con agrado y ligereza. Aunque no logre transmitir gran cosa y su final resulte muy abrupto y anticlimático. Bendis es capaz de mucho más y se nota.

Los Soprano Temporada Cinco

2011-09-28T12:29:00.000+02:00

En la primera temporada hablé de la mitología que existe alrededor de la mafia italoamericana y de cómo debía la familia Soprano competir con otras más populares reflejadas con sobriedad y elegancia por directores como Scorsese o Coppola en la gran pantalla. En la segunda destacaba ante todo la llegada de nuevos secundarios que hicieron tambalear el status quo levemente, reafirmando el tono costumbrista y sórdido de la serie, demostrando que pertenecer a la familia no es garantía de inmunidad. Esto se concreta aún más en una tercera temporada donde destaca sobre todo la hipocresía de los adultos, siempre dispuestos a criticar y juzgar a sus semejantes por mucho que ellos cometan los mismos errores sin justificación alguna. En la cuarta, y anterior a esta que nos ocupa, lo que parecía inalterable de repente se resquebraja. Los cimientos de la familia de Tony están deteriorados, en parte por su comportamiento, en parte porque el mundo exterior es demasiado hostil como para bajar la guardia. Todos estos elementos, en realidad, pueden verse en todas las temporadas, solo que en mayor o menor medida. Como también ha sido habitual mostrar el desencanto de ser el jefe de la mafia, tema que no había brillado con tanta fuerza como en esta ocasión. Resulta muy significativo que Carmela Soprano, en sus citas cinéfilas con sus amigas, ponga en vídeo una película como Ciudadano Kane.

Esa sería la idea principal, comprobar cómo ser el jefe absoluto de una mafia poderosa de la ciudad no te hace necesariamente feliz. Tony lo tiene todo, y lo ha llevado bastante bien hasta ahora. Incluso parece que todo va a mejorar, con la llegada de Tony Blundetto (interpretado por el más que convincente Steve Buscemi), su primo hermano más querido, que resulta enormemente significativo para el desarrollo de la trama. Y es que la serie tiene una estructura sutil, pero muy curiosa: suele comenzar las temporadas con algún nuevo mafioso que estaba desaparecido para tratar algún tema interesante relacionado con él y mover un poco las fichas del tablero. En la segunda fue Richie y su comportamiento con respecto a las viejas costumbres, en la tercera tuvimos a Jackie Jr. como el joven que quiso hacerse un hueco en los negocios sin conseguirlo, y en la cuarta, aunque apareció antes, fue Ralph Cifaretto quien tuvo la voz cantante. Uno diría que una fórmula como esta sería algo repetitiva, pero está tan bien aprovechada que nunca deja de sorprender. Además, la forma en que Blundetto se integra en lo más profundo del intrincado mundo, tanto personal como en cuestiones de negocios, de Tony Soprano es realmente sobresaliente, aportando matices nunca vistos y descubriendo nuevas revelaciones respecto a su compleja personalidad.

Nunca un secundario ha parecido estar siempre ahí de la manera en que lo hace el genialísimo personaje de Buscemi. Cuando dije que el de Joe Pantoliano parecía dar esa misma impresión, no era consciente de lo muy pequeño que se quedaría en este aspecto comparado con el recién aparecido familiar de Tony. No es solo que Buscemi haga un papel excelente, no es que tenga una personalidad interesante y especial, es que él solo podría llevar todo el protagonismo sin problemas. Así de rompedor resulta Blundetto, sin él simplemente no habría habido una temporada como esta, con más problemas que nunca tanto en los conflictos familiares como en los negocios, con un Johnny Sack más implacable que nunca. Lo que nos lleva de nuevo al tema principal: el desencanto de ser el jefe de una mafia poderosa. El patriarca de los Soprano está experimentado el peor momento de su vida, y pese a todo hay ramalazos de felicidad que resultan demasiado breves. Ese contraste hace que el espectador se alegre cuando los personajes de la familia lo hacen y se apene aún más cuando ocurre lo peor. La implicación emocional es mayor, lo cual resulta muy curioso cuando tenemos en cuenta que son todos una panda de asesinos sin escrúpulos que matarían incluso a sus mejores amigos si el jefe así lo pide. Pero desde el principio, ha sido esa la mayor virtud de Los Soprano, solo que en esta temporada es más evidente que nunca.

Una temporada simplemente brillante. Una obra maestra en 13 episodios que cuentan más de lo que parece a simple vista y no aburren en absoluto. Es sorprendente cómo consiguen que lo de siempre parezca nuevo y que lo nuevo parezca viejo. Costumbrista, cruda, deprimente, interesante... y un perfecto retrato de lo que debe ser realmente la mafia italoamericana. Irrepetible.

Arrietty y el mundo de los diminutos

2011-09-26T12:05:00.000+02:00

El estudio Ghibli nos ha ofrecido ya un gran número de grandes películas de animación tradicional que cualquier novedad es prácticamente garantía de calidad. Ya se ha dicho por activa y por pasiva que es la Disney oriental, pero lo cierto es que ambos estudios mantienen pocos puntos en común, siendo uno de los pocos el que su mayor pretensión sea dirigirse a los más pequeños de la casa para meterlos de lleno en un mundo de fantasía, sin olvidar tampoco a los mayores que se presten a seguir siendo soñadores. Pero por lo demás, la factoría japonesa tiene un sello propio muy característico, propiciado por el genial Hayao Miyazaki, creador de historias tan memorables como Mi vecino Totoro o El Viaje de Chihiro, entre muchas otras, que destacan por ofrecer mundos repletos de moraleja y una gran carga simbólica. El director, también dibujante de manga, posee una personalidad propia que transmite en sus películas, un sentimiento anti-bélico que solo es superado por su amor a la naturaleza y el sentido de la responsabilidad. Pero por mucho que nos encante, lo justo sería reconocer que esta película que nos ocupa no es del todo suya, sino que está dirigida por uno de sus animadores más cercanos: Hiromasa Yonebayashi, que después de estar tanto tiempo trabajando con él, parece que algo se le ha quedado, a juzgar por el resultado.

Aunque lo cierto es que resulta muy irónico que precisamente lo más flojo del filme sea precisamente el guión, que es en lo único que se involucró el creador de La princesa Mononoke. Una adaptación, ignoro hasta qué punto fiel, al famoso libro de Mary Norton: The Borrowers (el mismo en el que se basaron para realizar la famosa serie The Littles, Los Diminutos en España) que presenta una historia bastante más simple de lo que estamos acostumbrados del estudio que realizó el Castillo Ambulante. Quizá esto se deba también al hecho de que es la historia más occidental que han trasladado a la gran pantalla, con todo lo que ello conlleva, por lo que no resulta tan original o imprevisible, se nota la ausencia de las creaciones más asombrosas del maestro Miyazaki. Esto, por un lado, hace que esta sea una de las propuestas de la compañía más vacías en cuanto a contenido puramente formal, pero no así en cuanto a emoción y sentimiento, siendo esta su mayor baza.

La falta de malabarismos argumentales está más que compensada con una sensibilidad artística realmente sobresaliente. Lo que cuenta esta película no es mucho, de hecho los sucesos son bastante cotidianos pese a la presencia de los pequeños seres fantásticos, pero lo importante es la forma en que la historia está contada, con una sencillez que no está exenta de cierta complejidad en cuanto al tratamiento de personajes y su entorno. En otras palabras, la labor no se siente en la superficie de su argumento, sino en los conceptos que se permite desarrollar con elegante parsimonia. La forma en que presenciamos el mundo desde el punto de vista de los llamados diminutos es asombrosa, todo está calculado al milímetro: los elementos que componen sus casas, la forma en que deben sortear obstáculos, la increíble aventura que supone llegar siquiera hasta la repisa de un armario... Ese magnífico gusto por el detalle hace que el filme gane en cuanto a naturalidad y realismo. El contraste entre las diferentes perspectivas de dos especies distintas es portentoso. Sus personajes están vivos: tienen necesidades, sus silencios dicen más que sus palabras, sus sueños se cumplen tanto como se resquebrajan a la mínima... Todo está muy bien medido, y la dirección es portentosa, quizá el ritmo pierda un poco a medida que se va desarrollando la historia, pero al final todo está en su sitio e incluso se atreve a presentar un final un tanto agridulce y absolutamente libre de tópicos, en donde el espectador es quien debe elegir si tener esperanza o pesimismo hacia lo que pueda ocurrir a continuación.

Por lo tanto, lo que queda es una simple aunque bellísima historia, cuidada al milímetro, dibujada y animada con una habilidad fuera de lo normal, como viene siendo costumbre en este gran estudio. Puede parecer algo infantil, pero tiene un trasfondo más adulto de lo que parece. Realmente una gozada y un ejemplo más que insiste en negar la típica frase de "ya no se hace cine como antes".

Imposibles X-Force #1 - La solución Apocalipsis

2011-09-24T12:21:00.000+02:00

Esto sí que es lo que llamaríamos un ejercicio de marketing excelente: una portada magnífica, personajes con gancho, autores de cierto renombre y un primer título fantástico. Lo tiene todo, solo faltaría que el contenido estuviera a la altura de lo prometido.

Antes de empezar a hablar de este tomo, primero cabría realizar un resumen del precedente de esta etapa que nos vamos a encontrar en España. X-Force es una colección que fue creada para dar un mayor interés y fuerza (nunca mejor dicho) al grupo de los Nuevos Mutantes, en esa ocasión liderados por un novedoso e impactante Nathan Summers, más conocido por entonces como Cable. Con el tiempo, la serie perdió su razón de ser, por la proliferación de series mutantes, todas demasiado parecidas y redundantes durante la década de los noventa. No es que hayamos mejorado mucho hoy en día, pero se puede decir que al menos intentan buscar fórmulas diferentes que antaño ni se habrían planteado siquiera. Es el caso de la nueva andadura de la serie que nos ocupa, que en manos de Kyle y Yost, que llegaron prometedores gracias a su excelente trabajo en New X-men (la de los jóvenes, no la del grupo central), se convirtió en la serie de Lobezno y su grupo de asalto mutante. En aquel momento, fue idea de Scott Summers, crear un equipo clandestino para realizar el trabajo sucio en tiempos donde la extinción mutante era más que posible no fue nada descabellado o incoherente. Al contrario, casi parecía necesario pese a la facilidad de sus miembros para apretar un gatillo.

El mayor problema que tuvo esta serie fue que poseía una serie de personajes muy parecidos entre sí en cuanto a procedimientos y un tono que no terminaba de asentarse del todo. Parecía que sus guionistas buscaban ser forzosamente oscuros y violentos, sin preocuparse por todo lo demás y sin ofrecer contrastes de ningún tipo. Rescataron conceptos de los noventa con más o menos acierto, pero en general la etapa estuvo muy por debajo de las expectativas de los lectores, que esperaban mucho más del dúo que tanto nos sorprendió con los benjamines. En todo caso, tras una serie de eventos en donde terminó de decepcionar (la infame Necrosha), al fin pasó a otras manos: Rick Remender y Jerome Opeña. Ambos ya trabajaron juntos en Punisher (en el tomo titulado Viviendo en la oscuridad, concretamente) mostrando un nivel más que potable, lo que también se convirtió en algo esperanzador. Ahora el grupo se compondría de personajes menos felinos, manteniendo las garras y los cuchillos. Esta vez Lobezno compartiría cabecera con Betsy, Arcángel, Phantomex y el imprevisible Masacre. Con una mezcla como esta, nada podía fallar.

Por suerte, desde la primera página hasta la última, no cabe duda de que este primer acercamiento vale muchísimo la pena. Tanto que podría considerarse un imprescindible de la editorial en estos momentos, solo con este tomo publicado. Puede sonar exagerado, pero no cabe duda de que el tono oscuro esta vez tiene razón de ser, y el rescate de viejos conceptos para revitalizarlos y aprovecharlos adecuadamente es más agradecido que nunca. Remender ha hecho sus deberes, empollando la mitología de Apocalipsis para traerlo de vuelta de la forma más inimaginable posible, con los jinetes más inesperados y las localizaciones más atractivas que uno pueda soñar. Si a todo esto sumamos una excelente caracterización de personajes, con unos diálogos muy bien escritos y la culminación de la historia con un clímax a la altura de lo presentado, no cabe duda de que las razones por las que este cómic es muy recomendable están más que claras. Y por si todo esto fuera poco, Jerome Opeña es la excusa perfecta para que la historia entre por los ojos a las mil maravillas. Su estilo realista y crudo viene como anillo al dedo a la serie. Posee un conocimiento absoluto de la anatomía, sabe caracterizar a la perfección a cada uno de los personajes con un repertorio de expresiones faciales soberbio y además posee una narración dinámica y muy efectiva (que no efectista). Es difícil imaginar un dibujante mejor para estas páginas, y además el color de Dean White completa la excelencia del apartado gráfico de, al menos, estos densos y completísimos cuatro números que recoge el tomo.

En definitiva, un montón de halagos merecidos para una serie que no puede empezar mejor. Muy recomendable e imprescindible para amantes de los mutantes, especialmente para aquellos que nunca creyeron que el concepto de Apocalipsis pudiera dar para tanto o que nunca disfrutaron de la anterior etapa. Esto es todo lo que debió haber sido desde el principio.

Canción de Hielo y Fuego #4: Festín de Cuervos

2011-09-22T13:39:00.000+02:00

Aquí tenemos, por fin, el libro más criticado de Canción de Hielo y Fuego de todos los publicados hasta el momento en España. El motivo de tan inmerecidas críticas resulta muy evidente: en esta ocasión contamos con la ausencia de muchos personajes de los que estamos muy interesados por la importante presencia que tuvieron en entregas anteriores. Es decir, no tenemos constancia de los movimientos de personajes como Tyrion, Daenerys, Jon Nieve (solo sabemos de él al principio), Stannis, Melissandre o Bran. Esto es porque el mundo que crea George R. R. Martin en esta fabulosa saga se está ampliando hasta niveles insospechables. Tanto, que Juego de Tronos parece un libro mucho más simple de lo que parecía en su primera lectura tras acabar de leer este cuarto capítulo. Ahora tenemos el "inconveniente" de no poseer una visión más global de los sucesos que acontecen en Poniente, pero por otro lado, si el escritor sale airoso del asunto y lo domina todo tal y como lo está controlando por el momento, tiene el loable factor de dotar a su gran obra de una complejidad impresionante que no puede dejar indiferente a nadie. Es más, cada personaje tiene tanta historia (pasado, presente y futura) que cada uno podría llevar una serie de libros por sí solo, siendo todos tremendamente fascinantes. Por hacer un símil con el cómic de superhéroes, se podría montar toda una editorial solo con el mundo de Canción de Hielo y Fuego. Y para colmo no habría una colección inferior a otra, porque tanto Brienne como Arya o Cersei, por citar tres mujeres de diferente importancia y posición, tienen muchísimo que contar por sí mismas.

Por ello, no comprendo en absoluto las malas críticas vertidas en tan fascinante tomo. Es imposible evitar echar de menos, durante su lectura, a personajes como los ausentes anteriormente citados, pero eso no quiere decir que los sucesos de las Islas del Hierro o de Desembarco del Rey no tengan su propia importancia. Es más, pese a que no vemos lo que ocurre al otro lado del Mar Angosto, la verdad es que no hace falta, porque Martin fue tan inteligente a la hora de separar los capítulos que nos deja con la intriga a partir de lo que oyen los personajes protagonistas de los capítulos que podemos leer en esta entrega. Potenciando, de esta manera, una de las mayores virtudes de esta saga: la forma en que el autor juega con la nula verosimilitud de los relatos que se narran por boca de otros. En otras palabras, en estos libros las leyendas no se corresponden con la "realidad", y esto se nos dejó claro desde el primer libro, solo que en esta ocasión nos lo transmiten con más fuerza que nunca, porque los elementos místicos y fantásticos están apareciendo cada vez con más fuerza, lo que nos deja a personajes cínicos que no creen en nada de todo ello mientras que otros creen a pies juntillas que las profecías son ciertas. Esta variedad de creencias, de situaciones, de posicionamientos ante todo lo que está por venir, es una de las mayores bazas de esta saga.

Lo que nos lleva a la tremenda variedad de culturas, costumbres y escenarios que podemos ver a estas alturas. El mundo de Poniente a veces parece tan real como el nuestro, el escritor realiza sobre él un trabajo de antropología tan complejo que resulta increíble que no se pierda ante tal maraña de conceptos y creencias. Y todo esto lidiando con varias tramas de conspiraciones que ya es difícil que los propios lectores puedan retener sin que les estalle la cabeza. Por otro lado, la evolución de todos estos acontecimientos hace que algunos personajes cambien y tomen un papel opuesto al que estaban interpretando. Sin ir más lejos, Sansa dista mucho de ser la inocente niña a la que nos habíamos acostumbrado en los primeros tomos, y la propia reina regente, Cersei, no es ni la sombra de lo que sospechábamos gracias a que ahora podemos meternos en su perturbada mente. También encontramos que, ya que en Tormenta de Espadas vimos desaparecer a un buen núcleo de protagonistas, para ahora recibir la llegada de varios nuevos, especialmente los pertenecientes a la Casa Greyjoy, que juegan al famoso "juego de tronos" con tanta destreza y peligro como los Lannister o los Baratheon. Lo mejor es que los "nuevos" (algunos simplemente los conocíamos "de oídas") resultan tan fascinantes como los de siempre, y aunque al principio cuesta acostumbrarse a ellos, al cabo de un par de páginas, no puedes sino interesarte por lo que les pasará a continuación.

En resumen, uno podría tirarse días y días comentando todos los detalles de la lectura. Lo que es injusto es que Festín de Cuervos esté tan menospreciado solo por abarcar la mitad de lo que ocurre en Poniente en ese momento. Si esa mitad resulta inmejorable, ¿por qué iba a ser peor, si al fin y al cabo lo que importa es lo que se cuenta y no lo que no se cuenta? Es más, esa impaciencia por averiguar qué pasa al otro lado del Mar Angosto es lo que hace más especial esta saga, que a estas alturas es ya imprescindible.

Astonishing X-men - Xenogénesis

2011-09-20T12:27:00.001+02:00

Warren Ellis es un autor extraño, no ya porque sea británico, que eso siempre supone un plus de "rareza" por lo atípicos que resultan en su forma de escribir y su remarcada personalidad, sino porque además nunca se sabe por dónde te va a salir. Lo mismo escribe una crítica social fabulosa con una gran dosis de ciencia ficción bien urdida como le da también por realizar a continuación un trabajo alimenticio en el que no pasa nada relevante a lo largo de todos los números. Por ello, resulta curioso ver que en la colección de Astonishing X-men nos ha dado precisamente una de cal y otra de arena. O mejor dicho, una saga decente, otra muy floja y otra notable. A esto me refería con que es un guionista impredecible, pero por suerte cuando sorprende lo hace con algo que no deja indiferente, para bien o para mal, como es el caso de Xenogénesis.

Esta miniserie que en España han decidido ubicar en la colección regular es posiblemente uno de los mejores trabajos del guionista en la editorial de los mutantes. Quizá porque, por fin, de alguna manera ha sabido trasladar todo su buen hacer y sus conceptos e ideas de forma que no quedaran forzados o fuera de lugar en una serie puramente comercial. Casi se podría decir que, justo cuando realiza su último trabajo, por el momento, con estos personajes, al fin les coge la medida y los aprovecha de veras para escribir su propia historia. Y es que aquí encontramos al Ellis que todos esperamos ver: su mordaz crítica deudora de Transmetropolitan, pasando por la épica y rebeldía de Authority y acabando con la ciencia ficción referencial que mostró adecuadamente en Planetary. Concretando, el nacimiento de unos bebés presuntamente mutantes en África sirve de excusa para hablar de la situación por la que pasa este continente sin que a nadie le importe (especialmente a América) y también para recuperar uno de los conceptos más atípicos de la mitología mutante, precisamente deudores de guionistas igualmente británicos, por lo que el círculo se cierra satisfactoriamente.

Por lo tanto, ¿qué tenemos aquí? Pues una historia de compromiso social en una situación peligrosa con una gran amenaza que hacía tiempo que no veíamos por estos lares. Ellis pasándoselo bien, al fin, con estos personajes, enviándolos a un paraje inhóspito donde no son bienvenidos. Además, los escribe de maravilla, especialmente a Emma Frost, que parece brillar precisamente cuando un guionista no-americano decide explotar sus "encantos". Por otro lado, Kaare Andrews se las apaña para reforzar el lado peculiar de la propuesta, aportando unos diseños poco convencionales y unos trajes que rememoran a aquellos que perdimos en la etapa de Morrison, más urbanos y militares, tan adecuados que uno se pregunta por qué tuvieron que regresar a los superheróicos cuando estos funcionan de una forma tan convincente. Aparte, se las ingenia para realizar unas composiciones de página muy solventes, con una buena coreografía en la acción que destaca principalmente por dar rienda suelta al Logan más aterrador y desatado. Una mezcla que, la verdad sea dicha, funciona a las mil maravillas y aporta un toque muy personal a una saga que merecía mejor suerte y mejores críticas. El único defecto que se le puede sacar, que tampoco es tanto, es que cierto villano (o villanos) nunca habían sido fáciles de matar, pero Ellis se toma la molestia de que les cueste horrores conseguirlo.

En definitiva, una propuesta magnífica, bien desarrollada, que recupera viejos conceptos para aprovecharlos bien y de una forma novedosa, buenos diálogos, una crítica convincente de la situación de África con respecto a los occidentales y unos personajes bien escritos. Un cómic adulto y complejo en una cabecera puramente comercial. ¿Cuánto tiempo hacía que no veíamos nada semejante en los X-men?

Los Soprano - Temporada 4

2011-09-18T13:50:00.002+02:00

Con esta serie ocurre algo muy problemático a la hora de intentar reseñar cada una de las temporadas que la conforman, y es que no posee una estructura diferente para cada una de ellas, por lo que se hace cada vez más difícil no repetirse. De hecho, podría decirse que los clímax, aunque normalmente procuran que aparezcan durante los últimos capítulos, pueden suceder en cualquier momento, cuando menos lo esperemos. En otras palabras, los sucesos simplemente se suceden, válgame la redundancia, en un obstinado empeño por hacer mucho más realista a la familia mafiosa que nos ocupa, ya que la vida transcurre con toda naturalidad, y lo que parece una sucesión de diálogos sin demasiada importancia, al final todo tiene sentido y cualquier cosa puede tener una importancia impredecible.

En el caso que nos ocupa, esta cuarta temporada, ha sido notoria la lentitud en la que transcurren los acontecimientos. Es un desarrollo lento y aparentemente vacuo, ya que en los primeros episodios hay pocos sucesos de aparente gran relevancia. Esto es porque todo gira, nuevamente, alrededor de Tony Soprano. No es que antes permaneciera en un segundo plano precisamente, pero no cabe duda de que posee aún más protagonismo que antes, especialmente porque la crisis se extiende a su vida personal y privada con gran fuerza, estallando justo en el momento menos adecuado, cuando los negocios no van del todo bien y caen algunos de sus aliados más supuestamente seguros. Son golpes que provienen de varios frentes, con nuestro protagonista intentando solventar la papeleta sin perder en absoluto su intocable orgullo. Resulta curioso ver cómo este personaje imperfecto, a veces cruel y en otros casos inesperadamente tierno, busca siempre lo mejor para todos sin perder su naturaleza despreocupada y avariciosa, casi hipócrita. Saliendo airoso a corto plazo, pero buscándose enemistades a la larga, con consecuencias que ni siquiera podemos vislumbrar a estas alturas, pero que no cabe duda de que van a ser poco halagüeñas.

Lo que más llama la atención es que en un principio todo parece igual que siempre: los negocios van bien, lo más peligroso es lo que se dice y no lo que se hace, la psicóloga aparece de vez en cuando para analizar al cabeza de familia para nosotros, los asuntos de cuernos siguen adelante, las drogas causan estragos, hay algún que otro asesinato y sobre todo mucha hipocresía y poco sentido común por parte de muchos. A veces ocurren cosas porque sí, como en la vida misma, especialmente accidentes inesperados que truncan muchos planes bien elaborados. Es como ver la vida pasar, en toda su sordidez y sin recursos fáciles de ningún tipo. Esto, por un lado, es su mayor virtud como también puede convertirse en su mayor defecto para aquellos espectadores que busquen algo más "animado" y típico. Es decir, la acción viene a cuentagotas, y a veces da la impresión de que no pasa nada, pero a medida que transcurren los episodios es indudable que el efecto mariposa está siempre presente: hasta la caída de una pistola en el lugar menos indicado puede crear una serie de sucesos que no parecen tener nada que ver entre sí pero que siempre acaban desembocando en algo. Incluso a veces hay que recordar temporadas anteriores para ver cómo aquel diálogo dejó secuelas en la relación entre dos personajes.

Por todo esto, la serie es altamente recomendable, y a la vez justo lo contrario. Depende de lo que busque quien esté dispuesto a verla. Lo que sí es cierto, es que esta temporada es de transición, ya que se rompe el status quo al que estábamos acostumbrados, lo que hace mucho más interesante lo que venga a continuación. Habrá que seguirla hasta el final.

True Blood - Temporada 4

2011-09-15T10:49:00.000+02:00

Tal y como nos dejaron en la tercera temporada, parecía que la serie estaba destinada a hundirse en la mediocridad más absoluta, algo que resultaba más certero si tenemos en cuenta la cadena de la que proviene y sobre todo si la comparamos con los últimos proyectos de la misma. El motivo de esta apreciación no es otro que el mal guión del que hizo gala el año pasado, con un villano supuestamente interesante actuando como un maldito lunático sin el menor atisbo de gracia o inteligencia. Golpes de efecto fabulosos que más tarde se quedaban en nada, repetición de esquemas, agotamiento de ideas y caricaturas de personajes que acabaron resultando repulsivos. Ya era difícil tomárselos en serio antes, todo hay que decirlo, pero de alguna manera en las primeras temporadas consiguieron mantener un equilibrio entre el exceso y la sobriedad que hicieron la serie más que recomendable. Por lo tanto, de esta cuarta muchos ni siquiera esperábamos nada bueno. De hecho, Bon Temps, el pueblo donde sucede todo, empezaba a aburrir entre tanto bicho fantástico que quitaba cada vez más y más protagonismo a los vampiros. Ahora tenemos brujas, chamanes, hadas y demasiados personajes ocupando espacio. Si además tenemos en cuenta que el piloto arranca con un muy manido y fácil "año después", cambiando status quo a diestro y siniestro con tal de poder contar algo interesante, lo cierto es que como inicio no era precisamente muy esperanzador.

Lo dicho, demasiados elementos fantásticos, demasiadas tramas al mismo tiempo, demasiados personajes y ningún hilo principal a seguir. Eso parecía en los primeros capítulos. Pero por suerte, más tarde comprobamos con cierta satisfacción que esta vez los guionistas sí han hecho su trabajo, engañándonos al principio para sorprendernos con una gran villana a la altura de la Ménade de la segunda temporada, que nos brinda una trama central de gran importancia y un genial desarrollo. Marnie es la estrella, una bruja con poderes de médium que invoca a un espíritu del pasado que tiene una enorme sed de venganza hacia los vampiros que la maltrataron en su momento. Gracias a éste, obtiene un gran poder con el que poder hacer posible su anhelada vendetta, llegando a relacionarse con gran parte de Bon Temps en una gran trama, en donde todo acaba teniendo relación y coherencia. Pero lo mejor es que se recupera el interés por los personajes: Jason ya no resulta ni por asomo tan repelente, Soockie y sus relaciones con Bill o Eric llegan a un punto coherente en lugar de seguir mareando la perdiz, Tana parece encontrar por fin su lugar entre todo este meollo y ni siquiera uno de los peores personajes de la serie, Arlene, nos estropea la velada. Todo lo contrario, se profundiza en los entresijos de la familia Bellefleur, Lafayette tiene al fin un papel relevante e incluso Jessica sigue siendo igual de interesante.

Por lo tanto, podemos decir sin temor a equivocarnos que han encontrado el camino perdido. True Blood vuelve a ser la que era, con todas sus virtudes y defectos. Lo curioso es que ya no sorprende como antes, ya que es mucho menos desinhibida de lo que era, quizá al centrarse menos en vampiros y más en otros personajes, digamos, más benévolos y perturbados (que no perturbadores). Lo único que se echa en falta es un poco más de la mala baba con la que nos obsequiaron en las dos primeras temporadas, refiriéndome no a la violencia o al sexo (que siguen estando presentes en toda su gloria), sino a la crítica desaforada y desvergonzada hacia la sociedad cerrada estadounidense. En esto último, Alan Ball parece un poco más cortado que antes, aunque sigue mostrando ramalazos de su personalidad aquí y allá, solo que con un toque mucho más blando de lo acostumbrado. Pese a todo, la visión de la muerte del creador de "A 2 metros bajo tierra" sigue presente en el fabuloso clímax de la temporada. Que salvo por un par de cosas mal explicadas (la forma en que acaban atados ciertos vampiros en un poste en una oportuna y poco creíble elipsis, por ejemplo), es todo un ejemplo de cómo dejar a los fans con los dientes largos (irónicamente) hasta los siguientes capítulos.

En otras palabras y resumiendo: empieza flojo, la trama se va desarrollando sin prisa pero sin pausa y acaba más que satisfactoriamente, recuperando la calidad perdida y dejando con ganas de más. No impresiona como antes, pero al menos no defrauda, que es mucho.

La muerte del Capitán América

2011-09-08T15:09:00.000+02:00

Existen obras que son valoradas de una manera en el momento en que son publicadas y que luego, pasado un tiempo, se ven bajo otra perspectiva muy distinta por diversos motivos. Es el caso del arco de “La muerte del Capitán América” de Ed Brubaker, comprendido entre los números 25 a 30 del volumen 5 de la serie regular en su edición USA, que vienen recopilados en quinto tomo de Marvel Deluxe dedicado a esta etapa. En ellos vemos cómo el plan conjunto de Cráneo Rojo, Fausto y Arnim Zola da sus frutos tras tantos meses de conspiraciones y reclutamiento, realizando varias pesquisas para colocar todas las piezas en el sitio adecuado. Claro que, nada de esto podría haber sido tan sencillo sin la famosa guerra civil propiciada por el acta de registro de superhumanos, ya que el destino quiso ver a Steve Rogers esposado de camino al juzgado, sin apenas defensa ni escapatoria. Narrar este momento que sirve de inicio para este tomo, en otra situación, podría considerarse un spoiler, pero sin embargo se trata de una escena que no solo ha tenido una gran repercusión dentro del universo ficticio de Marvel durante largo tiempo, sino que también ha traspasado las viñetas para aparecer en casi todos los medios de comunicación de la actualidad: internet, televisión, periódicos... la imagen del gran Capitán América, muerto en las escalinatas, ha pasado a la Historia.

Y aunque el tiempo le ha concedido menos trascendencia por culpa de la posterior resurrección, no deja de poseer cierta intensidad.Sobre todo porque Steve Rogers es un símbolo, algunos lo consideran la representación de los mejores ideales que posee una nación como América, otros se atreven a tildarlo de facha. Estos últimos son aquellos quienes no conocen al personaje, puesto que estamos ante un superhéroe que, por mucho que enarbole una bandera solo llevando su propio uniforme, lo hace no por seguir los mandatos de un país, sino por defender unos ideales que, inherentemente, muchos compartimos. Incluso aunque no vivamos en los Estados Unidos. Por eso, es todo un ideal, un icono cuya muerte significó algo más que el fallecimiento de un personaje ficticio, ya que metafóricamente sirvió para representar algo más: la muerte de un sueño en un país que lo había olvidado. Por ello, lo más enigmático no fue solo quién dio realmente el último tiro al Capitán, sino también qué iba a ser de la serie en cuanto desapareciera su protagonista. Muchos se mantuvieron escépticos con la escena de Rogers en la morgue, con los ojos abiertos sin vida. Pero la verdadera prueba de tan aparentemente irreparable situación la encontramos en el número 26 del volumen 5 de la edición USA, donde un fugaz vistazo al cadáver del personaje no presentaba demasiadas dudas: el Capitán había muerto, y de verdad, al menos durante una larga temporada en un universo de ficción donde todo es posible y puede aparecer cualquier deux ex machina en cualquier momento. Así que, la pregunta era: ¿qué iba a ser de la serie sin su protagonista?

Lo que nos lleva a una demostración más de la inteligencia y el buen hacer de un escritor tan competente como Ed Brubaker, que no contento con realizar unos de los actos más impredecibles que puede presentar una etapa en una colección consagrada con más de cuarenta años a sus espaldas, decide dar rienda suelta a todos aquellos secundarios que ha ido insertando poco a poco en números anteriores, como si éstos hubieran sido introducidos solo para este momento. Sharon Carter, el Halcón, Bucky, Nick Furia e incluso el omnipresente Tony Stark, en esos momentos director de SHIELD, cogen las riendas de una colección cuyo mayor interés radica en vengar la muerte de su protagonista. Fuera como fuera y contra quien fuera. Culpables podían haber tanto directos como indirectos, y cada cual con su propia versión de la historia. ¿Quién obtendría beneficios con la situación y quién se dispondría a cambiar las tornas? ¿Cómo pueden unos villanos cometer un acto como este y quedar sin castigo? Y sobre todo, ¿cómo afrontará América una gran amenaza en la sombra sin su justiciero más capaz? ¿Necesitaba el mundo otro Capitán América? Como puede verse, no se trataba solo de la muerte de un hombre, sino del compromiso de un pueblo por mantener un ideal inquebrantable.

Por todo esto y más se trata de una saga importante e interesante que no pierde fuerza pese al retroceso de los sucesos acontecidos aquí, que realiza un homenaje hacia el personaje de la cabecera explicando sus orígenes y la relación que sostenía con sus seres queridos. La máxima de “nadie muere si es recordado” se “respira” en todas las viñetas de este tomo. Hay veces que no se conoce la importancia de algo hasta que desaparece, y es el caso de este icono, que es capaz de mover a tantos héroes por estas páginas aún sin hacer acto de presencia salvo en flashbacks.

Aunque eso sí, cabría mencionar que se trata de un tomo inconcluso, ya que la saga de “La muerte del Capitán América” fue tan grande e importante para Brubaker que incluso se vio obligado a dividirla en dos arcos. Pese a todo, aquello que debe desarrollarse para presentar el clímax final es dispuesto aquí de manera que no queda nada forzado. Es más, el guionista consigue que este momento suponga un punto de partida excelente para cualquier lector que quiera introducirse en la colección, aunque es evidente que siempre será mucho mejor haber leído todo lo anterior para comprender, al menos, el status quo de personajes tan importantes como Lukin/Cráneo Rojo o la pobre Sharon Carter. Por lo tanto, aunque inconcluso, merece la pena subirse al barco, si no es aquí, que sea desde el primer tomo de esta serie de recopilaciones.

En el apartado gráfico, tenemos a Steve Epting y Mike Perkins como dibujantes. El primero es el regular de la serie, mientras que el segundo es el sustituto. En un principio, que dos artistas tan dispares compartan páginas en una historia compuesta por varios capítulos que transcurre de forma coral debería suponer un problema por la falta de solidez de estilo que podría notarse en la serie. Por suerte, el color y el entintado logran que ambos se compenetren a la perfección, y además se toman la molestia de realizar unas composiciones de página muy similares, con mucho conocimiento de la anatomía, buenos fondos, excelentes sombreados y mejores encuadres. Ambos, al final no desentonan entre sí y no molesta en absoluto que realicen los números a dúo. Al contrario, al parecer esto propició que mantuvieran un nivel de detalle excelente en donde apenas puede reprocharse nada. Lo cual dice mucho de la calidad de la colección.

En resumen, esto es lo que conoce como un clásico moderno, que posee la inusual premisa de narrar una historia del Capitán América... sin el mismísimo Capitán América. Quienes hayan visto la adaptación fílmica, aquí tienen algo diferente pero que, irónicamente, les hará comprender mejor la figura de tan emblemático héroe.

Flashpoint - una excusa sin gracia

2011-09-06T11:06:00.000+02:00

Hace tiempo que DC busca su hueco en el mercado como la pionera de los cómics de superhéroes que es. Porque pese a esto último, lo cierto es que en cuanto a repercusión mediática y ventas está perdiendo la partida con su competencia más directa, y esto los mandamases de la editorial lo saben, y por ello intentan llamar la atención buscando la forma de captar lectores. Entonces, un día cualquiera, algún "avispado" pensó que la mejor forma de atraer clientela sería renumerando todas las series y reiniciando la continuidad en muchas de ellas, para que los novatos no se pierdan y tengan un perfecto punto de partida al que aferrarse. La idea en sí no es del todo mala, pero ya sabemos lo poco inspirados que estuvieron para llevarla a cabo: pocos autores decentes y de renombre, demasiadas series al mismo tiempo, un tremendo lío en cuanto a la ubicación temporal en la que transcurren las historias... Todo esto ya lo sabemos, solo quedaba averiguar qué excusa emplearían para dar sentido a este pedazo de cambio. ¿Cómo finiquitas la historia de todo un universo de personajes? Con un evento, claro está. ¿Pero de qué forma explicas, en la ficción, todos estos cambios? ¿Con una Crisis? Por desgracia ese nombre se ha convertido en un tabú maldito por el repetitivo uso que le han dado esta última década. ¿Entonces qué hicieron? Simplemente, se sacaron de la manga esta miniserie repleta de numerosos tie-ins: Flashpoint.

El concepto, de por sí, ya huele a rancio: una nueva linea temporal se ha abierto y solo un personaje es consciente de la anterior, siendo su misión recuperar el mundo tal y como era antes de todos los cambios. Solo que, cuando finalmente consigue su objetivo, lo deja todo un pelín diferente, así es como se construye la excusa para empezar desde flamantes y nuevos números uno. Como premisa, es una cutrez que demuestra lo muy poco que se estrujaron la cabeza a la hora de dar una explicación a todo esto. Pero aún así, lo justo sería valorar esta miniserie como lo que es: una historia más de Flash con el universo DC de escenario, aunque sea uno sacado de la manga destinado a ser eliminado en unos pocos meses. Resumiendo, se podría decir que es todo un Elseworlds, ya que a estos los personajes no los reconocen ni su padre ni su madre. Algunos están pasadísimos de rosca (en especial Wonder Woman y Aquaman) y, en opinión de quien esto escribe, el catalizador de este cambio temporal ni siquiera justifica en absoluto el devenir de muchos acontecimientos, siendo el caso de Superman el más extraño de todos.

Por lo que, para empezar, tenemos un mundo alterado sin la menor coherencia, todo lo que el guionista nos presenta aquí es así porque él mismo lo desea, nada más. Comparándola con una saga de características similares como La Era de Apocalipsis sale perdiendo y mucho en cuanto a simple sentido común. Pero es que, para colmo, nada de lo supuestamente nuevo es realmente interesante, y da la sensación de que los cuatro primeros números de esta miniserie, compuesta por cinco, son puro relleno para presentar a personajes que no nos importan en absoluto porque sabemos que tienen fecha de caducidad. Pero es que ni siquiera son interesantes o curiosos, todo lo contrario, pasan con más pena que gloria y la mayoría son simplemente caricaturas exageradas de sus contrapartidas originales. Además, solo hay dos protagonistas y éstos no hacen absolutamente nada para cambiar las cosas, el supuesto villano se presenta a última hora porque sí y obtenemos todas las explicaciones de golpe, en el último número, sin haber visto ni tan siquiera el desarrollo de alguna historia. Todo se rige por exigencias del guión, de forma excesivamente forzada, con una épica inexistente, da la impresión de que todo ha de estar muy mal a la fuerza para que deba ser cambiado de nuevo. Y aún con todos estos defectos, la explicación de por qué ocurre todo es una tomadura de pelo absoluta que hunde por completo a un personaje insignia de la editorial, que de repente no es que pierda credibilidad por completo, sino que cae antipático y resulta insoportable como héroe, ya que como causante de todo el altercado es un auténtico irresponsable. Un desastre.

El peor evento que se ha visto en la editorial, sin ninguna duda, si no llega al nivel del espantoso "Ultimatum" de la competencia, poco le falta, aunque en consecuencias es muchísimo peor. Para ser justos, solo hay una cosa que se salva, y es el dibujo, solo Andy Kubert realiza algo digno en todo este desaguisado. Se nota demasiado que es un producto fabricado para tapar un hueco, y ni siquiera se esforzaron por darle un sentido. Todo un ejemplo de cómo NO se deben hacer las cosas.

Cowboys & Aliens

2011-09-04T22:11:00.002+02:00

Desde que se estrenó, esta película está teniendo unas críticas bastante negativas que casi me quitan las ganas de ir al cine a verla. Aún así, quise darle una oportunidad, creía realmente que Jon Favreau, el director, lo merecía, sobre todo tras haberme convencido con sus sendas adaptaciones de Iron Man, y además en esta ocasión viene acompañado con un reparto de gran categoría, con dos pesos pesados como Daniel Craig y Harrison Ford en papeles protagonistas, sin olvidar a Olivia Wilde o a Sam Rockwell de secundarios. Además, por si todo esto fuera poco, también podían vislumbrarse en el trailer unos muy buenos efectos especiales o un ambiente de western clásico muy conseguido. También apetecía ver un filme de acción y ciencia ficción con el que pasar un buen rato en una sala de cine, y pensaba que, al menos en la dirección, iba a quedar convencido con un buen ritmo y unas escenas convincentes. Eran demasiadas cosas en las que respaldarse si el guión fallaba estrepitosamente.

Y aunque sea cierto que no es nada del otro mundo y está repleto de algún que otro tópico... joder, qué bien lo pasa uno viéndola.Decir esto último, para muchos es sinónimo de ser poco exigente, conformarse con poco o supone una razón muy subjetiva a la hora de valorar algo. Es posible, pero intentaré argumentar por qué creo que las críticas están siendo, en general, exageradamente injustas con este más que correcto blockbuster veraniego que, a la hora de la verdad, no tiene absolutamente nada que envidiar a otros mucho mejor valorados como Piratas del Caribe o algunas adaptaciones de superhéroes.

Para empezar, la premisa funciona y es creíble dentro del contexto histórico de la película. El inicio es totalmente western, podría pasar perfectamente por un filme del género, con algunos personajes tópicos y otros no tanto. La ambientación está muy conseguida y los actores muy bien integrados, tanto que cuando llegan los primeros elementos de ciencia ficción, sorprende la irrupción de éstos y supone un fuerte contraste frente a lo que estábamos viendo hasta el momento. Ese giro argumental favorece que muchos de los personajes se vean obligados a cambiar a lo largo de la historia, tomando un papel diferente al que estaban destinados en un primer momento. Puede que algunos tengan algún que otro comportamiento previsible, pero no incoherente en absoluto y resulta interesante resaltar la forma en que evoluciona el personaje protagonista a medida que recupera la memoria y se implica en la gran batalla entre vaqueros y extraterrestres. Por no decir que el mensaje de "la unión hace la fuerza" está muy bien aprovechado dentro de su marco histórico y todos los recursos emocionales, aunque simples, funcionan y ofrecen variedad entre tanta escena cruda donde los enemigos no dan cuartel y logran incluso ser perturbadores en algunos momentos. Siendo esa, por otro lado, su mayor virtud: no se corta un pelo con la suciedad, la crudeza o la violencia, por lo que encontramos cierta verosimilitud que quizá no vemos en los pequeños detalles (se echan en falta algunas explicaciones, sobre todo para el personaje de Olivia Wilde), pero sí en su más que intensa puesta en escena.

En resumen, posee un excelente clímax (qué bien rueda la acción Favreau, sea western o ciencia ficción o ambas cosas), tiene muy buenos efectos, buenos diseños, un buen ritmo y un guión, aunque lleno de tópicos, más que efectivo que al menos dedica tiempo a los personajes y no insulta al espectador. ¿Qué más se puede pedir? ¿Podría ser mejor película? Por supuesto, pero con todo lo que ofrece ya es un entretenimiento seguro repleto de grandes virtudes que todo el mundo parece querer obviar. Con tanto hype la gente parece olvidar que a veces se realizan películas de este tipo, y hacía mucho tiempo que no se conseguía que lo típico resultara tan divertido o evasivo, como ocurre en este caso. En otras palabras, la película consigue divertir y hace muy cortas sus dos horas de duración. No es original, ni tampoco profunda, pero nunca pretendió otra cosa, en ningún momento engaña al espectador, da justo lo que dice ofrecer desde el mismísimo prólogo.

Lo mismo me equivoco, pero algo me dice que será mejor considerada en un futuro, cuando pase el tiempo suficiente para que no la miren con lupa en cada milésima de segundo.

Batman Returns

2011-08-31T10:57:00.000+02:00

Hay películas que están hechas para enfrentar a todo tipo de espectadores, sean fans furibundos de la obra original como si no. Este es el caso de Batman Returns, la secuela que Burton realizó sobre este popular personaje. Destaca especialmente por ser una obra genuina de su director, con todas sus inquietudes y excesos, para bien y para mal. En esta ocasión no se dedicó solo a contentar a los lectores de siempre, sino que aprovechó todos los elementos que tenía a su disposición para realizar una adaptación libre que reúne todos los requisitos de tan polémico artista para ser considerada una obra personal más de su filmografía. Por lo tanto, lo que perdemos en cuanto a fidelidad, lo ganamos en personalidad y extravagancia, ya que gracias a esto podemos decir que esta continuación es una de las películas más extrañas que jamás se hayan realizado para el género de los superhéroes en el cine: adulta, grotesca, oscura, provocadora, sensual, diferente, perturbadora e incluso surrealista. Lo tiene todo para que nadie le coloque la coletilla de "una más". Realmente única.

¿Esto a que se debe? Pues a una dirección artística al nivel de la anterior, solo que explotada al máximo. Gotham City es aquí muchísimo más irreal, como salida de un terrible cuento de hadas para adultos. Los "monstruos" que habitan allí están en consonancia con ella. Nuevamente, los protagonistas son ellos, con la excepción del muy humano Maxwell Schreck, que es mucho más importante de lo que parece a simple vista. Por tanto, seguimos teniendo a Batman jugando con sus artilugios con tal de defender una ciudad que le viene como anillo al dedo para poder superar su trauma. Selina Kyle, por el contrario, es el reverso oscuro del protagonista, una mujer que, debido a un profundo shock, decide no ser nunca más la damisela en apuros típica, por lo que da rienda suelta a toda su furia e instintos para coger las riendas de una ciudad hostil que merece que una figura femenina, al fin, la pisotee con saña. Oswald Coblepott, también conocido como el Pingüino, es el monstruo más auténtico de todos, el que no necesita máscara para serlo, y sobre todo el más hostil, depravado e irónicamente trágico. Su historia tiene más matices de lo que aparenta a simple vista.

Pues bien, de alguna manera se repite la fórmula, solo que esta vez funciona muchísimo mejor. ¿A que se debe esto? A un guión infinitamente más interesante, con actores muchísimo mejor escogidos. Fuera han quedado Robert Wuhl (Alexander Knox) y Kim Basinger (Vicki Vale), a favor de unos mucho más resueltos Christopher Walken (el citado Schrek) y Michelle Pfeiffer (la deliciosa Catwoman). La calidad interpretativa gana enteros y eso salta a la vista. Pero es que además la historia tiene mucho más que contar. Lejos de ser una disputa entre el bien y el mal, ahora es una batalla por controlar la ciudad contada a modo de fábula con un tema principal bastante claro: la dualidad del ser humano. Esta vez Batman se reta entre iguales, entre seres de un origen tan desdichado como el suyo, solo que ellos optan por derroteros distintos. Mientras que el héroe busca la oportunidad de impedir un suceso como el que le afectó, Selina y Oswald buscan la venganza, aunque en distinta proporción. Por medio, hay una historia de amor que está perfectamente escrita, que ofrece algunas de las mejores escenas y diálogos de tan seductor filme.

Por tanto, estamos ante una pequeña joya incomprendida, un cuento al más puro estilo Burton con Batman de protagonista. Una fábula barroca, con tintes de terror y mucho humor negro. Diferente e ingeniosa, con tanta personalidad que estalla en la cara y con un apartado técnico a prueba de bombas difícil de olvidar del que debemos mucho al tristemente fallecido Stan Winston. Una "rara avis" en el género que, si entras en su juego de excesos, se disfruta enormemente.

Batman, 1989

2011-08-29T11:58:00.000+02:00

Mucho se ha hablado de la primera película de Batman de Tim Burton. Probablemente porque fue realmente trascendental en su momento, con mucha personalidad y un estilo que muchos intentaron imitar posteriormente. Esa Gotham City tan oscura, deprimente, asfixiante y art decó causó una gran conmoción en muchos. No cabe duda de que, en cuanto a nivel técnico, esta película es una verdadera joya, tanto en los escenarios como en el maquillaje o el vestuario, un gran poderío visual al servicio de una fotografía valiente y atractiva, sobre todo por la variedad de los encuadres. Todo esto conforma una visión icónica del personaje que no es de extrañar que haya cautivado a tantos aficionados como artistas de cualquier medio que luego han cogido de aquí y allá para mostrar sus propias versiones del mito, como por ejemplo la mente creativa de Batman The Animated Series: Bruce Timm, que tanto bebe de esta adaptación del cineasta famoso por Bitelchus y Eduardo Manostijeras, entre otras.

Todo esto parece ser suficiente para encumbrar este filme en lo más alto del género de superhéroes en el celuloide. Pero me atrevería a decir que no solo ha envejecido muy mal en comparación con muchas obras que hemos podido ver en estas últimas décadas, sino que además puede que sea incluso una obra menor en la filmografía de su director. La razón no es otra que el guión. O más bien la ausencia casi total de éste.

En justicia a Burton, diré que también se trata de una película que busca decir más con expresiones y silencios que con diálogos. Esto se nota especialmente en la sólida actuación de Michael Keaton, que no solo está muy digno en su papel, sino que también refleja a la perfección la soledad y el trauma que vienen dados por el suceso que cambió su vida para siempre. No es el Bruce Wayne perfecto (mucho tiene que decir al respecto Christian Bale en las películas de Nolan), pero cumple de sobras, sobre todo porque como Batman es muy creíble y posee una gran presencia. Jack Nicholson como Joker, sin embargo, es todo exceso. El actor, sin duda, se lo pasó estupendamente, intentando ser creativo con todo tipo de poses y muecas que, llegando al final del filme, resultan más agobiantes que sorprendentes. Peor aún es la damisela en apuros que es Kim Basinger como la muy indefensa Vicky Vale, constantemente gritando y poniendo cara de "no me lo puedo creer", hasta tal punto en que pasea por la película como un pollo sin cabeza, como un títere para los dos absolutos protagonistas, que es su única misión.

Y es que no hay mucho más que decir. ¿De qué va Batman? De la lucha del bien y el mal, de una forma siniestra, con algo de humor negro y una sofisticada elegancia, pero tan simple que no cuenta nada de especial interés: un envoltorio precioso para un juguete anodino. La historia parece que trate de dos niños atrapados en sendos cuerpos adultos, jugando por ver quién de los dos gana una excéntrica partida en una ciudad totalmente a merced de ambos, ya que la policía es inexistente, y cuando aparece es ridículamente inepta. Por tanto, es una obra imperfecta, que se disfruta con el cerebro en "off", que no termina de hacer justicia a su material de referencia y que posee un ritmo caótico e incluso aburrido en ocasiones.

Irónicamente, pese a todo esto, tiene un "algo" que hace que no caiga en el olvido. Probablemente la recreación visual perfecta de todo un icono. Lo cual ya tiene mérito.

La traición de Roma

2011-08-27T19:37:00.000+02:00

Siempre que leo o veo alguna versión de un hecho histórico espero, más que fidelidad, cierta mirada lejana de los acontecimientos que se narran. Es decir, las adaptaciones que más me gustan son, sin duda, aquellas que ofrecen una visión ambigua y compleja de los hechos, con unos personajes que jamás deben resultar simples o típicos. Por eso, no terminé de disfrutar del todo el primero de los tres libros que conforman la llamada trilogía de Escipión de Santiago Posteguillo, ya que en él se recalcaba en exceso la villanía de gran parte de los cónsules de Roma (especialmente Fabio Máximo) que estaban en contra del protagonista de la historia. El segundo, Las legiones malditas, fue una notable mejora gracias a la forma en que está retratado el personaje de Aníbal, probablemente el mejor escrito de todos los que aparecen en estos libros. Gracias a que jamás lo vemos como un malvado tirano, cuesta mucho elegir un bando en la famosa batalla de Zama, ya que sus intereses, como los de Escipión, son comprensibles y loables, y los métodos de ambos tampoco es que sean los mejores. Ahora, en este tercer libro, volvemos a ver a ambos rivales (que nunca enemigos) luchando por sobrevivir y hacerse un hueco en un mundo tan cambiante como el que pudo verse en los 200 años a.C., más separados que nunca y con numerosos paralelismos, ya que los dos verían cómo sus intentos por salvaguardar sus territorios y su gente tendrían su conclusión en dolorosas traiciones.

El epicentro de La Traición de Roma es en verdad la guerra de Roma contra Siria, ya que el rey sirio Antioco III pudo haber cambiado el rumbo de la Historia si realmente hubiese triunfado en la batalla de Magnesia. Después, vemos cómo Roma le da la espalda a Publio Cornelio Escipión, pese a sus victorias y, paralelamente, asistimos al desenlace de las aventuras del muy cansado Aníbal, cuyo gran talento para la guerra chocó contra un muro de incontables traidores. Todo esto resulta francamente interesante, especialmente porque Posteguillo realiza un trabajo titánico a la hora de intentar reescribir las famosas memorias de Escipión, cuya existencia está comprobada gracias a escritos de su lugarteniente Lelio o el historiador Polibio, pese a que lamentablemente se perdieron en algún momento de la Historia. Todo esto, hace que la lectura sea obligada para cualquier lector ávido de conocimientos sobre los sucesos que hicieron de Roma el imperio que fue antaño. Pero por desgracia, la sensación que queda tras leer las tres novelas es de decepción. No porque estén mal escritas, ni mucho menos, sino porque lo que aquí vemos es una visión demasiado partidista de los sucesos explicados. Es decir, sin duda Escipión se sentiría muy orgulloso al ver cómo en esta época han decidido recuperar todo su trabajo de esta manera, pero un lector algo más cínico podría pensar que es una mirada un tanto ingenua de un relato de conspiraciones que daba para mucho más.

Esto es porque en este tercer libro, se notan aún más los defectos de Posteguillo como escritor de personajes, ya que en esta ocasión tenemos más conflictos internos que batallas, siendo esto último lo que mejor se le da. Solo vemos tres perfiles claros en todos los participantes del relato: un personaje muy noble y leal (básicamente todas las mujeres responden a este perfil), un traidor desagradable y mezquino (la corte de Antioco III y los partidarios de Catón, además de este último) o un genio valiente e intachable (Escipión y Aníbal). No hay más matices, y eso resulta descorazonador a la hora de leer un relato de estas características. Cualquier acción de Publio Cornelio Escipión es justificable y su genialidad está fuera de toda duda gracias a los numerosos adjetivos superlativos que le dedica el narrador constantemente. Mientras que, sin embargo, aunque como lector se puedan comprender las acciones de Catón, éste siempre será bastante más cruel, desagradable (esos puerros apestosos) o inflexible para quien narra todo esto. No importa que ambos personajes estuvieran moralmente a la misma altura, no importa que sus acciones respondieran por sus propios ideales, el filólogo que relata la historia solo tiene palabras amables para uno y ni siquiera se molesta en dotar de realismo y ambigüedad al relato, sino que cae en un maniqueísmo que, en ocasiones, resulta incluso vergonzoso. Esa incapacidad por hacernos creíbles a los personajes, de hacerlos complejos y cercanos, desemboca en que muchos diálogos se convierten en monólogos que pretenden explicarlo todo. Por eso, los mejores capítulos los encontramos en las discusiones del Senado, donde toda esta magnificencia verbal tiene mucho más sentido.

Así pues, estamos ante un libro que si bien es interesante, es también fallido en algunos planteamientos. Santiago Posteguillo es, sin duda, un excelente investigador que ha realizado aquí un gran trabajo de recopilación que destaca muy especialmente por la forma en que son narradas las extraordinarias batallas. Pero falla a la hora de insuflar vida a sus personajes, de dotarlos de personalidad y realismo. Falla a la hora de dar una versión más objetiva de lo que ocurrió, y eso se nota especialmente si se compara al Catón que aquí vemos con el descendiente que pudimos ver, por ejemplo, en la serie de Roma de HBO. Ambos perseguían lo mismo, ambos usaron estratagemas similares, pero uno es aquí un villano de baja estofa y el otro un hombre que lo intentó todo por sus ideas. ¿Qué falla? El enfoque. Lo cual es una verdadera lástima, porque de no ser así, sería una lectura absolutamente imprescindible.

Los Soprano - Temporada 3

2011-08-25T21:16:00.000+02:00

Me encantan las historias de mafia, por eso pensaba que esta serie iba a colmar todas mis expectativas. Pero debo reconocer que, hasta la temporada que nos ocupa, no estaba demasiado sorprendido, no porque lo visto hasta ahora esté mal o no lo considere digno de tan generosas críticas, sino porque la cadena HBO ya me había sorprendido tanto en el pasado con series como The Wire o Roma que esperaba mucho más. Una apreciación algo injusta, pues es muy difícil alcanzar el nivel de las obras mencionadas y lo cierto es que se ha dicho de todo, especialmente en el cine, sobre este tema, así que destacar en ello era, cuanto menos, un trabajo de magos. Ahora, en esta tercera temporada, veo que los juegos de prestidigitación se les da muy bien. Es en ella cuando la serie parece tomar forma, no es que antes fuera un desastre anodino, ni mucho menos, pero ahora es cuando se empieza a vislumbrar ese nivel tan excelso con el que nos tiene malacostumbrados el canal. ¿A qué se debe todo esto? ¿Cuál es la diferencia con respecto a los capítulos anteriores? En realidad no es un santo cualitativo muy notorio, pero el gusto está en los magníficos detalles y, sobre todo, en la solidez de un argumento que esta vez sí es capaz de llenar los trece capítulos de todo tipo de temas sugerentes.

Aunque, para ser sinceros, lo primero que se aprecia es una subida considerable en cuanto a violencia y temas escabrosos. La sordidez de la serie aumenta, no es que antes fuera precisamente para niños, pero es que ha llegado a un punto en el que es fácil acostumbrarse a ella. Es más, es muy posible no darse cuenta y empezar a ver muy normal los temas de adulterio, venganza, arrebatos pasionales, racismo, parricidio... Todo en la mente de unos personajes que deberían ser detestables, pero la serie se preocupa por hacer que nos resulten no ya simpáticos, sino entrañables, lo cual llega a ser alarmante e incluso contradictorio en ocasiones. Estamos hablando de unos asesinos sin contemplaciones, pero como los vemos en situaciones como en las sesiones de terapia y vemos siempre su punto de vista hasta con el propio FBI (con sus agujeros legales y su doble moral) uno no sabe muy bien con qué carta quedarse, ya que consiguen que se desee la victoria el supuesto "villano". Eso sí, el aumento de calidad puede deberse también a personajes tan interesantes y tan pasados de rosca como Ralphie (¿dónde estuviste hasta ahora, Joe Pantoliano?) o Gloria, que serían las adiciones más interesantes si no fuera porque todo gira, realmente, alrededor de Jackie Aprile Jr., el joven que dirige el principal tema de esta temporada: la hipocresía.

La más profunda que uno pueda imaginar, los personajes la llevan con absoluta despreocupación, algunos siendo conscientes de ello en todo momento. No hay quien se salve, quizá solo los jóvenes de la serie, pero por su inocencia. Los adultos, los que manejan el cotarro, los que se creen dueños y señores de todo, que están por encima de la ley y solo siguen sus propias normas, ellos solo aspiran a seguir su propio instinto, lo único que llegan a respetar es la cadena de mando, y a veces ni eso. Resulta muy curioso ver a Tony Soprano, por ejemplo, juzgando a gente que aspira a hacer lo mismo que él, buscando la forma de evitar que sus hijos y los de sus amigos más allegados sigan su mismo camino, hablando de lealtad, honor y respeto sin comulgar con ello la mayoría de las veces. Lo peor es que sus secuaces tienen conocimiento de ese carácter que ni siquiera la terapeuta es capaz de aplacar y no es que por ello sean precisamente mucho mejores. Como ya decía, nadie se salva de ello, la moral es muy relajada y la frialdad de los sentimientos de algunos es incluso terrorífica, producto de otra época, de otro tiempo, de un tipo de educación que el ciudadano medio no es capaz de empezar siquiera a entender. Pese a todo, hay quienes están atrapados en ese mundo y ni siquiera luchan por salir de él, abrazándolo y buscando la excusa perfecta para estar a gusto con ellos mismos. Y de este análisis radica, principalmente, la grandeza de esta serie y de esta temporada en concreto, que es capaz de representar todo esto con una profundidad pasmosa e incluso elegante, pese a la comentada sordidez.

Por lo tanto, estamos ante un gran análisis sobre la vida en la mafia italoamericana que poco tiene que envidiar a las grandes obras maestras de Coppola y Scorsese. Un imprescindible del que todavía queda mucho por ver en futuras temporadas.

Los Nuevos Vengadores #1 a #6 - La Edad Heroica

2011-08-23T18:21:00.000+02:00

No cabe duda de que todavía era demasiado pronto para sacar un nuevo relanzamiento de una serie tan joven, sobre todo porque ni siquiera los autores son una novedad, ya que Bendis e Immonen llevan un tiempo en ella y ni siquiera la alienación justifica el título de la colección, pues es la misma salvo unos pocos miembros nuevos. Pero lo curioso es que este es uno de esos casos en los que poco importa la falta de novedad, ya que el equipo creativo mencionado es uno de los más notables de la actualidad, en el sentido de que juntos se compenetran a la perfección y consiguen potenciar todas sus virtudes gracias a la forma de escribir de uno y la espectacularidad del otro. Y es que Immonen es uno de los dibujantes más capaces a la hora de dibujar grupos, ya que sabe muy bien cómo dotar de personalidad a cada uno de los miembros, caracterizándolos a la perfección con las poses y expresiones adecuadas, por no hablar de su forma de distribuir la acción con composiciones de página elegantes y dinámicas. Es imposible quejarse de su labor, ya que realiza un trabajo espectacular, como viene siendo costumbre en él desde hace bastantes años.

¿Por qué empezar una reseña alabando al artista cuando normalmente se habla primero del argumento? No es por hacer de menos la labor de Bendis, pero no cabe duda de que esta saga no sería la misma sin el dibujo que la acompaña, ya que, como he comentado antes, potencia el sentido de la épica del guión, que tanto necesitaba en esta ocasión unas manos tan capaces como las del dibujante que nos ocupa. Por lo tanto, estamos ante la secuela de una aventura que ya se presentó en el anterior volumen de esta colección. El dúo formado por Stephen Extraño y el Hijo de Satán vuelve a la carga debido a una crisis mágica de proporciones mastondónticas y se ve obligado a pedir la ayuda de los Vengadores, aunque sea de una forma indirecta. Nada como comenzar un nuevo volumen con una situación tan desconcertante y peligrosa, donde muchos de los miembros del grupo apenas pueden hacer algo para detenerla. Lo mejor es el desarrollo repleto de giros argumentales que, lejos de aburrir o liar la marrana, consigue enganchar al lector de principio a fin, ya que el guionista se muestra inspirado tratando a unos personajes que le vienen como anillo al dedo, para mostrar unos diálogos y reacciones muy naturales y humanas.

Aunque lo mejor de todo es que es una aventura que habría resultado sorprendentemente adecuada para un relanzamiento del Dr. Extraño, incluso sin poseer el título de "el Maestro de las Artes Místicas". Bendis, tras haberlo hecho tan mal tratando elementos místicos en la saga "Caos", se redime con la que puede ser una de las mejores sagas que haya realizado en un título de los Vengadores. Hasta el punto en que puede que sea de lo mejor que se ha visto relacionado con Stephen Extraño en mucho tiempo (que tampoco es mucho decir), ya que se podría considerar el protagonista, debido a lo íntimamente ligado que está en los sucesos acontecidos. Es difícil decir algo más de la saga sin desvelar nada, ya que juega con las revelaciones inesperadas y las mentiras de una manera habilidosa, buscando momentos totalmente originales (como cierta transformación de Lobezno o la posesión de Cage) e ingeniosos y mostrando un final ciertamente satisfactorio. Cosa extraña en el escritor, ya que suele ofrecer desenlaces anticlimáticos, pero este no es afortunadamente el caso.

Por lo tanto, se puede afirmar que la serie comienza con muy bien pie. Ojalá siga manteniendo este nivel y veamos algo más de lo que aquí ocurre, ya que hay cosas que pueden tener consecuencias para el futuro. Muy recomendable.

Marvel Héroes - Los Vengadores: Asalto a la Mansión

2011-08-13T16:09:00.000+02:00

Al fin he tenido la oportunidad de leer una saga tan valorada como esta que nos ocupa. Y es que para muchos, los Vengadores no se comprenden sin haber leído la gran etapa de Roger Stern, que tanto admiran muchos, siendo el momento cúlmen el asalto a la mansión perpetuado por los reconocidos Amos del Mal, algo así como la antítesis absoluta de este grupo. La verdad es que comencé la lectura de este tomo con cierta cautela, ya que otra saga mejor considerada como es la de La Guerra Kree/Skrull fue toda una decepción para mí, ya que sirvió para que me percatara de lo muy poco que congenio con los superhéroes en estado puro, siempre intachables e ingenuos, con aventuras en donde logran la victoria no ya por méritos propios, sino por casualidades o porque de repente el enemigo se vuelve directamente inútil. Por suerte, infravaloré a Roger Stern, ya que puedo afirmar que se trata de un guionista que ya poseía ciertas inquietudes comunes a las de muchos en la actualidad a la hora de escribir a los personajes.

Sobre todo porque, pese a la narración clásica que posee el desarrollo de la historia, los personajes están escritos desde un primer momento de una forma bastante creíble y natural. Cierto es que cosas como retocar la continuidad para restar importancia a los actos malvados de Namor en el pasado no están justificados porque no resulta ni apropiado ni interesante, ya que siempre es mejor un personaje redimido que retocar una actitud que, aunque beligerante y en cierto modo malvada, estaba fundamentada por unas creencias que eran apropiadas por la situación ambigua en la que se encontraba el personaje. Por suerte, aunque los primeros números sean algo flojos, la situación va "in crescendo" gracias a la aparición de Zemo y la planificación de sus planes. Aunque la cosa empieza realmente a remontar en el número donde presenciamos una visita de Alpha Flight y la culminación de uno de sus argumentos, que estaban ligados a Namor gracias a la relación de Marrina con éste. Resulta curioso, sin embargo, que la cosa empiece a lo grande cuando el príncipe de Atlantis se ausenta, que es cuando comienza el asalto.

Lógicamente, eso no es casualidad, ya que Zemo lo calcula todo al milímetro y organiza un ataque conjunto donde nada es improvisado. Héroes luchan, pero caen como moscas, con una crudeza impropia de la época en la editorial, siendo Jarvis probablemente la mayor víctima física, aunque Hércules no se queda lejos en ese aspecto y Rogers es herido de una forma quizá peor. Por tanto, esta frenética y emocionante lectura hace honor a su fama, ya que Stern realiza un trabajo magnífico a la hora de dar personalidad e intereses propios a cada uno de los integrantes de esta pequeña guerra en la mansión. Y no solo lo digo por los héroes, ya que los villanos no son todos tópicos e incluso Zemo tiene sus propios motivos para organizar esa venganza personal, sin cuartel y sin piedad. Además, como decía en el primer párrafo, hay veces en que los héroes dan la vuelta a la tortilla por la repentina incapacidad de sus archinémesis, pero eso no es algo que aquí ocurra, porque si salen de esta es por el enorme esfuerzo que realizan para sobrevivir, con ayudas inesperadas y una alianza que los villanos no poseen. El grito "una vez Vengador, Vengador siempre" jamás fue tan trascendental.

Por eso mismo, es fácil recomendar, y mucho, este apasionante tomo. Puedo decir sin miedo que no es alabado por nostalgia, sino por méritos propios.

Los Soprano - Temporada 2

2011-08-11T12:31:00.000+02:00

¿Estáis hartos de la enésima serie dedicada a las aventuras y desventuras de una familia? Pues dad una oportunidad a los Soprano, la familia mafiosa italoamericana más popular de los Estados Unidos de América. Al menos en televisión, claro, ya que siempre habrán otras tan célebres provenientes del celuloide, como los Corleone, que pueden arrebatarles el título. Pese a todo, no cabe duda de que esta serie es todo un hallazgo, ya que nos introduce de lleno en la mente de un jefe mafioso harto peculiar y contradictorio. Los guionistas están siendo muy puntillosos con todos los detalles del modo de proceder de estos magnates de los negocios, que extorsionan, matan y roban como quien compra el periódico cada mañana. En la primera temporada, nos identificamos con el bueno de Tony Soprano gracias a una serie de sesiones con una terapeuta en las que podíamos aprender mucho, y su mayor problema lo tuvo en una figura familiar de gran peso que se atrevió a conspirar contra él. ¿Qué es lo nuevo que tendrá que soportar?

Antes que nada, la temporada arranca superando viejos traumas, a la manera de Tony, claro. Esto es con mucha rabia y no demasiada cabeza, aunque al final siempre saben por donde tirar. Ahora lo que ocurre en el núcleo de la familia es, desde luego, bastante más complejo que antes. Primero, asistimos a la llegada de Richie (estupendo David Proval, habrá que seguirlo de cerca), un mafioso de la vieja escuela que va a exigir su parte del pastel en todo momento, ya que no se siente muy a gusto con el cambio de poder. Luego veremos a las hermanas del cabeza de familia, una de las cuales cobrará gran peso en la trama, como toda mujer criada en ese ámbito familiar tan poco común. Y, finalmente, Sal, más conocido como Pussy, regresa para protagonizar uno de los momentos más agrios de la serie, si no contamos con ciertos sucesos relacionados con el sobrino de Tony: Christopher, que esta vez cobra más protagonismo. Todo esto sin olvidar el remate de este explosivo cóctel de traiciones, conspiraciones y tensión: la propia familia principal, ya que hasta los hijos y la mujer tienen algo que decir.

Con semejantes rufianes a escena, no es difícil avanzar en la trama, aunque esta vez lo hace una forma bastante más lenta y menos interesante que en la temporada anterior. Es decir, al menos por los capítulos centrales, que son muy de transición, pese a que siguen poseyendo el suficiente empaque como para resultar muy completos por sí solos. Lo que ocurre es que quizá algunas cosas no saben ya a nuevo y resultan algo repetitivas, como las sesiones con la psicóloga o los ataques de rabia del protagonista, que empiezan a ser predecibles. Esto en los puntos más bajos de la temporada, claro, que aunque sean un poco más bajos, los álgidos también son muy superiores, sobre todo tanto en el comienzo como en el fantástico final, con los delirios de un Tony Soprano febril que contrasta absolutamente con el drama de los sucesos finales. También cabría destacar las escenas situadas en una Italia que se muestra menos encantadora y romántica de lo que suele parecer en algunas películas.

Por lo tanto, estamos ante una temporada ciertamente imperfecta, pero igualmente recomendable y del nivel de la anterior, lo que quiere decir que sigue siendo una serie imprescindible para todo aquel que disfrute no de acción a tutiplén, sino de buenos diálogos, mejores personajes y un desarrollo lento pero sin pausa que siempre muestra sus cartas al final, sorprendiendo al espectador como un buen jugador que nunca pierde.

Marvel Héroes - Los 4 Fantásticos: En busca de Galactus

2011-08-09T14:14:00.000+02:00

Lo mejor de este coleccionable de Panini es que nos hace descubrir, a los lectores menos veteranos, todas esas historias de Marvel de décadas anteriores que, pese a no tener demasiada repercusión, son muy interesantes y trascendentales para los personajes que las protagonizan. Por supuesto, como toda colección basada en material tan diverso, hay de todo y no siempre del mismo nivel, pero no cabe duda de que la curiosidad que desprenden algunas historias las hace meritorias de una cómoda lectura. En el caso que nos ocupa, tenemos una saga de casi once números (algo difícil de ver en los años 70) escrita por Marv Wolfman mucho antes de sorprendernos a todos con sus Crisis en tierras Infinitas o su célebre etapa en los Titanes, acompañado de un John Byrne primerizo, de mucho antes de que aterrizara en los X-men, la serie que lo catapultó a la fama. Por ello, tenemos una obra de dos autores antes de que hicieran historia en el mundo del cómic, ¿está a la altura de lo que cabría esperar de ellos?

Para empezar, lo mejor de este tomo es que no da pie al respiro. Son once números vertiginosos que sorprenden por la cantidad de conceptos e historias que podemos ver por página. Es cierto que eso no hace mejor un argumento, y que todo puede quedar algo atropellado o con un ritmo poco adecuado para lo que se cuenta. Pero la verdad es que, pese a contener toda esa verborrea típica de la época y la acción obligatoria por número, se trata de una lectura muy interesante y adictiva, que no deja nada al azar y con un Wolfman muy inspirado, lejos del nivel que mostraría posteriormente, pero que juega con muchos conceptos del universo Marvel con bastante ingenio y maestría. De hecho, lo que tenemos aquí realmente es una gran macrosaga en donde nuestros protagonistas lo pasan peor que nunca, surcando el espacio para defender la tierra de un villano implacable, todo mientras tratan de defender otro lugar, luchando por sobrevivir, con mucho sentido de la aventura y la maravilla, digno de este cuarteto fantástico. Dicho de otra manera: ojalá todos los cómics de los 4 Fantásticos mostraran historias tan completas y vertiginosas como esta.

Por desgracia, no todo es tan extraordinario como podría. Una idea con tanto potencial podría haber dado para muchísimo más, sobre todo en su clímax. Da la impresión de que si Byrne hubiese estado más implicado en los guiones, nos habría sorprendido con una batalla final entre los dos contendientes asombrosamente poderosos que podría haber sido bastante más ingeniosa y épica. Por el contrario, Wolfman se contenta con enfrentarlos a base de puñetazos, siendo más espectacular en realidad la pelea entre los 4 Fantásticos con su oponente de turno, que sucede de forma paralela. Además, la solución a cierto problema que atraviesan los protagonistas a lo largo de la historia, que sirve muy bien para crear cierta angustia y peligro aunque sepamos que se salvarán sí o sí, viene dada por un deux ex machina algo pobre que solo sirve para dar importancia a Johnny Storm y poco más.

Pese a todo, solo por sus virtudes, por lo interesante de la aventura y el dibujo de Byrne y Pollard (este último, todo un descubrimiento), ya merece la pena. No es una obra maestra y está lejos de lo que sus autores mostrarían más adelante, pero sin duda es todo un anticipo del talento que poseen, por lo es una historia del grupo más que recomendable.

Capitán América - El primer Vengador

2011-08-07T13:29:00.000+02:00

Muy mal acostumbrados estamos últimamente por parte de Marvel Studios a la hora de visionar las adaptaciones de nuestros superhéroes favoritos. Desde que se inició el proyecto de Los Vengadores han conseguido traspasar la sensación de "universo en continuidad" a la gran pantalla. En los cómics estamos acostumbrados a que los personajes de diferentes series se crucen entre sí, pero ello resulta novedoso y atractivo en el cine, por lo que supone un plus bastante sugerente. Esto ha propiciado también a que, de un tiempo a esta parte, casi todas las películas de la editorial posean una estructura similar, de origen, desarrollo y combate final del superhéroe de turno. Lo vimos con Iron Man, con el Increíble Hulk y con Thor. El Capitán América, por supuesto, no es una excepción, como bien imaginaban muchos, aunque también estábamos con la mosca tras la oreja cuando vimos que el director de Jumanji y El Hombre Lobo, Joe Johnston, iba a encargarse de traer a este patriótico personaje al celuloide, ya que sin duda es el realizador de menos renombre de todos los que hemos visto ocupándose de las películas de superhéroes de este año.

Por suerte, existen ocasiones en las que la falta de pretensiones y la honestidad con la que se pretende llevar un proyecto juega a favor del resultado final. El Capitán América no es el filme definitivo de la editorial, y desde luego jamás dio la impresión de serlo en ningún avance o conociendo su premisa. Pero, por suerte, su simpleza y su falta de alardes no han impedido que estemos ante un producto veraniego muy agradable, con tanta carisma que incluso te retrotrae a la infancia, ya que posee todos los ingredientes, muy bien "batidos", para agradar a cualquier espectador que esté dispuesto a disfrutar de una película de aventuras como las "de antes". Porque eso es lo que es, un filme de superhéroes bastante sólido que bebe del estilo clásico de los cómics, con uno de los mejores protagonistas que hayamos podido ver en este tipo de adaptaciones. Chris Evans cumple sobradamente en su papel, faltándole quizá un poco más de dureza y capacidad de liderazgo, pero el guión ha conseguido mostrar un Steve Rogers no ya auténtico, sino muy entrañable.

Olvidaos del Capitán América del universo Ultimate, esta historia trata sobre cómo un chico de Brooklyn, sin nada más especial que valentía y nobleza, consiguió derrotar a uno de los villanos más temibles que hayan pisado jamás la Tierra: Cráneo Rojo. Quien, en posesión de algo tan aterrador y formidable como el Cubo Cósmico, pretende controlar el mundo. Con esta premisa, vemos el origen y desarrollo de un personaje que, pese a su evidente patriotismo, jamás nos parece cargante en ese aspecto. De hecho, el protagonista es lo mejor de la película, es creíble su evolución, es creíble su relación con Peggy, es creíble su transformación en icono americano (con unas escenas de gran comicidad, pero jamás sonrojantes y sí muy divertidas como homenajes de lo que fue realmente el personaje de cómic en la vida real) y es creíble su paso a la batalla contra la terrible amenaza. Hasta ahí, todo perfecto, pero por desgracia la película coge una velocidad excesiva en su tramo final, impidiendo que el villano pueda lucirse, ya que de repente solo vemos cómo frustran sus planes una y otra vez, haciendo que parezca más un pelele que un auténtico estratega. Lejos de inspirar temor, Cráneo Rojo se queda corto como verdadero némesis, pese a los enormes esfuerzos del genial Hugo Weaving. Eso sí, físicamente lo han bordado.

En definitiva, estamos ante un filme muy agradable, que encantará a aquellos que quieran ver una adaptación fidedigna, agradable y sin pretensiones. Solo para pasar un rato divertido y ver un prólogo de lo que está por venir. Ahora queda que, el verano que viene, no nos defrauden con el colofón que supondrá la unión de todos los héroes más poderosos de la Tierra: Los Vengadores.

Astonishing Spiderman & Lobezno

2011-08-05T13:46:00.000+02:00

La idea de los team-up ha sido siempre un riesgo creativo. Dedicar una colección a dos personajes populares posee el handicap de que el autor no tiene el permiso de trastocar nada relacionado con el status quo de los protagonistas, sobre todo porque éstos suelen tener varias series regulares en las cuales se supone que debe ocurrir lo importante. Por ello, no suele ser muy interesante el hecho de que personajes con mucho marketing a sus espaldas tengan sus propias aventuras a dúo, para que ello funcione el guionista debe conseguir simplemente entretener con historias más o menos imaginativas sin que quede forzada la unión de los implicados. Un ejemplo podría ser el clásico World´s Finest, que para quien no lo sepa se trata de la colección en donde se unen los Mejores del mundo según la editorial DC, que vienen a ser Superman y Batman. Hace poco, tuvimos una serie regular de ambos, que empezó con Jeph Loeb a los guiones, en ella el guionista se atrevió incluso a cerrar algunas tramas que arrastraban los personajes en sus respectivas series, pero lo cierto es que por lo general se trataban argumentos en donde todo debía ser a lo grande y debía acabar en la misma saga donde comenzaban. Ese sentido del espectáculo y la maravilla funcionó más o menos bien (en cuanto a ventas, la calidad de las historias ya es otra cosa) y Marvel se fijó en ello, por lo que aprovechó para dar rienda suelta a sus dos estrellas más populares: Spiderman y Lobezno.

¿Y qué guionista se encargó de tan atractivo proyecto? Pues alguien que ya los escribió muy bien en su momento, Jason Aaron, concretamente en la serie regular del canadiense, en la famosa saga En mi pellejo (Lobezno v4, 48, edición española), donde ya se analizaba la relación que podían sostener dos personajes tan opuestos como estos. No obstante, tampoco es esta la primera vez que protagonizan algo juntos, ya que recientemente hemos podido ver la miniserie titulada La materia de las leyendas y muy célebre es aquel número que los unió por primera vez en los años 80 en una cabecera, bajo el título de Marea Alta. Sin embargo, podríamos asegurar, sin temor alguno de equivocarnos, que jamás habían protagonizado juntos una aventura tan entretenida e impactante como la que nos ocupa. Con el nombre de Otro bonito follón, Aaron da rienda suelta a su vena cómica, sin dejar de lado la épica y la introspección, con un grandísimo uso de la continuidad, para ofrecer uno de los trabajos más completos que haya realizado nunca este diamante en bruto en la editorial Marvel. De hecho, me resulta imposible pensar que pueda superarlo en un futuro, porque esto es lo que podría llamarse un momento culmen de su carrera en la Casa de las Ideas.

¿Suena exagerado? Puede ser, pero en un tiempo en donde el decomprensive storytelling está a la orden del día, en el cual seis números han dejado de ser demasiados para narrar una sola historia, la verdad es que sorprende que aún exista un autor que esté dispuesto a meter una enorme cantidad de conceptos por viñeta. Y es que Aaron consigue aunar lo mejor de todos los autores notables de la actualidad: una imaginación desbordante a la altura del Morrison más inspirado, el conocimiento de conceptos del universo Marvel que posee Hickman, la provocación de Mark Millar cuando en ello era insuperable y un tratamiento de personajes que recuerda al mejor Peter David. Lo mejor de lo mejor en una sola saga que es tan fascinante como entretenida, cuya premisa podría ser una chorrada absoluta si no fuera por lo ingenioso que es el desarrollo. Nunca una saga sobre viajes en el tiempo y futuros alternativos había sido tan bestia y atractiva como esta, y para colmo todo tiene sentido y nada resulta gratuito, siendo una historia valiente y arriesgada, absolutamente impredecible con un buen puñado de giros argumentales sorprendentes. Es más, podría decirse que se realiza la mejor historia jamás escrita para cierto villano que debería ser rescatado más veces porque es perfecto como excusa para aventuras de este estilo.

Si a todo esto añadimos a un Adam Kubert pletórico, dándolo todo y a un nivel como hacía tiempo que no le veíamos, podemos decir, sin temor a equivocarnos, que se trata de una cita imprescindible para cualquier aficionado de Marvel que se precie de serlo. No solo refiriéndonos a aquellos que disfrutan con las historias de Spiderman y Lobezno como protagonistas, no, ya que el tomo abarca mucho más. Lo dicho, una joya destinada a convertirse en un clásico moderno.

Los Soprano - Primera Temporada

2011-08-03T15:01:00.000+02:00

No sé qué tendrá la mafia italiana y los romanos antiguos que siempre que hacen algo minimamente decente con ellos, ya me tienen enganchadísimo y más que convencido. Rectifico, no es ya que el tema de la organización familiar con crímenes, conspiraciones y progenitores deseosos de mantener el poder me fascine, sino que da tanto juego que los mejores guionistas ven ahí un gran tapiz con el que jugar y dar forma a sus mejores y más retorcidas ideas. Este puede ser el caso de la fabulosa historia de Mario Puzzo: El Padrino, o la mayor parte de la filmografía que hizo famoso a Scorsese, con Uno de los Nuestros y Casino a la cabeza. Ahora, además de mencionar a la familia Corleone, a la dinastía de los Julios que tanto nos encandiló en series tan magníficas como Roma o Yo, Claudio... también me veré obligado a hablar de los Soprano cuando entable una conversación sobre las mejores historias relacionadas con este ambiguo y siempre interesante mundillo.

Pero no nos apresuremos, lo mejor de esta primera temporada de la serie es que cuenta con un recurso argumental que aprovechan al máximo para que nos impliquemos tanto moral como emocionalmente con el patriarca de la familia: Tony Soprano, que sufre varios infartos que le obligan a asistir regularmente, y a mala gana, a una serie de sesiones con una psicóloga. ¿En qué repercute todo esto? Pues en un seguimiento no ya de los sucesos que veremos en esta familia de gangsters italoamericanos, sino también del carácter y la personalidad de tan contradictorio personaje. Porque la serie no nos engaña en ningún momento, Tony no es ningún santo, está muy lejos de serlo y sus métodos son tan implacables como sus impredecibles ataques de furia. Pero de alguna manera, conociendo todos los pormenores, sabiendo exactamente como piensa, asistiendo a sus sesiones de psicoanálisis en las que él mismo se pone a prueba, es muy difícil no ponerse de parte de ese pedazo de hijo de puta.

Además, tampoco es que el mundo que le rodea sea mucho menos hostil: familiares obstinados a perpetuar ciertas costumbres que apenas le dejan pasar una, hipocresía por parte de una obstinada ley que siempre deseará colgarse una medalla, sicarios que pueden dejar de serlo a la menor ocasión, otros capos que esperan su momento para conseguir nuevos territorios, etc. No engañaré a nadie, pese a todo este cúmulo de elementos típicos del género, el estilo episódico es algo más culebronesco de lo que uno podría imaginar, más ligado a los sentimientos del protagonista y secundarios que a los negocios en sí. Pero jamás de una forma fácil, ya que todo está entrelazado de una manera u otra, creando un terrible puzzle que aquí empieza a tomar forma con las féminas más cercanas a Tony, sobre todo una en concreto, no diré quién específicamente, pero el desarrollo de cómo se va complicando la vida del mafioso a partir de habladurías aparentemente casuales es de lo mejor que nos ofrece esta adictiva temporada.

Y ya en resumen, que he hablado demasiado, no quiero acabar la reseña sin recomendar, como es lógico, esta serie. Pero lo mejor es que todavía no ha hecho más que empezar y estoy deseoso por ver qué más puede ocurrirle a esta atípica familia.

Ultimate Comics Spiderman #5 a #7: Amor corrompido

2011-07-25T13:04:00.000+02:00

Resulta sorprendente que exista una serie que lleve ya la friolera de más de 150 números con un mismo guionista que nunca se permita bajar la guardia, manteniendo a los personajes de la misma interesantes y variables en todo momento con situaciones siempre frescas y sorprendentes. Estoy hablando, claro está, de Ultimate Spider-man, una colección que tiene ya más de 10 años y sigue siendo todo un referente para todos aquellos guionistas que busquen escribir adolescentes. Por no decir que es el único título de la línea Ultimate que es digno de ese nombre, ya que está absolutamente despegado del universo tradicional y posee su propia idiosincrasia, con un protagonista carismático y unos secundarios fascinantes, así como unos villanos enormemente impredecibles.

Sin ir más lejos, ahora la casa de tía May parece la tribu de los Brady de los superhéroes, ya que en ella habitan tanto el Hombre de Hielo como la Antorcha Humana junto a Peter Parker y su novia Gwen Stacy. May, que parece ya cómoda con la situación, sigue fiel a su carácter altruista y ahora intenta llevar una casa que nunca es aburrida. Este status quo lleva tiempo en la serie, desde el último número 1, pero hasta ahora no había sido tan interesante, ya que por fin ha hecho acto de presencia la versión del Camaleón de esta línea y no es precisamente una que ninguno imaginara. Es más, antes de siquiera aparecer el sosías de Peter, Kitty Pryde es expulsada a la fuerza del instituto por un grupo de agentes del gobierno que ahora no permiten mutantes en las aulas. Esto propicia un cambio de carácter en la ex-novia de Spiderman que posee un enorme potencial y se desmarca, aún más si cabe, de la versión original.

Pero nada de esto sería tan genial sin unos diálogos tan mordaces y realistas, con unos adolescentes genuinos, captados al milímetro por un Bendis inspiradísimo, haciendo notar que esta debe ser, sin duda, la serie que más disfruta escribiendo. Los percances por los que pasa la nueva familia del protagonista por culpa del camaleónico villano, cada vez más sorprendido por el hallazgo inesperado de la nueva identidad, son de lo más divertidos, aunque no estén exentos de cierto dramatismo adolescente. Además, los pensamientos del sosías resultan de lo más ingeniosos, siempre cuestionando la vida de Parker y todo lo que podría tener si lo deseara, aludiendo a la ingenuidad adolescente. El final, por otro lado, está cargado de emoción e intriga, ya que esta es una de las pocas series de superhéroes en las que es difícil adivinar qué vendrá a continuación. Y a juzgar por el epílogo que muestran en el último número, es indudable el hecho de que la colección solo puede ir a más.

En definitiva, que si quieres seguir una serie de superhéroes al estilo clásico pero un enfoque moderno y atractivo apto para todos los públicos, esta es tu serie. Apta tanto para fans de siempre como nuevos, no se me ocurre una colección mejor que recomendar a cualquiera. Y esta saga es una gran muestra de ello.

Harry Potter y las reliquias de la muerte - Parte 2

2011-07-23T13:16:00.000+02:00

Al fin ha acabado una de las sagas más longevas y fructíferas en taquilla que jamás hayamos presenciado en la gran pantalla. Cierto que todavía tendrían que sacar muchas más secuelas para alcanzar el número de entregas de sagas como las de James Bond o la mayoría de las que existen de psychokillers. Pero de lo que no cabe duda es de que no existe ninguna con una trama central más larga que esta. Curiosamente, esa es su mayor virtud, convirtiéndose también en su mayor defecto. Ahora que he podido ver toda la historia, me gustaría comentar no solo esta película en sí, sino extenderme con el resultado de todo este ambicioso proyecto de Warner Bros para adaptar estos famosos best-sellers. Eso sí, quiero aclarar desde un primer momento que pienso centrarme en la crítica de las películas, ignorando por completo el tema de fidelidad con los originales sobre todo porque los desconozco y por ello quisiera valorarlos como largometrajes y por la calidad que poseen por sí mismos.

Por tanto, llegamos a la gran batalla final. Por un lado los magos de Voldemort y por el otro los que se unen a la causa de Harry Potter, con Hogwarts de escenario. Una guerra de magia que consigue unos tintes épicos bastante impredecibles en esta saga, hasta tal punto en que los efectos especiales son asombrosos y consiguen transmitir todo el poderío de tan experimentados hechiceros. La crudeza y la muerte se convierten en elementos casi omnipresentes para los adolescentes que se ven inmersos en tal maremágnum de conspiraciones y ambición. Conocemos por fin las intenciones y el pasado de Severus Snape, los planes iniciales de Dumbledore y finalmente veremos a nuestro protagonista liderando la función junto a sus estimados e infatigables compañeros. Algunas escenas son de infarto, sobre todo las protagonizadas por pesos pesados de la interpretación como el inspiradísimo Alan Rickman (como Severus, que realmente hace suyo el personaje), Ralph Fiennes (al menos físicamente, porque si no me equivoco el doblaje le ha hecho un flaco favor) o la carismática Maggie Smith, que en pocos minutos consigue arrancarnos varias sonrisas.

Por eso, siendo una película ciertamente digna, me fastidia enormemente que arrastre siempre los mismos defectos sin conseguir jamás desprenderse de ellos, siendo el más notorio, el más grave, el propio actor protagonista. Y es que Daniel Radcliffe es inadecuado para un papel de tanta responsabilidad como el que posee, con gran porcentaje de minutos en pantalla. Este defecto es excusable por parte de la gente del casting, y es algo inevitable porque para una saga como esta jamás se podía predecir si aquel pequeño de cara simpática y cierta naturalidad podía ser bueno o no en su adolescencia, pero no deja de ser evidente que Radcliffe no posee en absoluto el carisma necesario para sobrellevar un peso dramático como el de este personaje. Por lo que incluso nos llega a dar igual lo que le pase, solo vemos a un chaval siempre perdido, siempre con la misma expresión de incredulidad y pesimismo, sin presencia alguna y muy por debajo de los demás en arrojo o valentía. Debido a esto, resulta hilarante ver cómo todo el mundo lo adula o se pone de su parte tan fácilmente, nunca resulta creíble y se echa mucho de menos algún discurso o algo que simplemente dé a entender la aparente grandeza de alguien que solo recibe adulaciones.

Si a esto le sumamos el cargo de recadero que arrastra a lo largo de todas las películas, sin anticiparse jamás a nada, no cabe duda de que es imposible tomarse en serio a este personaje, siendo uno de los protagonistas más endebles que se han visto en la gran pantalla. Rupert Grint y Emma Watson, sin destacar demasiado, se convierten a su lado en intérpretes dignos de una adaptación de una obra de Shakespeare. No cabe duda de que es todo un problema, pero no el único, ya que el otro podría ser la ingenuidad general que arrastra, sobre todo, esta entrega. Se supone que es la parte más adulta, la más intensa, la más dramática. Pero por desgracia, nada de esto pareció importar demasiado al director, David Yates, más centrado en la acción y la épica, nunca en los personajes. Los amores se suceden porque parecen predestinados, la lealtad inquebrantable no se consigue con esfuerzo alguno y resulta triste ver a personajes como Draco Malfoy tan espantosamente desaprovechados. Por no decir que hay un halo de ingenuidad siempre presente, con mensajes tan poco inspirados como el constante "siempre estarás con nosotros" que vemos repetido hasta el hastío en este largometraje. Lo adulto no significa mostrar muertes u oscurecer la fotografía, sino que tiene que ver con el tratamiento de los personajes. Sé que tampoco se puede pedir mucho en una serie de novelas que empezaron siendo infantiles, pero no por eso es excusable tal descuido.

En definitiva, no es que sea un completo desastre, ni mucho menos, pero a un servidor le pesan mucho más los defectos que las virtudes en esta saga fílmica que ha calado tan hondo en gran parte del colectivo al que ha ido destinada. No porque sean malas películas, sino porque no siento que posean nada en especial, salvo quizá el personaje de Severus Snape, que con solo una triste mirada en la introducción de esta película final ya consigue emocionar más que Harry en todas las escenas de las ocho entregas.

Vengadores Vol. 4 #1 a #6 - Los próximos Vengadores

2011-07-22T13:21:00.000+02:00

Lo digo claramente desde el principio: aborrezco las historias de viajes en el tiempo. Son un descalabro en la mayoría de los casos, confusas y normalmente incoherentes, siendo realmente sencillo caer en la paradoja de turno que lo hunde todo. Sin embargo, confieso que cuando están bien hechas suelen leerse con agrado, interés y mucha curiosidad, ahí está la primera entrega de Regreso al futuro o la saga de X-men: Días del futuro pasado para demostrarlo. Por eso, cuando me dijeron que el guionista Brian Michael Bendis iba a meterse en el berenjenal de los viajes temporales, confieso que lo primero que sentí fue un sudor frío por la espalda. No sabía lo que me iba a encontrar en esta primera saga del título Los Vengadores, a secas, por primera vez en muchos años.

Sin entrar demasiado en detalles para no destripar nada relevante de la trama, diré que la cosa va sobre el retorno de Kang el conquistador, pidiendo ayuda porque los Próximos Vengadores, que vienen a ser los hijos de éstos en un futuro alternativo (sacados de una película de animación, por cierto), quieren asesinarlo y así destrozar el tejido temporal para siempre, provocando peligrosas mezclas entre dimensiones que podrían destruir la realidad misma. Para ser la primera aventura de este "nuevo" grupo, la verdad es que no podría ser más peliaguda.

Y lo cierto es que Bendis se las apaña para salir del paso con buena nota. El ritmo es quizá un poco torpe y existen demasiadas situaciones creadas solo para "molar" y poco más. Pero la historia en sí, la base y sobre la todo la forma en que está contada con esos saltos en el tiempo que tanto gustan al guionista funcionan a las mil maravillas. Por tanto, al final lo que encontramos es una saga quizá demasiado enrevesada para lo que es, pero sólida y repleta de momentos brillantes, en los que destaca sobre todo una solución final en forma de conversación que podría ser algo anticlimática para algunos, pero que no deja de ser ingeniosa y coherente con lo que nos contaban. Lástima que el dibujo venga de cargo de un John Romita Jr. muy poco inspirado y muy mal entintado por Klaus Janson, que resulta demasiado tosco y confuso en según qué viñetas (las grandes batallas se convierten en jeroglíficos donde todo se superpone sin perspectiva alguna), lo que no beneficia en absoluto a la trama. Menos mal que, pese a todo, sigue siendo un excelente narrador.

En otras palabras, Bendis se adapta bien al estilo clásico del título, ofreciendo una amenaza grandilocuente y mostrando situaciones peliagudas más allá del toque callejero del que nos tenía acostumbrados. Pero eso sí, sin abandonar su estilo. Por lo que la mezcla funciona, aunque no termina de cuajar del todo.

Secuestro en una quedada de Alicante

2011-07-20T14:06:00.000+02:00

A esto que se presentaba una mañana harto aburrida que, de repente, me vino la inspiración: ¿por qué diablos tengo un blog en el que solo cuelgo reseñas y críticas cuando el subtítulo del mismo viene a decir: dibujos, críticas, artículos y paranoias varias? No tiene mucho sentido, ¿verdad?

Por eso, dado que este sábado 16 de julio del 2011 tuve la suerte de colarme en una quedada en la que conocí a gente interesante (peloteo, peloteo) perteneciente a la muy aconsejable web Subcultura, en la que compartimos varios dibujos, voy a aprovechar para colgar algunos de los que yo hice para demostrar que, pese a la ausencia de novedades de los mismos en el blog desde hace ya mucho tiempo, no he perdido mucha habilidad. Y ya de paso, suplo esa ausencia demasiado tiempo alargada:

Esta fue una ilustración para rafanas, un dibujante muy interesante que realiza tiras cómicas en la web antes citada. Clickar en el enlace de su nombre para verlas, no os arrepentiréis. Os recomiendo sobre todo Gamerzs.

Esta imagen fue para byAtx, una compañera de la facultad y la culpable del "rapto", ya que fue con quien decidí quedar para saludar y gracias a ella me encontré todo aquel tinglado montado.

Y finalmente, porque no he tenido ocasión de conseguir más dibujos, tenemos a mariods, uno de los que más me sorprendieron. Primero por su estilo y su habilidad con el dibujo, y luego por todos sus conocimientos sobre Bruguera, autores españoles y demás. Impresionante. Tanto como su trabajo junto a Nubis (guionista que también estuvo en la quedada) en la serie de tiras cómicas Irregular Elis, que creo que es MUY recomendable.

Podría mencionar a todos los artistazos, pero creo que lo iré haciendo poco a poco, a medida que vea sus trabajos y pueda mostrar los míos. En todo caso, fue muy interesante y productivo, no me importaría en absoluto repetir.

Espero que os gusten los dibujos y, sobre todo, los enlaces. No olvidéis visitarlos. Próximamente volveré con algunas críticas de cómic.

Alexander Revisited - The Final Cut

2011-07-05T12:18:00.000+02:00

He tenido la maravillosa suerte de que me recomendaran esta película no en su versión normal lanzada a los cines, que es por desgracia la que se conoce por estos lares, sino por la versión del director que no han sacado todavía en este país, ojalá se plantearan seriamente el sacarla porque yo la recomendaría y la compraría seguro. Y es que, por lo que me han contado, la versión de Alejandro Magno que emitieron en nuestras salas de cine y en las de todo el mundo el día de su estreno, fue una versión mutilada de lo que realmente quería contarnos Oliver Stone (que tardó muchos años en desarrollar el guión, ya que es un proyecto que desde siempre deseó realizar) sobre este enigmático y complejo personaje. Solo con deciros que cambiaron todo el montaje original ya debería convenceros a ver esta versión que además cuenta con casi una hora de película más que está muy lejos de ser prescindible. De hecho, me atrevo a decir que, tras ver la película y enterarme de todo lo que quitaron y cambiaron, nada sobra y nada falta en toda su extensión, porque me parece que posee una estructura muy interesante que juega con los paralelismos entre algunos sucesos de la vida de Alejandro Magno.

Digo más, si hay algo que no soporte en una película histórica es la linealidad a la hora de narrar la vida de algún personaje. No soporto los filmes que cuentan con pelos y señales todos los detalles de la vida del que normalmente es el héroe de la Historia, pretendiendo así implicar emocionalmente de forma forzada al espectador. Con Alejandro Magno tenemos la suerte de que no se regodean en cualquier cosa, sino que realizan un análisis psicológico de tan complejo conquistador a partir de una serie de acontecimientos que tienen mucha relevancia entre sí. Adelantado a su tiempo, incomprendido, contradictorio en su causa, creado psicológicamente a partir de historias de antiguos héroes y dioses y, sobre todo, seguidor obstinado de sus propios sueños hasta el punto de quedar apresado por ellos. Todo eso y más se puede sacar de este completísimo biopic, que ensalza su figura sin renunciar a sus errores, sin convertirlo en una divinidad y sin cometer el error de juzgarlo. Todo esto con unos saltos en el tiempo que sirven para desarrollar sin prisa pero sin pausa cómo todas sus enseñanzas fueron cruciales para llegar a convertirse en lo que fue.

Por si todo esto fuera poco, pese a sus tres horas y media de duración, la película se pasa volando aún mostrando solo dos batallas mal contadas. Pero qué batallas, señores, sacando a relucir todos los flancos y exponiendo la magnitud de tales carnicerías de las que no se cortan un pelo, destacando la de Gaugamela, que ocurre casi al principio de la película y contemplamos literalmente a vista de águila en unos determinados planos muy sugerentes. Por lo demás, el resto de la película se mueve entre fascinantes diálogos y admirables monólogos, entre los cuales sorprenden los de Ptolomeo en su vejez (interpretado por Anthony Hopkins), quien es precisamente el narrador de la historia. Sabiendo todo esto, queda claro que no es una película para todos los paladares. Si se busca la típica superproducción de acción constante que presenta al típico héroe taimado sin fisuras, aquí no la va ha encontrar nadie, porque es otro tipo de filme, uno que se dedica a desmenuzar cada una de las inquietudes de la figura histórica que da nombre a la obra y que además lo hace desde la perspectiva de un hombre de la época. Nada de mezclas extrañas con la moral cristiana o expresiones actuales fuera de contexto. No, estos personajes son los más auténticos que he podido ver en una película de estas características, hasta el punto en que hablan de la bisexualidad con total naturalidad. ¡Al fin un filósofo griego antiguo que suena como tal!

En resumen, una película que creo incomprendida, injustamente vilipendiada y muy recomendable, sobre todo en su versión extendida. Creo que difícilmente se podría hacer un retrato mejor de Alejandro Magno.

El Cristal Oscuro - Esa pequeña obra de arte

2011-07-03T12:47:00.000+02:00

Lo cierto es que sería adecuado mencionar que soy fan de Jim Henson desde que tengo uso de razón. De hecho, una de las primeras películas de imagen real que recuerdo ver es precisamente Dentro del laberinto, y en ella ya pude disfrutar de sus tan imaginativas y sorprendentes marionetas. Habiendo visto el Show de los Teleñecos, algunas de sus películas, los famosos Fraggle Rock y el omnipresente Barrio Sésamo, la verdad es que El Cristal Oscuro era mi asignatura pendiente en tal excelsa filmografía. Por ello, esta crítica no está realizada por un fan nostálgico que recuerde el filme con cariño, puesto que el primer visionado lo tuve recientemente, pero la verdad es que no me resulta difícil emocionarme con el ingenio y la "magia" de las obras artesanales de Henson, y menos cuando sumamos a Frank Oz a la lista, muy importante en mi infancia gracias a películas como La Tienda de los Horrores o Los Teleñecos conquistan Manhattan. No cabe duda de que mi predisposición a la hora de enfrentarme a este filme era inmejorable.

Lo curioso es que, sin embargo, al principio estaba algo decepcionado por lo que me encontré en los primeros minutos. Un ritmo algo lento, una trama muy manida, mucho maniqueo en los malos (rematadamente malos) y los buenos (ingenuamente benévolos) y unas animaciones faciales de las marionetas que dejaban mucho que desear. De hecho, en algunas ocasiones son demasiado rígidas y nunca da la impresión de que sean ágiles, por ello algunas escenas de acción se resienten un poco. Además, nunca he soportado demasiado las historias sobre la luz y la oscuridad o sobre la dualidad del bien sobre el mal, y el redundante tema de "el elegido que equilibrará el orden del mundo" siempre me ha resultado extremadamente aburrido. Y que nadie se engañe, el Cristal Oscuro va precisamente de eso, de dos razas absolutamente contrapuestas: los Místicos y los Skeksis, que fueron una sola hasta que el Cristal se fragmentó. Como cabe esperar, los primeros son maravillosamente pacíficos y los segundos la peor escoria imaginable. Tanto, que incluso presentan la primera diferencia en este tipo de largometrajes de fantasía supuestamente infantiles: son tan repulsivos y cometen actos tan siniestros que son capaces de estremecer hasta a un adulto.

Es precisamente en eso último donde vemos la maestría de Henson y Oz. Ambos sabían que no estaban contando algo nuevo, sino que estaban mostrando una clásica historia bajo un prisma distinto, siendo esa la verdadera "magia" del filme. Y es que nunca se ha visto un mundo tan sugerente y tan "vivo" como este, con tantísimos elementos en movimiento, una fauna tan dispersa, unas localizaciones tan variadas y una imaginación tan desbordante. Cierto es que deberíamos estar más que acostumbrados, habiendo visto películas como la célebre trilogía del Señor de los Anillos o Avatar, pero lo que consiguen aquí es mostrar un trabajo artesanal tan rico en imaginación y belleza que deslumbra y consigue algo único: una fantasía de auténtico cuento. Ese último adjetivo es el que mejor define el largometraje, ya que todo sabe a auténtico, a único pese a la falta de originalidad de su premisa. Es la historia de siempre, pero sabe diferente, y por ello emociona y embelesa, permaneciendo en el recuerdo, como si hubieses imaginado un relato primario contado por un marionetista talentoso y genial.

Y solo por ello merece la pena verla, retrotrae a la infancia y consigue lo imposible: que una premisa que odias se vuelva interesante. Una maravillosa película de culto, irrepetible por mucho que el CGI actual pueda mover mejor a los personajes. El encanto no será nunca el mismo.

Fringe - Temporada 3

2011-07-01T11:36:00.000+02:00

Lo de esta serie empieza a ser un "quiero y no puedo" constantes. Cosa que molesta en grado sumo, porque realmente tiene momentos tan brillantes que la hacen magnífica, única y más que memorable. Pero por desgracia, en todas las temporadas siempre hay algo que impide que brille con toda la intensidad que podría. Por ejemplo, en la temporada anterior hay capítulos que se podrían tildar de auténticas obras maestras de la televisión, con actuaciones maravillosas, unos efectos impresionantes, un guión a prueba de balas y una tensión admirable. Montones de adjetivos altisonantes que no hacen justicia a unos episodios, en serio, asombrosos. Y sin embargo, si se analiza la temporada en su totalidad, podemos encontrar que no todos mantienen el nivel, de hecho muchos ni se acercan, por no decir que los hay que incluso sobran por completo. Lo comenté antes y lo repito ahora: Fringe tiene el grave problema de poseer demasiados episodios por temporada, veintidós son una barbaridad para lo que se avanza en la trama principal, y se nota que los guionistas hacen carambolas para poder rellenar espacio, haciéndolo muy bien algunas veces y molestando en otras. En esta tercera temporada, sin embargo, el ritmo es el mejor de todos los mostrados hasta el momento.

De hecho, se podría decir que en esta ocasión la trama avanza con mucha menos torpeza, tiene mucho más que contar y además da la impresión de que no hay apenas relleno, o al menos no ofrece esa incomodidad de estar viendo algo para "salir del paso" mientras lo bueno se pospone. Además, al no haber ya tanto que desvelar, la cosa está mucho más interesante, y el status quo de los personajes ha variado muchísimo, con sorprendentes giros y un excelente tratamiento en cuanto a la personalidad de estos. Digo más, Tanto Walter como Olivia están brillantes en esta temporada, el primero porque debe afrontar la supuesta muerte de un viejo amigo (y sus regresos, aunque esta es la clase de spoiler en la que el "cómo" importa mucho más que el "qué" pasa) y la segunda porque debe superar la terrible suplantación que acomete su sosias del "otro lado". Por ello, los primeros doce capítulos son de lo mejor, alternando universos y ahondando en la personalidad de los protagonistas, avanzando en la trama central y profundizando en lo que todavía está por llegar. Si tuviéramos que basarnos solo en ellos, sin duda podríamos decir que son de lo mejor que ha dado la serie hasta el momento: vibrantes, tensos, dinámicos, emocionantes... Lo tienen todo.

Pero a partir de ahí, la cosa se diluye. De repente la serie parece ir por otros derroteros y se vuelve demasiado fantástica, sobre todo porque pierde la mesura con la que trataba la ciencia ficción, siempre con explicaciones muy sesudas e ingeniosas (por no decir muy divertidas cuando las expone el viejo Walter), que aquí brillan por su ausencia, sacándose de la manga conceptos que suenan más a magia que a la "fringe science" que da nombre a la serie. Dicho de otra manera: la supresión de incredulidad se vuelve más frágil, habiendo momentos en los que parece que estemos viendo una serie distinta. Nada de esto sería tan grave si se tratara de un caso puntual, pero por desgracia afecta al final de la temporada, en donde los guionistas se sacan de la manga un "deux ex machina" literal con el que se permiten explicar y solucionarlo todo dejando además otros cabos sueltos bastante menos interesantes que los que teníamos hasta el momento. En otras palabras, era el momento de mirar hacia delante y no preocuparse por marear aún más la perdiz, pero parece que no pudieron resistirse a la hora de tirar por lo segundo.

Pese a todo, sigue siendo una serie muy recomendable, sobre todo porque todavía cuenta con algunos capítulos magníficos y unos muy buenos personajes y efectos especiales. Lástima que, habiendo arreglado los problemas de ritmo, fracase precisamente a la hora de desarrollar la trama principal. Un error que acaba siendo peor que el otro y que espero que sepan solventar para la continuación. Porque... ¿continuará, verdad?

Marvel Héroes: Viuda Negra - Red de intrigas

2011-06-28T14:57:00.000+02:00

Para todos aquellos que no hayan leído demasiado material clásico de Marvel debe estar resultándoles muy provechoso este coleccionable, ya que su cualidad de "cajón de sastre" en el que puede tener cabida cualquier cosa es tanto una virtud como un defecto, según los cómics de los que hablemos. El caso es que ahora le ha tocado el turno a la Viuda Negra, un personaje algo secundario en la editorial que sorprende que posea tantos cómics en solitario últimamente, lo cual dice mucho del buen trabajo que está realizando la llamada Casa de las Ideas respecto a las adaptaciones fílmicas, ya que en este caso la aparición de la espía rusa en la secuela de Iron Man le ha sido de lo más provechosa.

Sobre el material aquí reunido, hace tiempo se sacó gran parte de él también en un tomo unitario, solo que en tamaño reducido y en blanco y negro, es decir, en Biblioteca Marvel. Ahora, se vuelve a editar, solo que a color y en tamaño original, con el añadido de los Marvel Fanfare que relatan una historia del personaje con Ralph Macchio y el célebre George Pérez como autores de la misma. Por lo tanto, esta recopilación se puede dividir en tres bloques que pasamos a desglosar a continuación. El primero está relacionado con los orígenes del personaje, su primera aparición en Tales of Suspense #52 (con Iron Man, cómo no) y su enfrentamiento con Spider-man en Amazing Spider-man #86, que no sería tan importante si no fuera porque en él veríamos por primera vez a la Viuda con el traje con el que se la conoce actualmente. El segundo bloque está compuesto por una historia en solitario que se desarrolló a lo largo de varios números de Amazing Adventures, escrita por varios autores: Gary Friedrich, Mimi Gold, Roy Thomas y Gerry Conway, con los lápices de John Buscema, Gene Colan y Don Heck. Finalmente, el último bloque es el que reúne la historia que da nombre al tomo y que se desarrolló en la ya citada Marvel Fanfare, con los autores que se mencionaron al principio de este mismo párrafo.

Así pues, lo que tenemos es un resultado un tanto irregular, dada la variedad de todo este material. Para empezar, los números donde comparte protagonismo con Iron Man y Spider-man son de lo más anodino del tomo, ya que ofrecen una Natasha Romanov todavía "en pañales", sin el carisma actual y de lo más arquetípica. No obstante, estamos hablando de la que se supone que era una villana que se basaba en un tópico frecuente del cine de espías de antes de los sesenta. Menos mal que en los números de Amazing Adventures, aunque repartidos entre varios guionistas y dibujantes, están un poco mejor, sin brillar ni destacar mucho. Eso sí, hay que reconocer que la forma en que los diferentes autores consiguen enmarañar unas tramas con otras tiene su gracia, pero son historias que no terminan de convencer del todo, ya sea por la falta de carisma absoluta de los villanos como por el abrupto desarrollo, que hace que la lectura se olvide en poco tiempo. Por tanto, los Marvel Fanfare son, sin duda, lo más destacable del tomo, tiene una trama bastante más consistente, con villanos a la altura del personaje (a destacar la Dama de Hierro) y sobre todo con buenos secundarios, mejores diálogos y algún que otro giro ocurrente. Si solo contáramos con estos números, sería fácil hacer la recomendación, pero al acompañarle otros de menor fortuna, resulta difícil aconsejar la compra del tomo solo por estas historias. Por cierto, no quería acabar la reseña sin mencionar lo muy mal que le sienta el entintado de Al Milgrom a los lápices de Pérez, nunca he visto mayor despropósito en un acabado que se intuye de sobra que podría haber sido muy superior.

En definitiva, un tomo difícil de recomendar, por todo lo que reúne, ya que el nivel de las historias aquí mostradas varía enormemente entre unas y otras. Eso sí, la verdad es que merece la pena echarle un vistazo a los números de Macchio y Pérez, ya que se podría decir que son un buen ejemplo de lo que debería ofrecerse a la hora de escribir a este peculiar personaje.

El caballero errante

2011-06-26T12:06:00.000+02:00

Adaptar los relatos de George R. R. Martin debe ser una proeza más que complicada. Esto se debe a que posee una prosa que tanto en cómic como en cualquier otro medio puede quedar forzada si se pretende ser lo más fiel posible. Lo que quiere decir que, al final, el resultado puede quedar un poco cojo en comparación con la obra original, son las dificultades de la adaptación con respecto a historias que se encuentran bien aprovechadas en su medio de origen. Sin embargo, con los Cuentos de Egg y Dunk, el escritor se mostró bastante más directo y sencillo de lo que es en los libros de Canción de Hielo y Fuego. Pese a ser narraciones que ocurren en el complejo mundo de Poniente, con todas sus Casas y todos sus reinados del pasado (ya que los sucesos se colocan 100 años atrás a los mostrados en Juego de Tronos, el primero de la saga), estas historias tienen unos protagonistas fijos que siguen una línea de acontecimientos bastante más clara, evitando que el lector deba centrarse en tantos frentes. Esa perspectiva más subjetiva permite que se pueda adaptar mejor a cualquier medio, ya que es más común para el cine, la televisión o, en este caso, el cómic.

Por lo tanto, El caballero errante es el primer tomo de esta especie de precuela de Canción de Hielo y Fuego. Se centra sobre todo en la figura del carismático Duncan el Alto, llamado vulgarmente Dunk, un escudero que pasa a ser caballero cuando se le presenta la oportunidad, buscando el éxito en uno de los grandes torneos de Poniente. Por el camino, encontrará al joven Egg, que pasará a ser su fiel escudero, del que tardaremos poco en conocer su misterioso pasado y las razones por las que está convenientemente rapado. Por lo tanto, la historia se centra en pocos personajes, y sobre todo Duncan cobra gran importancia como conductor de todos los sucesos que aquí se narran.

Esto no quiere decir que no se note la mano de George R. R. Martin en todo momento, ya que su prosa sigue presente en unas entretenidas y ocurrentes cajetillas de texto que presentan los pensamientos de este simpático personaje. Valiente pero no muy inteligente, aunque tampoco tonto, Dunk pasa a ser todo un protagonista a seguir, muy interesante, aunque no tanto como el entorno que le rodea, que es uno de los puntos fuertes del escritor: desarrollar todo un mundo creíble que no deje nada al azar y que se mueve independientemente del conductor de la historia.

Los giros se suceden por doquier, muchas sorpresas en pocas páginas y un desarrollo más que atractivo, con algunas de las mejores batallas de torneos medievales que se puedan leer en cómic, aunque en eso un servidor no tenga demasiada experiencia. Lo que no cabe duda es de que la lectura resulta amena y emocionante, quizá demasiada presentación pero muy buenos diálogos y tratamiento de personajes. Por lo tanto, la adaptación del texto que realiza Ben Avery resulta sólida y muy efectiva. Solo faltaría que el dibujo de Mike S. Miller estuviera a la altura. Y por suerte es así, aunque tiene puntos flojos como ciertos fallos de anatomía o muy poca variedad a la hora de mostrar rostros (algunos incluso se confunden, no ofrece rasgos distintivos), resulta muy espectacular en los torneos, dibuja armaduras muy vistosas y es capaz de reflejar muy bien el mundo de Poniente. No resulta difícil que el lector se sienta inmerso en tal ambiente, lo cual ya es una habilidad más que notable por parte del artista.

Lo dicho, aunque el precio sea algo prohibitivo para tan modesto formato, la verdad es que merece la pena. Los fans de Canción de Hielo y Fuego pueden acercarse sin temor, es difícil que queden decepcionados.

Misfits - Temporada 2

2011-06-22T19:10:00.001+02:00

Hay ocasiones en las que una fórmula no parece dar mucho más de sí, o que al menos no es del todo interesante una vez la novedad se esfuma y se da el caso en que se insiste en los puntos fuertes, olvidándose de otros que equilibraban la balanza. Dicho de otra manera, Misfits en su primera temporada sorprendió, impactó y enamoró a muchos, por su apuesta desenfadada, por lo políticamente incorrecta que es desde el primer minuto y lo carismáticos que resultan sus personajes. Por ello, superarse en una segunda temporada resultaba algo realmente difícil, por lo que había que cambiar el tono sin perder el espíritu, para ofrecer algo diferente e incomparable, que pueda gustar más o menos pero que sea igualmente efectivo. Es así como vemos un enfoque todavía más gamberro que el que pudimos ver anteriormente, con los personajes un poco más pasados de vueltas, secundarios de usar y tirar, enemigos más mortales y, sobre todo, menos ambiguos. En esta ocasión, estos siete capítulos parecen exactamente un cómic de Garth Ennis llevado a la pequeña pantalla, solo que con menos gore.

Decir esto es como ofrecer una de cal y otra de arena, ya que el guionista de cómics irlandés no siempre es tan interesante, algunas veces se deja llevar demasiado por lo banal y obsceno olvidándose de todo lo demás que lo ha hecho grande en sus obras más reconocidas. Con Misfits ocurre más o menos lo mismo: el nivel de gamberrismo ha subido, pero dejan bastante más de lado la crítica social y el desarrollo de personajes. No los principales, ojo, que siguen siendo el mejor reclamo de la serie, sino en los secundarios. Y es que a lo largo de estos episodios aparecen un buen montón, pero ninguno se aprovecha como es debido y todos, antes o después, acaban criando malvas, como si fuera una regla no escrita obligatoria. Ahora, todo se toma más a cachondeo, nada se respeta y rara vez nos emocionamos con algo porque todo puede ocurrir, incluso de un capítulo a otro. Jamás he visto en ninguna parte un status quo tan vulnerable como este, las relaciones entre personajes cambian en un parpadeo y las muertes se suceden por doquier, aparte de que abusan demasiado de los retrocesos temporales, convirtiendo el poder de Curtis en un deux machina perfecto para mostrar cualquier escena que al director o guionista le satisfaga. El caso más flagrante lo encontramos en uno de los capítulos, donde todo lo que ocurre, simplemente, es borrado para siempre.

Eso sí, pedir un poco más de mesura a esta serie sería como pedir peras al olmo, o una hipocresía por nuestra parte. Al fin y al cabo, lo mínimo que puede hacer es ser fiel a su propio espíritu camorrista y despreocupado, aunque eso atente contra un espectador que cada vez menos paciente con las sobradas e idas de tono, que por sí solas no consiguen gran cosa. Pero que nadie se espante, pese a todo este bajón la serie sigue siendo bastante recomendable y además en esta ocasión tenemos una trama central que resulta ser de lo mejor que podemos ver en el transcurso de la misma, dotando de renovado interés a Simon y a Alisha, que amenazan con robarle todo el protagonismo a un Nathan cada vez más detestable y agobiante. De hecho, por mucho que insistan en convertirlo en el alma de la fiesta, al final resulta incapaz de protagonizar ningún momento memorable como los que encontramos en la temporada anterior. Además, alguna que otra crítica social sí que hay, sobre todo en los dos últimos capítulos, atreviéndose a meterse con el morbo televisivo y la religión cristiana. De una forma un tanto superficial e inofensiva, eso sí.

Resumiendo, sigue siendo una serie condenadamente divertida, pero esta vez que no resulta tan fascinante como lo era en la temporada anterior. Deja cierto sabor agridulce, por lo que fue y lo que ha acabado siendo, aunque sigue enganchando y deja con ganas de más, que no es poco.

Misfits - Primera Temporada

2011-06-19T19:09:00.000+02:00

Os ha hecho creer que así es cómo debéis ser. ¡Pero no es verdad! ¡Somos jóvenes! ¡Se supone que debemos beber mucho, portarnos mal y follar hasta que se nos revienten los sesos! Estamos hechos para la fiesta. ¡Es así! Si, algunos tendremos sobredosis o nos volveremos locos, pero Charles Darwin dijo, “No puedes hacer una tortilla sin romper unos cuantos huevos”. Y de eso va todo esto: De romper huevos. Y por huevos, me refiero a tomarnos un cóctel de primera. [...] Lo teníamos todo, ¡la jodimos más y mejor que cualquier otra generación! ¡Éramos tan hermosos!

Nathan Young. Misfits Primera Temporada Capítulo 6.

Lo cierto es que ese excelente monólogo, fuera de contexto, tiene la mitad de la fuerza que posee en boca del genial Robert Sheehan, que interpreta al repelente y a la vez entrañable Nathan. Mucho se ha hablado de Misfits desde que se estrenó su primera temporada. Muchos la califican como un retrato fidedigno de la generación actual: despreocupada, hilarante, irresponsable, violenta, desinhibida, amoral, ambigua, inmadura... Todo un compendio de calificaciones negativas que, sin embargo, en esta serie se presentan como algo positivo, genuino e incluso recomendable si se quiere ser alguien único y con personalidad. En extensión, todos esos adjetivos hacen justicia al carácter general de esta temporada.

La premisa no puede ser más sencilla: cinco jóvenes obligados a realizar servicios comunitarios tras realizar delitos varios son alcanzados por un rayo que les concede diversos poderes. Sin más.

No necesita de más explicación, simplemente la tormenta que lanza dichos rayos crea estragos por toda la ciudad, por lo que nuestros poco modestos protagonistas no son los únicos cuya genética se ve removida de arriba a abajo. Pero serán quienes lleven el hilo conductor de esta primera temporada, en donde veremos a lo largo de sus seis capítulos cómo unas personas tan dispares sobrellevarán esas habilidades tan especiales en su día a día. Y no, por tener poderes no se disfrazan, ni deciden hacerse justicieros ni tampoco villanos. Como cualquier persona de a pie, lo único que hacen es sobrevivir y llevar sus vidas del mejor modo posible, y esto es intentando pasar desapercibidos y arreglando los desaguisados que ellos mismos cometen sin desearlo, ya que no todos los poderes serán tan fáciles de controlar. Jamás verás una forma mejor de representar lo que haría alguien con poderes similares a los que vemos en estos seis capítulos.

Por ello, esto no se parece a Héroes, ni a X-men, ni a nada del estilo. Es una serie políticamente incorrecta con montones de escenas subidas de tono, con todas las características que la permiten poseer, sin ningún tipo de vergüenza, todos los adjetivos enumerados en el segundo párrafo de esta misma reseña. Gracias a esto, estamos ante una rara avis de la televisión, que se apoya en unos personajes sorprendentemente carismáticos, antihéroes absolutos que caen bien pese a su falta de respeto hacia el mundo. Son la fórmula perfecta: los típicos perdedores que prácticamente se enorgullecen de serlo, que no están en una situación mejor porque quieren, porque no precisan de mucho más de lo que ya tienen. Son vulnerables, emocionales y hasta se equivocan continuamente. Como tú, como yo o cualquier joven de todas las generaciones, unos más y otros menos, pero imperfectos al fin y al cabo. No es raro pues que digan que se trata de un fiel retrato de la juventud actual.

Pero dejémonos de buscar moralejas, frases intelectuales o la dichosa doble lectura de rigor. Si Misfists es genial, si destaca o mola es por una razón más que simple: ¡es jodidamente divertida, hostias!

Marvel Héroes: Daredevil - El diablo en el infierno

2011-06-17T10:34:00.000+02:00

Mucho tiempo llevaba sin llevarme a la boca alguna excelencia protagonizada por el llamado cariñosamente "cuernecitos" de la Cocina del Infierno. Concretamente, desde la primera saga de Brubaker en la colección regular, desde entonces como mucho he leído alguna saga notable, pero eran las que menos entre tanto número pasable o flojo, con un tratamiento de Matt Murdock bastante lamentable. Por desgracia, la etapa de Diggle, tan esperada como vilipendiada ha sido (con motivo) después, ha hecho que todo lo anterior sepa a gloria, ante el abismo de mediocridad en el que se ha sumido el personaje con su primer evento, recién publicado en España, en toda la historia de su publicación. Por eso, cuando Panini confirmó que uno de los tomos de su línea Marvel Héroes iba a ser precisamente material de Nocenti y Romita Jr. en Daredevil, a muchos se nos puso la piel de gallina de la emoción: por fin iba a ser publicada esta célebre etapa en en este país, aunque solo fuera parcialmente. Por eso, tras leer el tomo, solo tengo un defecto que resaltar: quiero todo lo demás.

Hay ocasiones en las que el material antiguo decepciona a los lectores acostumbrados a leer (muchos) cómics de otras épocas. Esto se debe también a que estos lectores poseen, en mayor o menor medida, una visión poco nostálgica de dichas etapas laureadas precisamente por gente que se inició con ellas. Por ello, existía cierto temor a la hora de enfrentarse a la lectura de este tomo, ya que un servidor tiene un concepto de Daredevil que está ligado a lo urbano, al conocido barrio de Nueva York, a la abogacía y al Murdock serio pero infatigable.

Nocenti, en estos números, presenta un superhéroe que ya está abatido y vencido (no obstante, comienzan justo después de todos los sucesos relacionados con Kingpin y María Tifoidea), aunque se niega a rendirse y permanece luchador, decidido a abandonar su ciudad natal para realizar un recorrido en busca de su tranquilidad emocional y espiritual. Por el camino, no solo será partícipe de situaciones de distintos niveles de complejidad, como puede ser un simple enfrentamiento contra un par de mutantes conocidos, la lucha contra un demonio externo como el insistente Mefisto o buscar la manera de disculpar a un villano que deja a su hijo en una situación difícil sin que este se resista lo más mínimo; sino que también es capaz de involucrarse a modo de espectador en temas tan polémicos como puede ser el desagradable trato que ejercemos sobre los animales cuya carne compramos habitualmente o la violencia de género.

Y es que Nocenti utiliza la colección no solo para realizar un tratamiento digno de su protagonista y su entorno, sino que también se preocupa por ofrecer varios niveles de lectura para que el lector aprenda algo con las historias que se cuentan, sin emplear nunca una moralina barata que suene a adoctrinamiento. Lo que hace la escritora es algo más especial: ofrecer su visión del mundo con una sensibilidad única, sacando a la luz sus preocupaciones y, con ello, mostrando unas historias sobre un superhéroe bastante atípicas y personales, con una enorme cantidad de denuncia social. Si a todo esto sumamos un excelentísimo dibujo de John Romita Jr. en estado de gracia, que es detallista y expresivo hasta lo apabullante, vemos que nos encontramos ante una obra irrepetible, de las que ofrece una lectura interesante e intrigante, sobre todo porque es difícil adivinar de qué irá la siguiente historia.

Por lo tanto, estamos ante un tomo que no decepciona, un cómic de superhéroes único y diferente, que plantea cuestiones y situaciones de la vida real que no se dedica a seguir los pasos de un esquema prefijado. Es una muestra de que Ann Nocenti jamás fue una guionista al uso, sino una escritora con inquietudes que, con estos números, no hace más que dejarnos con ganas de más. Panini, ¿para cuándo el resto?

Daredevil - Tierra de Sombras

2011-06-15T20:18:00.000+02:00

Echo de menos la excelente racha con la que contaba uno de mis personajes favoritos de Marvel: Daredevil, que jamás en España tuvo una colección regular en grapa que durara tantísimos números. Esto se debe gracias a su periplo en el sello Marvel Knights, donde le escribirían unos autores de lo más interesantes, como el prolífico Kevin Smith, David Mack, Brian Michael Bendis y Ed Brubaker. No cabe duda de que, durante mucho tiempo, esta serie ha sido una de las más mimadas de la editorial. Por ello, aunque muchos quedamos muy decepcionados con el último de los guionistas citados anteriormente, esperábamos muy esperanzados la llegada del escritor de los Perdedores: Andy Diggle, que parecía venir para ofrecer ideas renovadas a una serie que empezaba a ser algo repetitiva y redundante en cuanto a dramatizar en exceso las desgracias de su cada vez más hundido protagonista. Parecía que, con esta nueva etapa, íbamos a conocer derroteros distintos, que Matt iba a coger un poco más de esa fuerza y carácter perdidos, que su plantel de secundarios iba a sufrir un revés... Pero lo cierto es que al final todo quedó en nada. Todo el trabajo que ha realizado se puede leer en solo dos tomos que Panini ha dejado a nuestra disposición: La mano del diablo y, el que nos ocupa, Tierra de Sombras. Y la verdad, el resultado no puede ser más decepcionante.

Aunque, todo sea dicho, no se le puede echar toda la culpa al pobre desgraciado a quien le ha tocado organizar todo este tinglado. Y es que Diggle jamás tuvo oportunidad de realizar nada propio en la colección, y desde luego no era el tipo más indicado para afrontar este enorme barullo. El propio Brubaker ya se ocupó de dejar su etapa con una premisa difícil: Matt Murdock como dirigente de la Mano. Así, solo quedaba que el siguiente guionista se las apañara para sacarlo de esa situación sin que quedara forzado o sin que se viniera abajo todo el desarrollo mostrado en la etapa anterior, una papeleta ciertamente difícil. Más complicado todavía si encima viene el editor ocurrente de turno (nótese el sarcasmo) y te dice: -"Ey, esto tiene potencial, ¡hagamos un crossover, el primer evento de Daredevil!" De esa forma, ya se arma la gorda, porque ahora el guionista ya no solo debe preparar todo este maremágnum, sino que para colmo tiene que lidiar con montones de personajes secundarios que deben pasearse por la saga de marras solo porque de alguna manera hay que incrustarlos para subir ventas, por mucho que no aporten absolutamente nada en la trama. Como es el caso de Punisher, Lobezno, Caballero Luna o el Motorista Fantasma, que se pasean solo para saludar y dar un par de hostias infructuosas. Al final, como ha podido comprobarse, el proyecto le vino demasiado grande al pobre Diggle.

Esto se nota especialmente porque la trama tiene un desarrollo muy caótico, lo cual tiene delito si tenemos en cuenta que es demasiado simple para lo que podría haber sido, reduciéndose todo a una posesión y un solo escenario, que es el que da nombre al evento: Tierra de Sombras. Todo gira alrededor de ese lugar y la Cocina del Infierno, más caótica que nunca, con todos los personajes de la colección queriendo hacer algo cuando realmente solo tres hacían falta para resolver el que puede ser el milésimo intento torpe de la Mano por hacer... algo. Que menudos planes más risibles tienen estos para supuestamente dejar el mundo totalmente yermo. Si al menos contáramos con dibujantes a la altura, podríamos darnos con un canto en los dientes, ya que la historia, aunque muy mejorable, por lo menos se deja leer. Pero por desgracia ni en eso quedamos satisfechos. Billy Tan está más torpe que nunca, y esa evolución que se le adivinaba en aquellos números de Patrulla-X con Brubaker aquí ha desaparecido por completo, pues la tosquedad del dibujante ha regresado y en algunas páginas hace estragos. Roberto de la Torre, aunque bastante mejor por lo adecuado que resulta su estilo, muestra unas páginas muy deficientes por culpa de unos fondos en donde el píxel y la fotografía trucada vilmente destacan como alfileres en los ojos. Pero al menos posee una narrativa y un dibujo superiores, sobre todo en expresividad y encuadres.

En realidad no es tan mal cómic, pero aunque la edición de Panini sea más que decente y tenga un precio ajustado (11 números, entre los de la miniserie del evento y la serie regular de Daredevil muy bien ordenados entre sí, a 25 euros), no es fácil soltar lo que cuesta de una tacada, sobre todo para encontrarse un resultado tan pobre. Podría ser peor, pero no deja de ser lo más flojo que se puede leer del cuernecitos desde hace mucho. Qué decepción, Diggle.

Marvel Héroes: Patrulla-X - Graduación

2011-06-12T16:55:00.000+02:00

Antes que nada, me gustaría aclarar que soy algo blasfemo con los clásicos. Es decir, los mido por el mismo rasero que los cómics modernos, esto hace que no sea demasiado justo con los primeros, ya que lo que funcionaba en una época puede no funcionar ahora, por lo que normalmente se suele recomendar hacer balance para averiguar si la obra era adelantada o no a su tiempo en comparación a lo que había entonces. Esto si se quiere obtener un juicio lo más objetivo posible, claro. Pero por desgracia, por mucho que algo fuera significativo en un momento, si no consigue superar el paso del tiempo, para mí no merece tanta consideración. Y ese problema lo tengo desgraciadamente con Roy Thomas, un guionista que escriba donde escriba jamás consigue gustarme. Sus ideas son muy buenas, pero el desarrollo de las mismas y sus diálogos me parecen muy arcaicos, incluso para su tiempo. Stan Lee, siendo anterior a él, logra convencerme mucho más en la mayoría de sus obras, por lo que tampoco es un prejuicio general hacia un modo de narrar que ya no se emplea, mayoritariamente, en la actualidad. Sabiendo esto, supongo que entenderéis mejor por qué no tengo en mayor consideración esta etapa de los X-men clásicos.

Lo que encuentro en estas páginas de Thomas y Neal Adams es épica en estado puro, pero también "épica por la épica", que al final acaba agobiando porque no dan ni un solo respiro. De hecho, la etapa ya comienza con una situación peliaguda y un villano de gran poder atacando al grupo en un paraje inhóspito. Inmediatamente después, el grupo sufre el ataque de los centinelas, más peligrosos que nunca y en manos de un nuevo dirigente con cierto secreto perjudicial para él mismo. Unas páginas de calma llegan por fin con el ataque de Saurón (no confundir con el de Tolkien), que acaba en tragedia, al más puro estilo de las viejas historias de terror dramáticas. Posteriormente, llegamos al reencuentro con un viejo villano en Tierra Salvaje que deja en jaque a la Patrulla, para después asistir al ataque de los pérfidos Z, Nox, el japonés Fuego Solar hace acto de presencia y finalmente vemos a la Patrulla contra Hulk.

No se puede decir que las tramas no sean variadas o interesantes, en ese sentido Thomas lo bordó: cogió lo que funcionaba, lo que no y lo mejoró, dándole a la serie una mayor entidad de la que poseía en números anteriores. Cierto es que eso tampoco es mucho decir, ya que diciéndolo claramente: Uncanny X-men antes esta etapa es un despropósito. Pero eso no quita el mérito de estos autores a la hora de dar solidez e interés a una serie que parecía acabada. De toda la etapa (o de todo el tomo), la mejor saga es, sin duda, la de los Centinelas, que luego "copiaría" Claremont a su manera con el nuevo grupo de mutantes. La historia de Saurón también es digna de mención, así como la invasión de los Z, Nox, que ya es todo un clásico. Sin embargo, el desarrollo oscila entre lo pasable y lo ramplón. Esto se debe a un tratamiento de las historias por momentos excesivamente teatral, con unos diálogos irreales, dramáticos y artificiales que suenan falsos en boca de unos personajes continuamente exaltados.

Sin ir más lejos, el propio Bobby Drake se pasea a lo largo de todo el tomo quejándose por no tener a Lorna en sus brazos (lo que acaba siendo irrisorio hasta para la época), Ángel se deja capturar una y otra vez tras el monólogo justiciero de rigor (contad las veces que grita eso de "¡esto no lo permitirá... el Ángel Vengador!" y veréis que acaba siendo un personaje ingenuamente plasta) y Bestia con el comentario sarcástico siempre preparado, sin mostrar ninguna genialidad más allá de su verborrea. Todo esto con una grandilocuencia pretenciosa que acaba sacando de la historia, más que ayudar a hacerla entretenida. No creo que el dibujo de Adams ayude mucho a todo esto, ya que pese a su dinamismo, su genialísima composición de página y su ejemplar estudio de anatomía y escorzos, consigue que sus personajes parezcan todos iguales por sus sobreactuaciones, siempre excesivas, siempre con los mismos gestos sobresaltados, apuntando a todas partes y corriendo a toda velocidad. ¡No hay término medio!

Por lo tanto, estamos ante una etapa más que digna, que se ha ganado la fama que posee pero que no deja de tener ciertos excesos de sus autores que la hace menos disfrutable a ojos de los pocos que no estamos acostumbrados. Recomendable para fans de los X-men, pero para aquellos que busquen algo que leer tras la inminente película... mejor recomendar otras obras más accesibles y cercanas al filme de Vaughn.

X-men Primera Generación

2011-06-05T15:02:00.000+02:00

Es cierto que la primera superproducción de Marvel en los cines fue la película de Blade, pero nadie puede negar que el verdadero impulsor del género superheróico en la gran pantalla lo dirigió Bryan Singer con su primera adaptación de los mutantes. Estos filmes que beben de los personajes de las viñetas, que ya han demostrado no ser una moda sino algo que ha llegado para quedarse, han ido sucediéndose a lo largo de la década pasada, con mayor o menor fortuna. Pero lo cierto es que pese a ser los impulsores, los mutantes empezaban a mostrar signos de agotamiento y decadencia en sus últimas películas. Habiendo alcanzado el culmen con X-men 2, parecía que con la ida de Singer en la dirección no iban a poder levantar cabeza, Brett Ratner y Gavin Hood fracasaron, en términos de calidad que no de recaudación, a la hora de realizar sus propias apuestas con la tercera entrega de la saga original y Lobezno Orígenes, respectivamente. Por ello, cuando decidieron relanzar la franquicia con Matthew Vaughn, muchos estábamos con la mosca tras la oreja, especialmente tras recibir noticias de una sinopsis que mostraba una premisa un tanto extraña, con una formación aún más impopular y un reparto un tanto arriesgado en cuanto a popularidad. Se trata, sin duda, de un proyecto que nadie había pedido.

No obstante, nadie imaginó que fueran a realizar una película de los X-men relatando los orígenes del equipo con un Sebastian Shaw interpretado por Kevin Bacon inmerso en plena Guerra Fría entre EEUU y la Unión Soviética en los años 60, con los misiles nucleares de por medio y una guerra a punto de estallar en la que los mutantes toman un papel protagonista. De hecho, en algunos momentos recogen retazos de historia auténtica de forma que hacen aún más convincente el argumento, con los pies en tierra y con una veracidad heredera de las entregas de Singer, con mucho politiqueo de fondo. Se trata de una premisa arriesgada, pero muy interesante, que bien tratada ofrece un punto de partida con muchas posibilidades que, por suerte, ni el director ni guionistas han decidido dejar escapar. Lo más loable es que, con todo esto, se las apañan para realizar la película más fiel al espíritu (que no a la historia de sus personajes) del cómic realizada hasta el momento, con varios de los elementos más populares de este grupo de superhéroes, a saber: las entidades contrapuestas de Xavier y Magneto maravillosamente desarrolladas, la búsqueda de los integrantes del equipo al más puro estilo del famoso Giant-Sized, el entrenamiento de todos ellos, la explicación de por qué es necesaria una escuela clandestina y la batalla campal contra los enemigos del momento.

Todo esto a un ritmo vertiginoso que recuerda a las mejores películas de James Bond, preocupándose por otorgar tridimensionalidad a casi todos los personajes, incluso destacando a varios de los secundarios. Todos tienen su parte del pastel, sus minutos de gloria, incluso los más prescindibles. Solo un par de villanos de Shaw podrían considerarse vacíos de contenido, lo cual es mucho decir si tenemos en cuenta lo numeroso que es el reparto. Los más destacables acaban siendo, no solo los perfectos Charles y Erik que interpretan McAvoy y Fassbender respectivamente, sino también el carismático grupo de jóvenes X-men y, sobre todo, una Raven Darkholme inesperadamente importante. Tanto ella como el futuro Magneto son de lo más sobresaliente del filme, sobre todo por la intensidad que muestra el primero en sus momentos de ira y venganza, que es donde más sorprende por su convicción y naturalidad, llegando a convertirse en el epicentro de la cinta. Vaughn maneja todos los elementos con gran inteligencia y muy buena mano, deslumbrando incluso a los más reticentes con grandes dosis de acción, humor y unos diálogos que lejos de entorpecer no hacen más que perfilar a unos personajes que están muy lejos de resultar planos o tópicos. Solo pueden achacarse ciertos errores en cuanto a la continuidad de la saga, que curiosamente parecen invalidar las películas que no ha dirigido o producido Singer. ¿Casualidad o algo premeditado? No importa, porque ello no es capaz de echar abajo a la que puede considerarse como la película de los mutantes más redonda hasta el momento.

Supongo que es irónico, porque con esta película todos los fans de la trilogía original habremos llegado a la misma conclusión: ojalá aquel marido de Claudia Schiffer, que tantísimo criticamos en su momento, hubiese dirigido la tercera parte de la saga. Nunca es tarde si la dicha es buena, pero no deja de ser toda una lección para todos aquellos que jamás quisimos darle una oportunidad.

Los Borgia - Primera Temporada

2011-05-30T13:03:00.000+02:00

Mario Puzzo dijo en varias ocasiones que la familia conocida como los Borgia fue la primera que se podía considerar mafiosa con todas las de la ley. Por ello, cuando el canal Showtime, culpable de la fascinante Los Tudor, anunció que pensaban realizar una serie sobre este polémico papado con Jeremy Irons de protagonista y Neil Jordan (La extraña que hay en ti, Entrevista con el Vampiro, En compañía de lobos...) de director, escritor y productor, se me antojó imprescindible la propuesta, y más cuando vino acompañada de un sustancioso presupuesto. El trailer sacó de dudas a muchos y no fuimos pocos los que caímos en las redes de esta interesantísima serie histórica.

Un tanto culebronesca, con las típicas intrigas de "palacio" y demás, si en algo destaca Los Borgia con respecto a otras series del mismo estilo es por su material de origen. Al contrario que ocurre con la historia de Enrique VIII, la de Rodrigo Borgia es una trama mucho más intrincada, más variada e interesante, menos centrada en él y más en el resto de su familia. Esta vez tenemos a un Papa bastante amoral pero ingenioso y devoto con sus hijos, no así tanto con su mujer. O al menos es así como nos lo presentan en estos capítulos, como un hombre dispuesto a todo, libre de ataduras y con el lema de "el fin justifica los medios" siempre presente. No es el tipo que te gustaría tener ni como aliado ni como enemigo, ya que ni sus propios hijos son capaces de entender del todo sus intereses. Es honorable a su retorcida manera, un antihéroe que no resulta tan aberrante y taimado como debería parecernos gracias al contraste que ofrece al lado de reyes, obispos y nobles que acaban siendo peores que él. Incluso Della Rovere, el personaje más noble de esta temporada, acaba organizando carnicerías sin quererlo, con una inocencia que resulta más insultante que la determinación del propio Papa.

Al fin y al cabo, si hay algo que consigue que nos pongamos de parte de esta familia eso es la falta absoluta de falsedad en el desarrollo de la historia. Como en los buenos relatos de personajes ambiguos, en ningún momento pretenden hacernos creer que los actos de estos protagonistas son los adecuados, sino que simplemente nos presentan un entorno hostil en el que hay que sobrevivir cuando se pretende llegar a lo más alto y mantenerse. Ya que de otra manera resulta imposible ser alguien importante, si no es jugando con los mismos métodos de aquellos que ya están arriba.

Por lo demás, Los Borgia posee una factura técnica impecable (en serio, las mejores guerras de época se hayan podido ver en una serie), con unos actores a la altura, en los que destacan precisamente dos de los hermanos: César y Lucrecia Borgia. El primero por sus métodos poco ortodoxos y su relación con el implacable Micheletto y la segunda por su evolución, una de las más logradas que se han visto nunca por televisión. Y es que este par de actores consiguen hacer creíbles a sus personajes, consiguiendo que no parezcan los mismos cuando acaba la temporada. Especialmente la segunda, con la una actriz, Holliday Grainger, sencillamente arrebatadora, que enamora al espectador desde el primer momento en que aparece en pantalla, siendo una doncella virginal realmente inocente que jamás resulta absurda o ridícula. Todo al contrario, demuestra una fuerza y un carácter que llegan a ser superiores al del resto de su familia. Estos dos, por lo tanto, acaban tomando fuerza y protagonismo en una trama coral donde incluso el rey de Francia, interpretado por Michel Muller, resulta impredecible e inquietante a su manera.

Así pues, esta primera temporada convence de sobra, aunque quede algo coja por el final debido a unas enormes elipsis en donde todo transcurre demasiado deprisa, especialmente cierto detalle con respecto a Lucrecia que se resuelve de un plumazo. No es la obra maestra que Showtime pretende vendernos, pero sí algo más que digno, superior a los Tudor gracias a una ambientación, unos efectos especiales y un material de origen superiores. Imprescindibles para aquellos amantes del culebrón de época con conspiraciones de por medio. No defrauda.

Canción de Hielo y Fuego #3: Tormenta de Espadas

2011-05-25T13:59:00.000+02:00

Lo más impresionante de la saga de George R. R. Martin: Canción de Hielo y Fuego, es la forma en que su escritor es capaz de dotar de vida todo un mundo completamente nuevo con sus propias reglas, su propia historia y sus costumbres. Es una acumulación realmente fascinante de emblemas, familias, tribus, razas y personajes, cada uno distinto al anterior. Dentro de cada uno de estos libros hay más de una historia, y todas ellas tienen algo que ver entre sí, ayudan a confeccionar todo un puzzle en el cual toda pieza es importante, sobre todo si tenemos en cuenta que jamás nada es lo que parece.

Al igual que el mundo real, "la Historia la escriben los vencedores". Los bardos de Canción de Hielo y Fuego cuentan sus historias con canciones a favor de aquel que se encuentra en la posición más ventajosa, para adularlos y agradarles por intereses propios, siendo al final el pueblo quien narra sus propias historias. Por ello, el lector se ve incapaz de emitir juicios de valor sobre un personaje u otro, ya que cada uno de ellos se encuentra en diferentes situaciones de difícil salida. Ni tampoco es fácil decantarse por una Casa u otra. En Poniente hay una guerra que amenaza con cambiar para siempre el status quo de los Siete Reinos, existen varios reyes que luchan por el control de la zona, buscando la derrota del adversario. Para ello vale todo: la traición, la conspiración e incluso el deshonor. Lo más interesante es que la sangre no corre solo en las grandes batallas, puede derramarse en grandes cantidades en los lugares y momentos más inesperados, y la lección es siempre la misma: no creas en las canciones. No seas Sansa. Da igual lo que diga la historia, siempre ganará el más osado y manipulador, nunca aquel que busque seguir las reglas y el honor. Ya lo dijeron: "en el juego de tronos solo se puede ganar o morir". Esa es la gran verdad de este crudo mundo, tan auténtico como el nuestro, pese a sus dragones y demás seres fantásticos.

Por tanto, ¿qué tenemos en esta tercera entrega? Lo que parece el epicentro de una gran guerra que va más allá de Poniente en la cual cualquier personaje puede morir, sin que esta sea la peor de sus suertes. De hecho, lo mejor que hace esta entrega es demostrarnos cómo la muerte puede ser el menor de todos nuestros problemas, definitivamente hay cosas mucho peores en esta vida, destinos bastante más terribles e infiernos que pueden llevarnos a la locura y a la mayor de las desesperaciones, cambiándonos para siempre. Lo vemos todo, como es costumbre en esta saga, a través de los ojos de varios personajes. Algunos secundarios tienen ahora capítulos propios y dan puntos de vista diferentes a los mostrados hasta el momento. Pero lo mejor es que, cada uno de ellos tiene su propia importancia y un interés mayúsculo, todo lo contrario que encontramos en la segunda entrega, Choque de Reyes, donde el lector podía llegar a desear saltarse un capítulo para ver qué ha sido del otro personaje que dejamos anteriormente. Esto no ocurre aquí, porque todos, a su manera, enganchan. Tanto que es fácil sufrir por cada uno de los partícipes de esta gran historia. Pero lo más sobresaliente, lo que resulta inigualable, es la forma en que empiezan a vislumbrarse hilos, marionetas y titiriteros. Algunos imprevisibles, sobre todo por la cantidad de "despistes" que nos han dejado en anteriores entrega.

No se me acaban los elogios con este gran libro, el más extenso pero el que he acabado antes que ninguno, pareciéndome el mejor de todos los mostrados en esta saga hasta el momento. Va a ser realmente difícil de superar.

Thor, la adaptación de Branagh

2011-05-03T11:37:00.000+02:00

Han sido tantas las adaptaciones de cómics de superhéroes que han pasado ya por la gran pantalla que nuestros niveles de exigencia y nuestras expectativas se han elevado de un modo que nunca imaginamos. Esto es mucho peor cuando nos encontramos ante un proyecto fílmico con un director y unos actores que prometían en exceso, como ha sido el caso del dios nórdico, cuya versión en cines ha caído en manos de Kenneth Branagh, un director muy apreciado, pese a no haber sido nunca un revienta-taquillas. No obstante, estamos hablando de alguien acostumbrado a adaptar relatos de Shakespeare, cual Orson Welles moderno (salvando las distancias, claro), por lo que todo el mundo lo encontraba acertadísimo para llevar a cabo las andanzas del hijo de Odín, portador de Mjolnir, el dios del trueno, que con tanta verborrea nos ha embelesado gracias a gran parte de los guionistas que han escrito sus historias en la editorial Marvel. Muchos nos mostramos expectantes con tal de ver un filme del género que resultara atípico y con personalidad. Debo decir que, en esto último, podemos quedar un tanto decepcionados.

Y es que nadie podrá decir que es el filme más personal de Branagh, su firma se ve indudablemente en las partes que transcurren en la ostentosísima (en ocasiones demasiado) Asgard, en donde los dioses tratan temas de gran relevancia, al menos los de mayor importancia: padre, hijo y ahijado; Odín, Thor y Loki respectivamente. El trío más importante e interesante de la historia, los que dirigen la trama principal. Pero el resto de las escenas del largometraje, especialmente las que transcurren en la Tierra, casi podrían estar dirigidas por un director cualquiera, especialmente alguna que otra batalla, pese a la solidez de lo rodado. Lo que más sorprende es que en una sola película se atrevan a trasladar a gran parte de los asgardianos, con cierto inesperado protagonismo, especialmente los cuatro compañeros de Thor: Hogun, Volstagg, Frandal y Lady Sif. Con Heimdall por otro lado, interpretado por un imponente Idris Elba, con el porte con el que ya nos tiene más que acostumbrados. Solo se echa un poco en falta a Balder el Bravo, pero la verdad es que más personajes habría sido excesivo, y más cuando todos tienen sus pequeños momentos de gloria en la pantalla. A destacar especialmente el simpático Frandal, cuyo arrojo y alegría en la batalla es de los que sorprenden. Una genial interpretación.

Sin embargo, Thor no queda tan redondo. Chris Hemsworth realiza un papel más que correcto, y tras verle con el Mjolnir realizando las piruetas características del personaje es difícil imaginar a otro interpretándolo. Es realmente el Christopher Reeve que necesitaba el dios nórdico del trueno, da el pego físicamente y posee más de un registro. El problema, por tanto, no está en el actor, sino más bien en el guión, ya que su historia con Jane Foster y su evolución quedan demasiado forzadas, como gran parte de lo que ocurre en la Tierra. En otras palabras, el guión es más que correcto, completísimo y con todos los elementos de Asgard que podríamos esperar en una adaptación de este calibre. Pero por desgracia naufraga a la hora de mostrar un desarrollo que nos haga creíbles tanto la relación del dios con la humana (una Natalie Portman desaprovechadísima), que queda muy forzada, como el paso hacia la humildad del vanidoso futuro gobernante de Asgard. No transcurre un tiempo que deje margen a una experiencia que deje mella en el protagonista, siendo esta la mayor lacra de esta película. Además, el tono constante de humor de comedieta americana en muchas de las escenas con los humanos llega a molestar, aunque en otras ocasiones funcione con cierta soltura.

Así pues, es una obra imperfecta que merece la pena ver solo por una cosa: Loki. Su intérprete, Tom Hiddleston, podría manejar él solo la película. De hecho, me atrevo a decir que en ocasiones llega a comerse la pantalla aún compartiéndola con un peso pesado del calibre de Anthony Hopkins, que tampoco lo hace nada mal como Odín. Se trata de uno de los mejores villanos del género que hemos podido ver en la gran pantalla. No es una exageración, pues se encuentra a un nivel muy similar al de Ian McKellen como Magneto en la trilogía de X-men, de unas características muy similares. Ambos no se consideran villanos a sí mismos, son víctimas de las circunstancias y de enormes desengaños, poseen ambición y no consideran más importantes los métodos que el resultado en sí. Se podría decir que son buenas personas forzadas a ser malvados porque las circunstancias los han hecho así. Pero es que además, Hiddleston otorga credibilidad a su personaje, no parece un villano cualquiera, no tiene gestos típicos ni se porta como si quisiera dominar el mundo. Es un hijo rechazado, un hombre inseguro que fue burlado constantemente por los suyos. Es un mentiroso de lengua pérfida cuyos actos, pese a ser engaños y manipulaciones, se pueden llegar a comprender. En resumen, Thor es una película interesante gracias a su antítesis. Lo cual no es poco.

Es una pena que, sin embargo, no sea todo lo redonda que pudo haber sido. Su CGI es demasiado cantoso, posee momentos demasiado cómicos o demasiado típicos y, sobre todo, falla en mitad del desarrollo pese a tener un enorme comienzo y un emocionante final. Menos mal que todo queda compensado con una historia que merece la pena, un villano genial y un diseño de producción sólido. No está a la altura de las mejores del género, pero se disfruta, que ya es más de lo que se puede decir de muchos largometrajes que pueden verse en nuestras carteleras.

Scream 4

2011-04-23T19:39:00.000+02:00

Hay una cosa en la que casi todo el mundo estaremos de acuerdo: las secuelas de las slasher-movie (que vienen a ser las películas de asesinos en serie para adolescentes, aunque la definición puede ser bastante más amplia) son la peste. Qué digo la peste, basura infecta para orcos. Cualquier calificativo derivado de cualquier elemento de un vertedero no hace justicia a la repugnancia que nos da a muchos la forma en que la productora de turno aprovecha el tirón de una película exitosa del género, sin preocuparse ni unos mínimos en su público, sin tener en cuenta un guión, ni nada de nada. Por supuesto que hay excepciones, pero pocas pueden presumir de siquiera igualarse al filme original, hacen todo lo posible para exprimir al máximo la gallina de los huevos de oro sin el mínimo respecto hacia el espectador. Curiosamente los remakes se cuidan un poquito más, quizá por eso de superar más expectativas. Ahora bien, este párrafo que acabáis de leer, podría ser perfectamente un diálogo de Scream 4.

¿Esto qué quiere decir? Que mientras que otras sagas de psychokillers buscan reinventar la rueda, cambiando entornos, metiendo más carnaza a la que quitar de en medio a la mínima o cambiar directamente al asesino o su modus operandi, Scream 4 va a lo fácil: simplemente es fiel a su propia premisa. Nada, absolutamente NADA ha cambiado, es una nueva generación de actores, sí, pero se mantienen algunos de los supervivientes de las tres primeras. Los asesinatos siguen siendo a cuchillo, la máscara sigue siendo la misma, las casas continúan sin tener cerrojos, las ventanas están abiertas, los policías son ineptos, los adolescentes siguen siendo cinéfilos del copón, la música sigue siendo la misma, el humor permanece intacto... todo sigue exactamente igual en esta secuela, todo.

Entonces, ¿para qué ir a verla? Para eso vemos cualquiera de las que tenemos ya disponibles, ¿no? Pues no, porque tenemos la suerte de que Wes Craven ha hecho los deberes y si bien no ha ofrecido nada demasiado nuevo u original esta vez, al menos ha sabido coger todo lo que funcionó en la primera parte de la saga y lo ha vuelto a utilizar de forma que la fórmula sigue siendo tan fresca y eficaz como lo fue el primer día. Es más, se nota que se lo pasaron tan bien rodando este desenfadado slasher que ese humor negro tan pasado de vueltas resulta extraordinariamente divertido. Y es que a veces no se necesita más que ser honesto con lo que se pretende transmitir: Scream 4 es lo que es, una secuela dignísima que supera a las anteriores gracias al hecho de que nunca se toma en serio a sí misma y, pese a todo, logra impactar. El inicio coge por sorpresa, el desarrollo pasa volando y el clímax final con el descubrimiento del (o los) asesino(s) resulta satisfactorio gracias al mensaje que se pretende transmitir y a un (o una) Ghostface (que es como se llama al asesino o asesina de la máscara) que es, en mi opinión, el (o la) mejor de todos los vistos hasta el momento. Y es que Scream sigue siendo lo que es, pero los adolescentes han cambiado, hasta un viejales como Kevin Williamson (guionista del filme) lo sabe y lo comprende a la perfección.

En definitiva, algo tendrá esta película que consigue resultar bastante más efectiva que cualquiera de los sucedáneos que salieron en la época de los 90 o en la década que hemos dejado. Para mí ha sido un regreso francamente delirante a la adolescencia, a la basura que tragaba en aquella época, ciertamente. Pero a veces un Big Mac puede resultar muy apetitoso, como es el caso.

Canción de Hielo y Fuego #2: Choque de Reyes

2011-03-31T11:55:00.000+02:00

A veces hay nada peor que empezar una saga con un libro tan excelso como Juego de Tronos. George R. R. Martin cometió el "error" de empezar dándolo todo, ofreciendo sus virtudes al servicio de una gran historia que comienza con fuerza y osadía, siempre por delante del lector y capaz de sorprender en cada uno de los capítulos que la compone. Por eso, cuando llegamos a la lectura del segundo libro, es más fácil perder el interés al perderse también el factor decisivo de la novedad. En otras palabras, el lector está más acostumbrado, ya ha sido mimado antes y no permitirá que se baje el nivel ni tan siquiera unos mínimos. Se podría decir que esta segunda entrega, Choque de Reyes, lo mantiene, pero para el que esto escribe, ya no deslumbra tanto como antes, aún siendo un excelente libro de conspiraciones, personajes y aventuras.

Ahora la familia Stark no es la absoluta protagonista. Los capítulos están más diversificados y aquellos que los protagonizan se van alternando con más frecuencia y distancia entre sí. Algunos de los secundarios toman el protagonismo, como es el caso de Theon Greyjoy y aparecen algunos nuevos de lugares que todavía no habíamos presenciado pero sí habíamos visto nombrados anteriormente. En todo caso, la situación se ha diversificado mucho más, y el status quo comienza a variar paulatinamente, de un modo tan sutil que ni siquiera nos damos cuenta a primera vista. Sin embargo, esta vez la organización a partir de capítulos enfocados en varios personajes es bastante más irregular que en Juego de Tronos, como si a Martin le costara un poco habituarse a la complejidad de la enmarañada red de sucesos que elabora. Es decir, antes todo resultaba igual de interesante, a excepción quizá de cierta hija de cierto amigo del rey. Pero ahora unas tramas están por encima de otras en cuanto a interés, y la razón no es otra que los diferentes grados de preparación que necesitan unas u otras para alcanzar el clímax esperado. No cabe duda de que, por la recta final del libro, el escritor consigue la solidez esperada y todo, por fin, vuelve a ser igual de trascendental y crucial que en la entrega anterior. Mientras tanto, quizá echemos de menos las desventuras de Arya por encima de las del bastante más soso Bran o las trifulcas de Tyrion por encima de las de Jon Nieve, por citar dos ejemplos.

No obstante, es difícil no asombrarse al observar la habilidad con la que Martin consigue permanecer siempre por delante del lector. Lo cierto es que nada resulta previsible, intentar averiguar lo que viene a continuación es muchas veces tarea imposible. Por ello, esta lectura es siempre interesante, sobre todo porque los personajes evolucionan constantemente y están muy bien escritos, no hay dos que se parezcan y todos persiguen sus sueños, luchan contra sus fobias y defienden lo que creen. Por tanto, todo lo que era genial en Juego de Tronos persiste aquí, sin que nada resulte repetitivo. De hecho, la única trama que pueda considerarse similar a otras del libro anteriormente citado es la de Tyrion, por estar éste en una situación similar a la que estuvo otro personaje. Pero el enano de los Lannister se preocupa por llevar las conspiraciones de Desembarco del Rey en otra dirección, al poseer un carácter sumamente distinto al de su predecesor. Como la vida misma, nada ocurre otra vez de la misma forma, aunque hayan secundarios que pretendan repetir conflictos éstos nunca se desarrollan igual. Y es que lo mejor de esta saga se encuentra en los detalles: los sueños, los símbolos, las costumbres, vestimentas, canciones, el idealismo de las situaciones de antaño frente a la crudeza de las actuales... La preparación a fuego lento de todo un universo memorable que parece tan real como el nuestro.

Por eso, pese a que subjetivamente pueda encontrar el interés de los capítulos un tanto irregular en comparación con la solidez presentada en la primera entrega, mientras se continúe presentando un mundo tan rico como el mostrado, me veré obligado a no dejar de leer lo que venga a continuación. Qué ganas hay de leer Tormenta de Espadas y qué extraño me siento sin leer sobre Poniente.

Canción de Hielo y Fuego #1: Juego de Tronos

2011-03-29T10:24:00.000+02:00

"Tienes que leer Canción de Hielo y Fuego, te aseguro que te gustará". "Tiene todos los ingredientes que tú buscas: acción, buenos personajes, traiciones, conspiraciones, conceptos fascinantes... no te arrepentirás". Esto me decían unos cuantos lectores de la dichosa saga. "No, gracias", respondía yo, "no tengo tiempo para leer libros". Qué ironía, porque ahora lo que no tengo es tiempo para leer cómics o ver series. ¡Estos puñeteros libros son los que lo ocupan ahora mismo!

En la parte inferior de los susodichos debería haber una inscripción que rece así: "Estas novelas son peligrosamente adictivas y perjudiciales para su vida social". Lo segundo lo menciono porque ahora no puedo refrenar el impulso de dirigirme a alguien y hablarle de la dichosa saga. Ahora comprendo por qué tantos hicieron lo mismo conmigo, esperando ver un brillo en mis ojos para engancharme a ella y conseguir tener a alguien más con quien comentarla. Y es que hay muchísimo que contar, la primera novela titulada "Juego de Tronos" supone una carta de presentación para todo el grueso que vendrá, presumo, en los siguientes tochos. Pero cualquiera dice que por ello es una obra menor, debe ser la mejor presentación de todo un universo con historias pasadas y futuras que he podido ver hasta el momento. Que el resto pueda ser más o tan fascinante como lo aquí escrito parece una tarea titánica de la que ignoro si su escritor, George R. R. Martin, podrá salir airoso, y más a día de hoy, faltando todavía dos entregas por hacer y con una que falta por publicarse. De lo que no cabe duda es que, para empezar, ya parece inigualable.

Montones de clanes, de personajes, de conceptos, escenarios y de subtramas que giran alrededor de una sola. Con una historia tan coral donde es difícil incluso elegir personaje favorito, Martin tuvo la genial idea de centrar cada uno de los capítulos en cada uno de ellos, aún corriendo el riesgo de desesperar al lector por mostrar a unos más interesantes que otros. Por suerte, tal es la habilidad del escritor que consigue fascinarnos con todos por igual, sean estos nobles, traicioneros, caprichosos, patanes o pusilánimes. Da igual, los hay de todos los colores y para todos los gustos. No importa que la historia de Daenerys apenas tenga relación, por el momento, con el choque entre clanes o las conspiraciones palaciegas que pueden darse en el castillo de Robert Baratheon. No importa si las ideas y anhelos de Vyseris o de Sansa no tienen nada que ver con las del carismático Tyrion Lannister, como tampoco importa si la trama de Jon Nieve ocurre lejos de las intrigas de la casa del Rey. Aunque todas transcurran paralelas y con intereses muy diversos, ninguna toma protagonismo. Todas importan, todas asombran y, por supuesto, queremos ver cómo se va desarrollando cada una hasta que todas colisionen en algún punto. La grandeza de la novela reside en la ambición de crear un complejo puzzle repleto de personajes avariciosos con intereses, ganas y empeño por conseguir sus objetivos.

Nada de esto sería igual sin un buen retrato de todos y cada uno de los personajes que conforman el relato. Como iba diciendo, ninguno es lo que parece, nadie es un tópico andante y actúan de forma que es difícil adivinar qué es lo que harán a continuación, pero siempre se comportan según su personalidad. Y por supuesto, nada de todo esto sería igual si no pasaran cosas realmente peliagudas, con momentos en donde es fácil sufrir por algún que otro personaje metido en una peligrosa situación. El status quo jamás permanece demasiado tiempo impasible, la historia es tan cambiante como el agua mecida por el viento: sus ondas lo cubren todo y perjudican o benefician a más de uno según la situación del momento. Nadie permanece inalterable y la muerte está a la vuelta de la esquina. Nunca se sabe cuándo puede llegar el final de cada uno, lo que hace aún más interesante esta novela de fantasía. Una fantasía que, por otro lado, se antoja realista, más medieval que fantástica, pero parece que hasta eso podría llegar a cambiar.

En resumen, es una de las mejores historias que he podido llevarme a la cara, simple y llanamente. Ha sido una suerte que la cadena HBO fuera la que comprara sus derechos, porque difícilmente existe otra que sea capaz de ser fiel a la ambigüedad de tan crudo amasijo de intereses, envidia y honor retorcido. Se acerca el invierno, y ojalá sea tan largo como predicen.